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La oveja Shaun fue uno de los personajes secundarios surgidos del cortometraje de “Wallace and Gromit: un esquilado apurado”, la tercera entrega de esta saga realizada mediante animación stop-motion con figuras de plastilina. 

Pero empecemos definiendo qué es la técnica stop-motion: El proceso de la animación en stop-motion es una tarea increíblemente minuciosa, ya que consiste en usar muñecos que se mueven con mucho cuidado, fotograma a fotograma, para obtener la ilusión de movimiento. Los muñecos son manipulados en incrementos de apenas medio milímetro. Cada postura es fotografiada como una toma, luego los animadores vuelven a mover los muñecos otro medio milímetro, y el proceso se repite una y otra vez. Un equipo puede trabajar 12 horas para conseguir un total de uno o dos segundos de metraje al final del día. 

Debido al tremendo éxito de esta pizpireta oveja, sus creadores, Aardman Animations, decidieron convertirla en protagonista de sus propias aventuras. Así nació el spin-off “Shaun The Sheep”, una serie de televisión, dirigida por Christopher Sadler y producida por Nick Park y Peter Lord, que está ambientada en una granja y donde su mullida estrella comparte escenario con otros animales. 

Gracias a YouTube podemos disfrutar de un montón de episodios de esta divertida oveja. Os recomiendo echarles un vistazo, porque son geniales, como todo lo que lleva el inconfundible sello de calidad de esta factoría británica.

Delft, Holanda, 1665. La joven Griet entra a servir a casa del pintor Vermeer. Éste, consciente de la intuición de Griet con la luz y el color, irá introduciéndola poco a poco en su mundo. Por otro lado, la suegra de Vermeer permite la relación entre ambos a fin de que su yerno aumente su exigua producción de cuadros. Griet se rinde al magnetismo de Vermeer, si bien no puede estar segura de los sentimientos del pintor hacia ella. Finalmente, el maquiavélico Van Ruijven, consciente del grado de intimidad existente entre el maestro y la sirvienta, se las ingenia para que Vermeer reciba el encargo de pintar a Griet a solas. El resultado será una de las mayores obras de arte jamás creadas, pero... ¿A qué precio para Griet?  

“La joven de la perla” recrea el posible origen de la creación del cuadro homónimo del pintor holandés Vermeer. No es una historia de amor, ni intenta serlo. 

Basada en la magnífica novela de Tracey Chevalier, la película ha desmejorado mucho el libro. Las miradas y las sensaciones que salen de este libro son imposibles de encarnar, sobre todo si el peso de la interpretación recae en dos actores tan inexpresivos (al menos aquí) como Colin Firth y Scarlett Johanson. En conjunto la película es interesante, pero no llega a entusiasmar, por ser algo convencional en su narración y por empobrecer la historia (muchas de las cosas que pasan solo se entienden si has leído el libro, otras directamente se han omitido… y eso por no mencionar que han cambiado el final). 

Eso si, estéticamente es una pequeña obra de arte visual. La precisión en la ambientación o el cuidado por los detalles son dos puntos a tener en cuenta. Y sobre todo es esplendido el uso del color que utiliza el director de fotografía Eduardo Sierra, ha conseguido captar el uso de los colores del pintor Vermeer y de toda la sociedad holandesa del siglo XVII.

"Cambiaría el más bello atardecer del mundo por una sola visión de la silueta de Nueva York. Particularmente cuando no se pueden ver los detalles. Sólo las formas. Las formas y el pensamiento que las hizo. El cielo de Nueva York y la voluntad del hombre hecha visible. ¿Qué otra religión necesitamos?". 

Nueva York, 1932. Howard Roark (Gary Cooper) es un arquitecto neoyorkino convencido de la excelente calidad de su trabajo a pesar claramente a contracorriente de la agotada y vacía tradición arquitectónica, y que no se deja influenciar por nadie; testarudo, individualista, autosuficiente. Vive completamente ajeno a las intrigas, a las mezquindades y a la codicia de los demás, y su único interés en el mundo es construir, crear. 

Película basada en la novela homónima de Ayn Rand, sigue bastante fielmente la trama argumental del libro, aunque dejando fuera interesantes tramas secundarias.  El guión fue escrito por Ayn Rand, y controlado minuciosamente por ella misma de una forma desacostumbrada en Hollywood. Lo que no pudo conseguir fue que los decorados arquitectónicos fuesen hechos por Frank Lloyd Wright, el arquitecto real que inspiró parcialmente al personaje de Roark. Pero los elevados honorarios de Wright hicieron que los estudios vetaran esa posibilidad.  

En cualquier caso, ni Ayn Rand ni Gary Cooper quedaron satisfechos con la película. Gary Cooper pronunció el famoso discurso final sin entenderlo realmente, cosa que se nota en la entonación y el énfasis. La relevancia de ese discurso, en cuanto al papel que otorga al artista y a la función del arte en nuestra sociedad, es motivo suficiente para que lo disfrutemos por si mismo en un futuro post… aunque la próxima semana cambiaremos totalmente de registro, e inaguraremos una nueva sección. No os lo perdáis!

"Un edificio no puede copiar el estilo de otro, igual que un hombre no puede tomar prestada el alma de otro"

Tae-suk, un universitario en paro, lleva una vida peculiar: ocupa temporalmente viviendas cuyos habitantes sabe que están ausentes. Nunca roba ni ocasiona daños en los hogares de sus involuntarios anfitriones. En realidad, es una especie de fantasma que recompensa su forzada hospitalidad haciendo la colada o arreglando alguna que otra avería doméstica. Sun-hwa, que en tiempos fue una hermosa modelo, se ha visto convertida en una sombra viviente por un marido que la maltrata. El destino cruza los caminos de Tae-suk y Sun-hwa, cambiando sus vidas. 

Escrita, producida, dirigida y montada en apenas 2 meses por el cineasta coreano Kim Ki-Duk, Hierro 3 es un  irónico y brillante cuestionamiento de algunos de los pilares sobre los que construimos nuestra identidad.
 

La crítica social está presente en todo el metraje: el maltrato de la mujer, el poder de las apariencias, el abandono de los mayores, la corrupción policial, la incomprensión del inadaptado y la injusticia. Frente a ello tenemos el uso de la mente sobre la fuerza, la solidaridad, y el amor, un amor incondicional capaz de transformar y elevar a la persona.  

El guión se caracteriza por la brevedad de los diálogos y la extensión de los silencios compartidos de unos personajes que se comunican con la mirada, el gesto y la acción. Los personajes de Kim son gente de pocas palabras. Como él ha manifestado en alguna entrevista, han sufrido alguna herida muy profunda, una decepción muy grande que ha matado su fe y su confianza. 

Hay algo que agradezco sobremanera a este director: asume que su público es inteligente. Simplemente muestra las imágenes y deja que nosotros hilemos la historia. No explica nada, porque aparentemente todo se explica por sí mismo. Llevar eso a cabo sin caer en lo pretencioso, en lo críptico o en lo pedante, me parece, hoy por hoy, un malabarismo. 

La película, ganadora del León de plata de Venecia al mejor director, está hecha para ser contemplada, observada y saboreada, con ánimo sosegado y abierto a la reflexión. Una película minoritaria, solamente recomendable para quienes estén dispuestos a perderse en su visión poética del mundo y reflexionar sobre los mensajes que desprende.