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La compleja historia de los Corleone, una de las familias de la mafia neoyorkina de los años 40, liderados por un implacable padre de familia y hombre de honor (inmenso Marlon Brando) y cuyo poder hereda su hijo más pacífico (asombroso un primerizo Al Pacino de mirada gélida).

Excelente adaptación de libro de Mario Puzo, un equilibrio magistral de los temas personales con los negocios. Marlon Brando rechazó en un principio participar en una película que ensalzara a la mafia, pero descubrió en el guión una especie de crítica social y aceptó. Su deconstrucción del modelo familiar tradicional, mostrando todos los turbios entresijos de la familia Corleone, la ácida crítica hacia la corrupción jurídica y policial, su desprecio por la hipocresía de la clase política o su cuestionamiento de la jerarquía eclesiástica y sus motivaciones, convierten al Padrino en una de las más demoledoras críticas sociales que el cine haya efectuado jamás.

Apoyando al gran Brando, Al Pacino (bordando la increíble metamorfosis del personaje de Michael) y James Caan (excelente en su caracterización como el violento Sonny Corleone). Junto a estos un reparto de grandes secundarios (Robert Duvall, Diane Keaton, Richard Conte, John Cazale, Richard Castellano...). Mención especial para un Sterling Hayden ya en la recta final de su carrera. Un actor de gesto adusto y hombros de plomo, un rostro que podía encarnar la maldad y la corrupción de manera genial, pero también la duda y la fragilidad del que juega en el alambre y la bondad del duro, del desplazado. Y todo sin cambiar apenas de registro, con solo relajar o no los pómulos.

Una majestuosa puesta en escena, monumental partitura de Nino Rota, una cándida y admirable fotografía de Gordon Willis, y un suntuoso diseño de producción de Dean Tavoularis. Pero lo más impresionante de esta película es su ritmo narrativo, la forma en la que Coppola hace avanzar la historia, con un prodigioso uso del montaje, la forma genial de mostrar acontecimientos simultáneos (la escena del bautizo entrelazada con los asesinatos, en la que los golpes del órgano acompañan los balazos contra los miembros de las otras "familias" es una secuencia que deja sin aliento).

El virtuosismo narrativo de Coppola se evidencia con mayor fuerza en las escenas clave, elevando así el tono épico:

Plano largo, pausa, plano medio, se acelera el montaje, plano corto, menos segundos entre corte y corte, plano detalle de rodillas y piernas, un segundo apenas, disparos... Ya está. Calma de nuevo, pausa. La cámara se aleja, se derrumba el todopoderoso, nos lo retrata humano, vulnerable, vencido. No se puede rodar de forma más perfecta que el atentado a Don Vito Corleone.

Durante la II Guerra Mundial, el Mayor Nelson y sus hombres son lanzados en paracaídas sobre la jungla birmana, tras las líneas enemigas, para destruir una estación de radar japonesa. La angustiosa y extenuante expedición a través de la jungla y los pantanos repletos de soldados enemigos se convertirá en un juego mortal en el que tan importante será cumplir con éxito la misión como poder ser rescatados. 

“Objetivo Birmania” es una película de circunstancias: rodada en plena guerra mundial y con el propósito de justificar el extenuante ejercicio bélico. Al margen de la “japonofobia” que irradia todo el film, además de que desde el punto de vista biogeográfico muchos paisajes no corresponden con Birmania (aunque a decir verdad los resultados para haber sido rodado casi íntegramente en Central Park son magníficos)… pues a pesar de todo ello “Objetivo Birmania” es maravillosa. 

Walsh extrae del cine de combate su fibra más tensa, sólo un director como Walsh podía hacernos sentir el paso de las horas, de los días, los mosquitos, el barro, la humedad....e incluso la muerte y la amistad. Unos soldados y el ansia desnuda por sobrevivir. No hay más. Tampoco menos. 

A destacar la fotografía de James Wong Howe, un maestro que aprovecha las sombras y los matices de grises de forma espectacular en la que es una de las últimas películas en blanco y negro fotografiada con estilo y gusto de la época. 

Y luego tenemos a un Errol Flynn en pleno estado de gracia. Se suele recodar a este actor por su cine de aventuras cuando fue precisamente con Raoul Walsh con el que tiene dos de sus mejores interpretaciones. Una como el General Custer en la extraordinaria “Murieron con las botas puestas” y otra esta como el paracaidista Capitán Nelson en las que nos da una lección de registros delante de una cámara.  

Un consejo importante: esta película ha de verse en versión original. Las copias en español suelen estar completamente mutiladas: se estrenó en pleno franquismo y el doblaje destrozó los diálogos (¡en algunas frases los soldados dicen en español lo opuesto a lo que aseguran en inglés!), la magistral música de Franz Waxman y los efectos sonoros. Para ejemplo, las largas marchas a través de la selva birmana: en la versión española son momentos de absoluto silencio, mientras que la original incluye espectaculares efectos de sonido con pájaros, otros animales, agua… (Vamos, lo que debe ser la atmósfera de una jungla real) y una música dramática que aumenta la tensión.

Hoy tenemos un Post "Especial Halloween"...

Europa, siglo XIX. El joven Victor (voz de Johnny Depp) es accidentalmente llevado al colorista y animado inframundo para casarse con una misteriosa Novia Cadáver (voz de Helena Bonham Carter), mientras que su verdadera novia, Victoria (voz de Emily Watson) espera en el mundo de los vivos. En la tierra de los muertos Victor aprende que no hay nada en este mundo, ni en el siguiente, que pueda separarle de su único y verdadero amor.

Es un cuento de optimismo, romance y una “otra vida” muy animada, contada con el clásico estilo Tim Burton. En "La Novia Cadáver”, historia basada en un antiguo cuento ruso, Burton colabora de nuevo con los guionistas John August, Pamela Pettler y Caroline Thompson.

Visualmente deliciosa, con unos planos muy cuidados y rebuscados a pesar de la dificultad que entraña su inclusión en una película de animación sin ordenadores, sino basada en la antigua técnica stop-motion (en la que modelos flexibles se mueven con mucho cuidado, fotograma a fotograma, para obtener la ilusión de movimiento).  

La película “Pesadilla antes de Navidad” (1993) fue la primera incursión de Burton en el mundo de la animación en stop-motion. “Lo que me encanta de la animación en stop-motion es que es muy táctil”, dice Burton. “Hay algo maravilloso en el hecho de poder tocar y mover físicamente a los personajes, y ver que su mundo existe realmente. Es similar a hacer una película de acción real – si lo haces todo con una pantalla azul, no tienes la sensación de estar realmente ahí”.

Sin embargo, lo más importante de cualquier película animada sigue estando en la narrativa. Creo que ese curioso triángulo amoroso (Victor, Victoria y la cadavérica Emily) podría haberse desarrollado de forma más interesante, incluso en una película familiar. Por otro lado, el desarrollo del relato y su conclusión no deberían sorprender a nadie, mas hay que tener en cuenta que se trata de una simplicidad buscada. No obstante, existen determinados ingredientes que distinguen a esta película de otras producciones de parecidas características, gracias sobre todo a ese toque especial que Burton otorgarle a buena parte de su obra. Las pretensiones de "La Novia Cadáver” no son muy distintas de las que nos encontrábamos en "Pesadilla antes de Navidad”. Ambas películas son cuentos infantiles a los que el realizador les ha añadido algunos elementos ligeramente macabros.

Cabe hacer referencia por último a la espléndida banda sonora de Danny Elfman, en la que es su 12ª colaboración con Burton.