El tiempo en sus manos (La máquina del tiempo). George Pal, 1960

Inglaterra, nochevieja de 1880. Un joven científico finaliza la construcción de un vehículo que le permite viajar a través del tiempo. Poco después, inicia un alucinante viaje hacia el futuro, siendo testigo de la II Guerra Mundial y del holocausto atómico de 1966, del que sale ileso. Su último destino es un paradisíaco lugar del año 802701, donde comenzará a reconstruir la civilización. 

Producida y dirigida por un amante de la literatura de H.G.Wells, el húngaro George Pal, "El tiempo en sus manos" es todo un clásico de la ciencia-ficción con el que han disfrutado ya varias generaciones. El guión no saca todo el partido a la obra de Wells, y aunque está bastante fielmente adaptado no se debe olvidar que la película busca sobre todo el entretenimiento más que la reflexión filosófica.

Los efectos especiales de “El tiempo en sus manos” están muy bien conseguidos en líneas generales para la época (incluso ganó el Oscar por ello); adoleciendo ligeramente en el bombardeo de Londres, pero brillando especialmente en la elaboración de decorados y en la ralentización o aceleración del sol y del maniquí a través del tiempo.

Una muy buena fotografía de Paul Vogel, que había trabajado con gente del nivel de John Ford en la extraordinaria "Escrito bajo el sol". Merece atención también la iluminación, sencilla y efectiva; unos diálogos con toques de socarronería a ratos; y la acertada selección de actores, empezando por Rod Taylor. El tiempo es otro elemento básico en el desarrollo de la historia, una historia narrada mediante un largo flash-back con una tensión creciente. Aunque "El tiempo en sus manos" tenga ese aire de serie B, es una película altamente recomendable y de agradable visionado para todas las edades.

Y la pregunta final, especialmente dirigida a los beceros: ¿Y tú, qué tres libros te llevarías?

Vivir (Akira Kurosawa, 1952)

Watanabe es un funcionario apático, cuya vida gira únicamente alrededor de su monótono e insustancial trabajo. Hasta que los médicos le diagnostican un cáncer muy avanzado. A partir de entonces lo que Kurosawa filma es una reflexión acerca de cómo proporcionar un sentido a la existencia, así como de la búsqueda de una redención que nos permita irnos tranquilos de este mundo. 

Comentaba José Enrique Monterde, en el dossier dedicado por la revista “Nosferatu” al cineasta japonés que, “en Vivir (…) deberíamos remitirnos a otra película de De Sica-Zavattini, Umberto D (también de 1952) con la que tiene ciertas concomitancias”. A pesar de las obvias diferencias que presentan cada uno de ellas (de forma muy evidente, el tono más optimista del filme nipón, en contraposición a una visión fatalista y derrotista del italiano) hay una serie de características comunes que los encauzan hacia un discurso parecido y decididamente devastador. Para empezar, sus protagonistas son hombres de avanzada edad, cuyo ciclo laboral parece haberse cerrado por su longevidad, y que deben adecuarse al insignificante papel que les reserva la exigente sociedad actual. Sobre ellos planea la sombra de la resignación, y con gran escepticismo vital se enfrentan al futuro. Además, ambos largometrajes se encuadran en una corriente “realista”, desde el marco social del Japón de posguerra en Vivir a la adscripción neorrealista de Umberto D.

En el nombre del padre. Jim Seridan, 1993

En los violentos días en que la banda terrorista IRA sembraba de bombas el centro de Londres, un joven irlandés (Gerry Conlon) estaba en el peor lugar en el momento equivocado. Condenado injustamente -junto a varios amigos y miembros de su familia- a cadena perpetua, su caso supuso el mayor error en la historia de la justicia británica.  

Competidora de "La lista de Schindler" en los premios Oscar de ese año, "En el nombre del padre" es una película-denuncia de enorme éxito y excelente nivel artístico. Un guión magistral bien dosificado, gran banda sonora y magníficas interpretaciones (Daniel Day-Lewis y Peter Postlethwaite, que llevan el peso de la película con brillantez) para una obra clave del cine británico moderno, que entretiene y sobrecoge a partes iguales. 

Pero la película, basada en el libro “Proved Inocent” que escribió el verdadero Gerry Conlon, es algo más que un relato crítico hacía el sistema judicial, pues también es una historia de superación y perdón, una historia donde el joven Conlon recupera a su padre gracias a las experiencias vividas dentro de la penitenciaría. 

En definitiva, un ejemplo de como realizar cine comprometido y sentido sin pecar de sensiblería fácil ni estereotipos, una brillante cinta de Jim Sheridan, colaborando un vez mas con el galardonado Daniel Day-Lewis, cuatro años después del también excelente drama “My Left Foot” (1989). La pareja se reuniría por tercera vez unos años mas tarde en “The Boxer“ (1997).

En otro orden de cosas: hay novedades sobre los proyectos profesionales de Tim Burton. Echadle un vistazo a los comentarios en el reciente post de "La novia cadáver", porque he añadido ahí toda la información...

Sed de mal. Orson Welles, 1958

Vargas (Charlton Heston), un agente de la policía de narcóticos inquebrantable en su honradez llega a la frontera de EEUU y México con su nueva esposa (Janet Leigh) justo cuando explota una bomba. El policía decide emprender la investigación con el apoyo del jefe local, el obeso Quinlan (Orson Welles), temido en la región por sus peculiares métodos. Entre ambos, se desata una lucha feroz alrededor de una red de poder y corrupción. 

En principio la participación de Orson Welles iba a limitarse a interpretar a Hank Quinlan, pantagruélico policía que camina pesadamente entre el filo de lo legal e ilegal para lograr sus propósitos; pero Charlton Heston, en la cima de su carrera, exigió que Welles se hiciera cargo también de la dirección. Para realizar esta película, que para muchos pone punto y final al cine negro americano, el gran Orson Welles cogió una novela sin pretensiones y la convirtió en una obra maestra. 

La actuación de Welles es estremecedora, llena de una hondura psicológica que logra acercar al espectador a ese monstruo que es Quinlan. Marlene Dietrich, (interpretando a la gitana Tanya) cierra esta historia con una frase que resume toda la película: “un buen hombre, un mal policía”. 

La primera secuencia ha pasado a la historia del cine. Un plano secuencia de casi tres minutos que es un alarde del dominio de la técnica y puesta en escena (con la cámara situada en grúas que van siguiendo el coche con la bomba) orquestado por la música de Henry Manzini. La película es un ejercicio alucinógeno, con una atmósfera pesada en la que abundan los grandes angulares y los planos picados y contrapicados (especialmente para contemplar la oronda figura de Quinland desde abajo, acentuando su prepotencia). Incluso encontramos ecos del expresionismo alemán en la cuidada fotografía de Russel Metty, a través del juego constante de luces y sombras que acentúa el clima de tensión.

La ley de los fuertes. Rudolph Maté, 1957

Colt Saunders (Charlton Heston) es un veterano de la Guerra que regresa a su finca de Texas, donde le aguardan sorpresas desagradables, pues descubrirá el pasado nada virtuoso de su esposa Lorna (Anne Baxter). Pero el mayor problema es una banda de despiadados advenedizos decididos a apropiarse de la valiosa finca de Colt.

Western lleno de intriga, drama y acción. La interpretación de los papeles principales, a cargo de actores de gran relieve, se sitúa en los niveles que corresponden a su categoría. Heston da vida a un personaje duro, rudo, violento y desconsiderado, y lo hace con solvencia y naturalidad. Gilbert Roland, interpretando el papel de hermano menor lisiado a causa de un accidente de juventud, crecido bajo la sombra y la protección de su hermano mayor, del que depende a disgusto y con rencor, realiza un trabajo notable que confiere a su personaje la ambigüedad (entre la sumisión y la rebeldía, la lealtad y la traición) que le es propia. Una espléndida Anne Baxter interpreta el difícil y contradictorio papel de Lorna.

El director Rudolph Maté demuestra que es capaz de conferir a la película una gran fuerza dramática. A destacar la escena de la estampida de los caballos y el intento de Cold de recuperarlos, que suma espectacularidad, tensión y brillantez.

La novia cadáver. Tim Burton, 2005

Hoy tenemos un Post "Especial Halloween"...

Europa, siglo XIX. El joven Victor (voz de Johnny Depp) es accidentalmente llevado al colorista y animado inframundo para casarse con una misteriosa Novia Cadáver (voz de Helena Bonham Carter), mientras que su verdadera novia, Victoria (voz de Emily Watson) espera en el mundo de los vivos. En la tierra de los muertos Victor aprende que no hay nada en este mundo, ni en el siguiente, que pueda separarle de su único y verdadero amor.

Es un cuento de optimismo, romance y una “otra vida” muy animada, contada con el clásico estilo Tim Burton. En "La Novia Cadáver”, historia basada en un antiguo cuento ruso, Burton colabora de nuevo con los guionistas John August, Pamela Pettler y Caroline Thompson.

Visualmente deliciosa, con unos planos muy cuidados y rebuscados a pesar de la dificultad que entraña su inclusión en una película de animación sin ordenadores, sino basada en la antigua técnica stop-motion (en la que modelos flexibles se mueven con mucho cuidado, fotograma a fotograma, para obtener la ilusión de movimiento).  

La película “Pesadilla antes de Navidad” (1993) fue la primera incursión de Burton en el mundo de la animación en stop-motion. “Lo que me encanta de la animación en stop-motion es que es muy táctil”, dice Burton. “Hay algo maravilloso en el hecho de poder tocar y mover físicamente a los personajes, y ver que su mundo existe realmente. Es similar a hacer una película de acción real – si lo haces todo con una pantalla azul, no tienes la sensación de estar realmente ahí”.

Sin embargo, lo más importante de cualquier película animada sigue estando en la narrativa. Creo que ese curioso triángulo amoroso (Victor, Victoria y la cadavérica Emily) podría haberse desarrollado de forma más interesante, incluso en una película familiar. Por otro lado, el desarrollo del relato y su conclusión no deberían sorprender a nadie, mas hay que tener en cuenta que se trata de una simplicidad buscada. No obstante, existen determinados ingredientes que distinguen a esta película de otras producciones de parecidas características, gracias sobre todo a ese toque especial que Burton otorgarle a buena parte de su obra. Las pretensiones de "La Novia Cadáver” no son muy distintas de las que nos encontrábamos en "Pesadilla antes de Navidad”. Ambas películas son cuentos infantiles a los que el realizador les ha añadido algunos elementos ligeramente macabros.

Cabe hacer referencia por último a la espléndida banda sonora de Danny Elfman, en la que es su 12ª colaboración con Burton.

 

Objetivo: Birmania. Raoul Walsh, 1945

Durante la II Guerra Mundial, el Mayor Nelson y sus hombres son lanzados en paracaídas sobre la jungla birmana, tras las líneas enemigas, para destruir una estación de radar japonesa. La angustiosa y extenuante expedición a través de la jungla y los pantanos repletos de soldados enemigos se convertirá en un juego mortal en el que tan importante será cumplir con éxito la misión como poder ser rescatados. 

“Objetivo Birmania” es una película de circunstancias: rodada en plena guerra mundial y con el propósito de justificar el extenuante ejercicio bélico. Al margen de la “japonofobia” que irradia todo el film, además de que desde el punto de vista biogeográfico muchos paisajes no corresponden con Birmania (aunque a decir verdad los resultados para haber sido rodado casi íntegramente en Central Park son magníficos)… pues a pesar de todo ello “Objetivo Birmania” es maravillosa. 

Walsh extrae del cine de combate su fibra más tensa, sólo un director como Walsh podía hacernos sentir el paso de las horas, de los días, los mosquitos, el barro, la humedad....e incluso la muerte y la amistad. Unos soldados y el ansia desnuda por sobrevivir. No hay más. Tampoco menos. 

A destacar la fotografía de James Wong Howe, un maestro que aprovecha las sombras y los matices de grises de forma espectacular en la que es una de las últimas películas en blanco y negro fotografiada con estilo y gusto de la época. 

Y luego tenemos a un Errol Flynn en pleno estado de gracia. Se suele recodar a este actor por su cine de aventuras cuando fue precisamente con Raoul Walsh con el que tiene dos de sus mejores interpretaciones. Una como el General Custer en la extraordinaria “Murieron con las botas puestas” y otra esta como el paracaidista Capitán Nelson en las que nos da una lección de registros delante de una cámara.  

Un consejo importante: esta película ha de verse en versión original. Las copias en español suelen estar completamente mutiladas: se estrenó en pleno franquismo y el doblaje destrozó los diálogos (¡en algunas frases los soldados dicen en español lo opuesto a lo que aseguran en inglés!), la magistral música de Franz Waxman y los efectos sonoros. Para ejemplo, las largas marchas a través de la selva birmana: en la versión española son momentos de absoluto silencio, mientras que la original incluye espectaculares efectos de sonido con pájaros, otros animales, agua… (Vamos, lo que debe ser la atmósfera de una jungla real) y una música dramática que aumenta la tensión.

La ley de la hospitalidad. Buster Keaton, 1923

Los Canfield y los McKay mantienen una enemistad heredada desde hace generaciones. Enviado siendo aún un bebé por su madre con unos parientes de Nueva York para alejarle de tanto odio, Willie McKay (Buster Keaton) decide regresar a su pueblo para reclamar una herencia. Y ¿de quién se enamora durante el viaje? De Virginia Canfield (Natalie Talmadge)...

Las situaciones son muy ingeniosas. Desde gags relacionados con los trenes, precursoras de las que tres años más tarde explotaría en "El maquinista de la General" –vías con baches muy acusados, convoyes destartalados, carriles flexibles, traviesas sueltas, locomotoras con caldera multiuso...–, situaciones tan absurdas como la propia "ley de la hospitalidad" que se imponen a sí mismos los miembros masculinos de la familia Canfield (no pueden atacar a su rival mientras éste se encuentre dentro de su casa), desternillantes persecuciones pistola en mano, y escaladas vertiginosas.

En esencia viene a ser la clásica historia de Montescos y Capuletos... desde otro punto de vista y con ese maravilloso toque humorístico de Buster Keaton.

El Padrino. Francis Ford Coppola, 1972

La compleja historia de los Corleone, una de las familias de la mafia neoyorkina de los años 40, liderados por un implacable padre de familia y hombre de honor (inmenso Marlon Brando) y cuyo poder hereda su hijo más pacífico (asombroso un primerizo Al Pacino de mirada gélida).

Excelente adaptación de libro de Mario Puzo, un equilibrio magistral de los temas personales con los negocios. Marlon Brando rechazó en un principio participar en una película que ensalzara a la mafia, pero descubrió en el guión una especie de crítica social y aceptó. Su deconstrucción del modelo familiar tradicional, mostrando todos los turbios entresijos de la familia Corleone, la ácida crítica hacia la corrupción jurídica y policial, su desprecio por la hipocresía de la clase política o su cuestionamiento de la jerarquía eclesiástica y sus motivaciones, convierten al Padrino en una de las más demoledoras críticas sociales que el cine haya efectuado jamás.

Apoyando al gran Brando, Al Pacino (bordando la increíble metamorfosis del personaje de Michael) y James Caan (excelente en su caracterización como el violento Sonny Corleone). Junto a estos un reparto de grandes secundarios (Robert Duvall, Diane Keaton, Richard Conte, John Cazale, Richard Castellano...). Mención especial para un Sterling Hayden ya en la recta final de su carrera. Un actor de gesto adusto y hombros de plomo, un rostro que podía encarnar la maldad y la corrupción de manera genial, pero también la duda y la fragilidad del que juega en el alambre y la bondad del duro, del desplazado. Y todo sin cambiar apenas de registro, con solo relajar o no los pómulos.

Una majestuosa puesta en escena, monumental partitura de Nino Rota, una cándida y admirable fotografía de Gordon Willis, y un suntuoso diseño de producción de Dean Tavoularis. Pero lo más impresionante de esta película es su ritmo narrativo, la forma en la que Coppola hace avanzar la historia, con un prodigioso uso del montaje, la forma genial de mostrar acontecimientos simultáneos (la escena del bautizo entrelazada con los asesinatos, en la que los golpes del órgano acompañan los balazos contra los miembros de las otras "familias" es una secuencia que deja sin aliento).

El virtuosismo narrativo de Coppola se evidencia con mayor fuerza en las escenas clave, elevando así el tono épico:

Plano largo, pausa, plano medio, se acelera el montaje, plano corto, menos segundos entre corte y corte, plano detalle de rodillas y piernas, un segundo apenas, disparos... Ya está. Calma de nuevo, pausa. La cámara se aleja, se derrumba el todopoderoso, nos lo retrata humano, vulnerable, vencido. No se puede rodar de forma más perfecta que el atentado a Don Vito Corleone.

El Padrino es, ante todo, un ejercicio narrativo de insuperable nivel: la brillante disección de todos los personajes, el ritmo magistral que alterna largas secuencias familiares con creíbles escenas de acción, y una ambientación perfecta consiguen un film que entró "violentamente" entre las mejores películas de todos los tiempos, quintaesencia del cine de gángsters, cuya estética y concepción renovó absolutamente.

8 mujeres. François Ozon, 2002

Campiña francesa, años 50. Durante los preparativos para la celebración de la Navidad en una gran mansión burguesa se produce un drama: el dueño de la casa aparece asesinado. Ocho mujeres, todas ellas relacionadas con la víctima, estaban presentes en ese momento, por lo que forzosamente una de ellas es la culpable. Comienza entonces una larga jornada de discusiones, traiciones y revelaciones. La verdad estallará, cruel y trágica, y acabará con las máscaras y las mentiras.

“8 mujeres”, casi todas las mejores actrices francesas del momento (Destacar a Catherine Deneuve contoneándose para Fanny Ardant cantando aquello de " Toi Jamais"), es una sorprendente comedia musical, una historia enrevesada pero fascinante que mantiene la intriga hasta el último momento.

Una película que derrocha belleza escénica, que no escatima en vestuario ni en decorados. Una delicia para la vista.

Y atención al post de la próxima semana: inauguramos la sección "Trilogías y otras secuelas" con la saga familiar más famosa del celuloide!.

Casablanca. Michael Curtiz, 1942

Casablanca, II Guerra Mundial. Para los europeos que querían huir de la guerra resultaba fácil llegar a esta ciudad, pero abandonarla ya era más difícil, especialmente si tu nombre aparecía en la lista de perseguidos por los nazis. Uno de estos perseguidos es el líder checo y héroe de la resistencia Victor Laszlo, cuya única esperanza de escapar es Rick Blaine, el propietario del 'Rick’s Café', un hombre que no arriesga su vida por nadie... excepto por Ilsa, ahora esposa de Laszlo. Cuando Ilsa se ofrece a cambio de un visado que consiga sacar a Laszlo del país, Rick deberá elegir entre su propia felicidad o el idealismo y las numerosas vidas que podrían salvarse.  

Aunque no es la mejor película de todos los tiempos, Casablanca si es un icono de la historia del cine merced a un guión sembrado de diálogos insuperables, envuelto en una dirección y una puesta en escena magníficas, una película que destila calidad en todos los aspectos: la música es de Max Steiner y la fotografía de Arthur Edeson. Y por supuesto, unas interpretaciones soberbias: Bogart y Bergman en el estrellato; Reins, Henreid, Veidt... encabezando un elenco de secundarios al cual más solvente en la pantalla. 

Humphrey Bogart e Ingrid Bergman encarnan a unos antiguos amantes que vuelven a unirse brevemente en el caos de la guerra. Bogart es aquí el héroe romántico por excelencia, pero también es el hombre atormentado perseguido por el fantasma de una mujer real (que ya no es suya, que nunca lo fue) y un encuentro inevitable. Con un guión realizado sobre la marcha, mil avatares antes, durante y después de la producción, y un elenco de actores tan desconcertados como en estado de gracia, Michael Curtiz elabora una obra de arte sin que nadie acierte a explicar cómo. “¿Pero de quién estoy yo enamorada?”, llegó a preguntar Ingrid Bergman al director poco antes del final del rodaje. “Aún no lo sé”-contestó Curtiz- “Tú mientras tanto actúa”. Tal vez por esto la ambigüedad por momentos de Elsa era simplemente auténtica. El final, ambiguo, provisional y más abierto de lo que parece a primera vista, deja las cosas entre interrogantes, con un toque insuperable de emoción contenida.

El film se basa en la obra teatral "Everybody Comes To Rick's", no publicada y no representada, de Murray Burnett y Joan Alison. Nominada a 8 Oscar, Casablanca ganó 3 (película, director y guión adaptado).

LIBRO: La Edad Media en el cine. (Autores: Juan J. Alonso, Enrique A. Mastache y Jorge Alonso Menéndez)

De la contraportada:

“Las relaciones entre el cine y la Edad Media empezaron por la fantasía de las películas de aventuras llenas de caballeros espléndidos y damas de larga caballera primorosamente peinada, y evolucionaron hacia el realismo "sucio" de esas otras películas que intentan mostrar la "verdadera" cara medieval. Hay mucha, mucha distancia entre la perilla de Errol Flynn en “Robin de los bosques” y las batallas de “El reino de los cielos” de Ridley Scott, o entre el impecable Camelot de “Los caballeros del rey Arturo” de Richard Thorpe y la sobrecogedora miseria que inunda “Los señores del acero” de Paul Verhoeven. Puede que dentro de poco veamos películas ambientadas en la Edad Media tan realistas que saldremos del cine manchados de sangre, pero no tan emocionantes como “El halcón y la flecha”.

Las películas del Alto Cine Medieval (más alejado de nuestros días) se corresponden con la imagen "positiva" de la Edad Media: torneos, vida de corte, caballeros fieles y príncipes magnánimos; sin embargo, las películas del Bajo Cine Medieval (el más cercano) se centran en la imagen "negativa" (que algunos confunden con la imagen realista) de la Edad Media: pobreza, hambre, peste, desorden político, abusos contra los campesinos y supersticiones del pueblo. Ambas caras son inventadas.

Todos inventaron su Edad Media. Incluido el cine. Este libro se lo debe casi todo a las viejas películas medievales, a lo que hemos llamado Alto Cine Medieval, preferiblemente en bellos colorines; pero no pierde de vista el Bajo Cine Medieval, a pesar de que hoy es imposible encontrase en una sala oscura con la perilla de Errol Flynn o la sonrisa de Burt Lancaster. Utilizamos el cine como excusa para hablar de la Edad Media y a la Edad Media como excusa para hablar de cine. Hemos sometido a las películas medievales a las indignidades de la cámara lenta, del avance rápido y de la imagen detenida, sí, pero es sabido que para conocer un cuerpo hay que desnudarlo. Le ofrecemos, querido lector, el cuerpo desnudo de la Edad Media a 24 fotogramas por segundo. Érase una vez la Edad Media…”

Para todos aquellos apasionados de la Historia Medieval, desde luego es una lectura imprescindible. Y en cualquier caso, más que recomendable para los cinéfilos en general. Para que vayáis abriendo boca, aquí os dejo la lista de películas comentadas en este libro. Buena lectura!

• El nombre de la rosa
• Robin de los bosques
• El halcón y la flecha
• Robin y Marian
• El príncipe valiente
• Los señores del acero
• El señor de la guerra
• Mahoma, el mensajero de dios
• Los vikingos
• El reino de los cielos
• El talismán
• Las cruzadas
• Excalibur
• El séptimo sello
• Paseo por el amor y la muerte
• Las aventuras de Marco Polo
• El león en invierno

El viento que agita la cebada. Ken Loach, 2006

Irlanda, 1920. Los hermanos Damien (Cillian Murphy), que abandona su prometedora carrera de médico, y Teddy (Liam Cunningham), se alistan a la guerrilla creada para luchar contra las tropas británicas que habían sido enviadas para sofocar las aspiraciones independentistas. 

Desde el punto de vista cinematográfico, la película derrocha calidad y capacidad técnica (fotografía, vestuario, banda sonora...). El título del filme rinde tributo a una vieja canción popular irlandesa de igual nombre y que una anciana canta en una de las escenas.  Cimentada en un sólido guión y una impecable dirección saltan los problemas habituales del cine más maniqueo al establecer un único punto de vista en la narración.

El izquierdismo radical de Ken Loach (británico, por cierto, aunque aquí no deja bien librados a sus compatriotas) se ha desbordado en esta película. La represión británica contra los irlandeses es en efecto denunciable, pero legitimar la venganza armada y por ende el IRA es como poco discutible. Peripecia bien narrada, verosímil y a ratos emotiva, aunque Loach dulcifique en exceso los personajes irlandeses, mientras caricaturiza y demoniza sin piedad a los británicos de su filme.

El protagonista es un defensor a ultranza de la causa republicana irlandesa, del independentismo, al que Loach le otorga tintes hagiográficos, cuando en realidad es un criminal, pues si bien el fin que persigue es lícito, no lo son ni mucho menos sus medios. En efecto el protagonista lucha por sus ideales, pero sobrepasando los límites de lo moralmente aceptable.

En el segundo tramo de la película, Loach se ocupa de las luchas internas dentro del ejército republicano irlandés, tras alcanzar un acuerdo con la Corona Británica, tomando partido por supuesto, por el bando más radical. El cineasta se escuda en que la rebelión sólo interesaba a los independentistas de clases medias por razones económicas, y logrado un pacto beneficioso en este sentido, este sector abandona la lucha por una integridad social, y una independencia absoluta con respecto al Rey, traicionando las esperanzas de las clases bajas a las que utilizaron los burgueses -como siempre a lo largo de la historia- para mejorar su posición. Esto es lo más interesante en el filme de Loach, y lo más aceptable desde el punto de vista ideológico, y además le sirve para desarrollar una historia con ecos bíblicos -el mito de Caín y Abel, metáfora a su vez de la guerra civil- que culmina en un duro y trágico desenlace que simboliza la muerte de los ideales.

Ken Loach lleva haciendo cine desde 1967 (incluyendo títulos como “Tierra y libertad”, “Pan y rosas”, “Felices dieciséis” o “Solo un beso”), por lo que ya no tiene que rendir cuentas con nadie, ni le importa que se pueda advertir esa subjetividad. También es cierto que es difícil encontrar películas en las que el director o el guionista no den su propio punto de vista. Y es que la imparcialidad casi no existe.

Muchos dicen que la Palma de Oro que Ken Loach obtuvo en Cannes por este film fue en realidad un premio a todo el conjunto de su prolífica filmografía.  La película no deja indiferentes a nadie, y es que la crítica está servida. Loach nos da su punto de vista, pero nosotros, como espectadores inteligentes tenemos el poder de estar o no de acuerdo. En definitiva, una película bien hecha que no deja indiferente y que, si se conoce la historia bien, seguramente aporte más juego.

Ah! y por último un aviso: en el post de la semana de la semana que viene, estrenaremos una de las nuevas secciones anunciadas para esta temporada... hasta entonces, nos leemos en los foros!

La bici de Ghislain Lambert. Philippe Harel, 2000

El post de hoy va dedicado a David…

En el ciclismo de los años 70 Eddy Merckx era el rey, y tras él iban todos los demás. Entre estos últimos se encontraba Ghislain Lambert. Esta es la historia de la vida de un pequeño corredor belga con la única ambición de convertirse en campeón, pero con la desgracia de tener unas piernas mucho menos fuertes que su propio corazón.

Tierna historia del ciclismo narrada desde el punto de vista de un gregario, la bicicleta de Ghislain Lambert no es un cuento sobre un héroe deportivo, sino la historia de un hombre que persevera en su sueño. Para los iniciados en este deporte "La bicicleta de Gislan Lambert" no pasa de ser una película superficial y que te deja algo insatisfecho en lo que a imágenes de carreras se refiere, pues no retrata de modo convincente la dureza del ciclismo; para los que no conozcan demasiado el mundo de la bicicleta, la experiencia de este antihéroe que es Lambert les permitirá conocer algunos de los aspectos ocultos del ciclismo profesional.

La película se sitúa a medio camino, y de forma verosímil, entre el gag visual cercano al slapstick y el melodrama costumbrista, rodeándose para ello de un reparto perfectamente coordinado, desde su actor principal y co-guionista Benoît Poelvoorde (Charlot sobre ruedas que también aspira, no podía ser de otra forma, al amor de una joven), pasando por José García (aquí su hermano en la ficción), Emmanuel Quatra (su colega Ricardo), o la bella Babette a la que da vida Christel Cornil.

Antes de rodar la película, ni Harel ni Poelvoorde eran fans del ciclismo. Todo esto cambió cuando Harel vio a Poelvoorde vestido de ciclista en unas pruebas de vestuario para la película “Hikers”. Entonces comprendió que si algún día hiciera una película sobre ciclismo, ya tenía su estrella. Tras seguir desde dentro el Tour de Francia de 1998, ambos decidieron llevar a cabo el proyecto.Poelvoorde tenía la ventaja de ser de Bélgica, un país donde el ciclismo es pasión. Él mismo contribuyó con muchas de las ideas y toques humorísticos. Tras correr más de mil kilómetros como entrenamiento, Poelvoorde se vistió el mallot junto a profesionales contratados para las escenas de competición.

Algunos discutieron el premio al mejor guión que recibió en el Festival de San Sebastián del 2001… hay quien aún piensa, erróneamente, que la comedia es un género demasiado ligero para tomárselo en serio y demasiado cercano como creer que es sencillo de confeccionar. Pero la risa es un asunto muy serio…

Dia internacional del BLOG

Pues si. Mañana, 31 de agosto se celebra el "Dia internacional del BLOG", a propuesta del israelí Nir Ofir, fundador del primer servicio de bitácoras de su país.  

¿Por qué este día? Si se presta atención a la fecha, 31 de agosto, - 3108 - con un poco de imaginación se puede ver la palabra BLOG escrita en esas cifras. Para celebrarlo, los bloggers de todo el mundo publicamos un post especial recomendando 5 nuevos blogs, diferentes a la cultura, punto de vista, intereses y posición de cada uno de nosotros. 

El motivo de celebrar un "blogday" es, según Ofir, que "en los últimos meses siento que a medida que hay más bitácoras, gasto menos tiempo en descubrir otras nuevas. Debido al exceso de información, sólo visito mis weblogs favoritos, por lo que estoy seguro de que me pierdo un montón de buenos blogs".  

Interesante iniciativa, desde luego. Así pues, el 31 de agosto es un día para descubrir nuevas experiencias. Aquí están los 5 nuevos blogs de mi lista...  

-          Deutsches Heft: para los estudiantes de alemán, un fotolog muy entretenido: http://blog.educastur.es/antonio/ 

-          Recetas para bollos: aventuras y desventuras, llenas de gracia y desparpajo, de un grupo de chicas: http://recetasparabollos.wordpress.com/ 

-          Robótica: un blog con las últimas novedades del mundo de los robots: http://robotica.es/ 

-          Mundo Hip Hop: un blog dedicado en exclusiva al rap, al hip hop, al graffiti y al break dance: http://rap.org.es/ 

-          Super héroes: para todos aquellos fans de los cómics de marvel: http://blogsuperheroes.blogspot.com/

 Y recordad que el próximo miércoles comienza la III temporada de este CineBlog! Nos leemos!

Novedades III temporada

Este ha sido un año intenso para este blog, con la inauguración de 3 nuevas secciones (“El Duelo”, “Errores, pifias y gazapos” y “Cine español”) y el crecimiento de la comunidad de lectores (¡MUCHAS GRACIAS A TODOS!).  

Sin embargo, una vez más ha llegado el mes de Agosto y una vez más voy a abrir el Buzón de sugerencias para que podáis realizar peticiones de películas a comentar en próximos post. 

Mientras tanto, haré los preparativos para la nueva temporada del blog (la 3ª ya!). Para que vayáis abriendo boca, os diré que habrá 2 nuevas secciones. La primera estará dedicada a las diferentes “Trilogías y otras secuelas” que ha dado la Historia del Cine, desde El Padrino a Tolkien pasando por Tiburón o incluso la “precuela” de la Guerra de las galaxias.  Y como sé que hay muchos beceros aquí, también aparecerá una sección dedicada a los “Libros de cine”, donde encontraréis reseñas sobre el cine en papel.

Además, en vista del gran éxito de post como "El efecto Kulechov" puede que me decida a inaugurar también una sección especial sobre aspectos técnicos del cine...  

¡Disfrutad de vuestras vacaciones! ¡Nos leemos en Septiembre!

Pixar

El último y divertidísimo corto de Pixar! (enlace cortesía de Luis Mazarreno, de BC)

http://www.dailymotion.com/tycovka/video/x2jr81_lifted

Atención al post del martes que viene! Allí podréis enteraros de todas las novedades para la próxima temporada del blog, a partir de septiembre, con una sorpresa especial para los beceros!

Cazador blanco, corazón negro. Clint Eastwood, 1990

Magnífica historia que recrea los avatares que precedieron al rodaje de la mítica película "La reina de África": John Huston, su director, viajó a África con el pretexto de localizar los exteriores pero una vez allí, y para desesperación de los productores, su único y verdadero interés estaba en lograr cazar un elefante 

El punto fuerte de la película es su brillante guión, que mezcla de forma inteligente drama y aventura, aderezado con sutiles y oportunos momentos de humor, de forma que la narración, a pesar de su sobriedad, nunca se hace monótona. Pero destaca, como no podía ser de otra forma en las películas de Eastwood, el profundo tratamiento de los personajes y la ambientación, mimada al detalle, tanto en la tranquilidad de la campiña inglesa como en la exhuberancia del paisaje africano.  

Para los que acaban de descubrir a Clint Eastwood como uno de los grandes directores de todos los tiempos gracias a sus títulos más recientes, como Million dollar baby, Mistyc river o Iwo Jima, el siguiente paso es descubrir que ese Clint ya existía muchos años antes con películas como esta.

The Good, tha Bad and the Weird

Hace sólo unos días saltó a luz esta noticia: un spaguetti western coreano! 

El director Kim Jee-Woon, “experto” en versionar películas occidentales, ha finalizado el rodaje de la mítica cinta de Sergio Leone “El bueno, el feo y el malo”. A priori, el intento puede ser bueno, al fin y al cabo este director hizo un magnifico trabajo en “A tale of two sisters” y en “A bittersweet life”, ésta última un magnífico homenaje al cine noir francés de los años 70. Además, el reparto de este western oriental incluye a los mejores actores de Corea del Sur: Song Kang-Ho (Memories of murder, Sympathy for Mr Vengeance, The host), Lee Byung-heon (A bittersweet life, JSA) y Jung Woo-sung (Musa, The restless, Daisy).  

Su estreno se espera para el 2008… Esperemos que no nos defraude! Mientras tanto, abriremos boca con el cartel de la película.

Edito para comentar un aspecto interesante: como varias personas ya me han comentado, el título coreano de este western es algo peculiar, El bueno, el malo y el raro. ¿Raro? Desde luego es un calificativo extraño tratándose de un western. Txilibrín preguntaba si ese era el título original de la película en que se basa.  Pues no. El western en cuestión, dirigido por Sergio Leone  en 1966, era una co-producción hispano-italiana que se tituló “Il Buono, il Bruto, il Cattivo”, titulo que en España y EEUU fue traducido como “El Bueno, el Feo y el Malo”.  

Y ya que estamos ampliando el post, aprovecho para comentar algo más sobre el tema. Sergio Leone, tras iniciarse como director con películas de romanos de dudosa calidad (lo que se denominaba género peplum), tuvo la oportunidad de mostrar su valía dirigiendo en 1964 “Por un puñado de dólares” (“Per un pugno di dollari”), una modesta  co-producción hispano-germano-italiana rodada en el desierto de Almería y protagonizada por un joven actor televisivo estadounidense (Clint Eastwood), conocido por su participación en Rawhide, una exitosa serie del Oeste. “Por un puñado de dólares” es, en realidad, la versión western de la magnífica “Yojimbo” de Akira Kurosawa. La comparación entre ambas sería tema para postear en un “Duelo”… 

En cualquier caso, el gran éxito de este western permitió a Leone rodar otros dos, también protagonizados por Eastwood: “La muerte tenía un precio” (“Per qualche dollari in piu”), las cuales compondrán lo que se ha llamado Trilogía del dólar. Por cierto que Sergio Leone cerró su escasa filmografía con el espectacular film de gánsters “Érase una vez en América” (1984) con Robert de Niro. 

Volviendo a El Bueno, el Feo y el Malo, el argumento es el siguiente: durante la Guerra de Secesión, 3 fuera de la ley muy diferentes entre sí (el impávido y calculador “Rubio”/Eastwood, el mexicano Tuco/Eli Wallach, y el despiadado “Sentencia”/Lee van Cleef) se lanzan a la búsqueda de un tesoro que ninguno de ellos puede localizar sin la ayuda de los otros dos. 

Habrá que ver, por tanto, qué diferencias introduce Kim Jee-Woon en su versión y por qué uno de sus personajes recibe el nombre de “El raro”. Y lo de ver, con suerte… porque en España, por desgracia, es frecuente que no lleguen la mayoría de las películas orientales, ni siquiera después de editarse en dvd!

Adivina quién viene a cenar. 1967

Joanna, una joven de familia acomodada, vuelve de sus vacaciones con una sorpresa: se ha prometido con un hombre de raza negra (médico de gran prestigio internacional), al que sus padres conocerán esa noche en la cena. Aunque se tienen por liberales, los progenitores de la chica se muestran contrariados ante la noticia. La tensión crece cuando los padres del novio llegan a la ciudad para conocer a sus consuegros y se ven igual de sorprendidos y consternados como los padres de Joanna. 

El tratamiento ligero dado por el guión a un importante tema social fue muy atacado por los críticos, pero millones de espectadores acudieron a verla atraídos por el reparto. Probablemente por esa “ligereza”, por presentar el problema en una situación cercana y creíble, la película obtuvo tan amplia repercusión 

Esta fue la novena y última película que Spencer Tracy y Katharine Hepburn rodaron juntos. Tracy falleció días después de finalizar el rodaje; por eso Hepburn no asistió al estreno y jamás vio la película ya montada. Tracy y Hepburn están tan magníficamente compenetrados que se hacía difícil en la época  pensar que nunca más aparecerían juntos. El personaje de Joanna fue interpretado por Katharine Houghton, sobrina de Katharine Hepburn. Y Sydney Poitier, por su parte,  estuvo esplendido con una actuación, sofisticada y absolutamente persuasiva. 

La película fue nominada a nueve premios de la Academia, ganando el Oscar en las categorías de mejor actriz principal y mejor guión original.