La diligencia (John Ford, 1939)

Este western se basa en una novela de Haycoch, que a su vez se basa en un cuento  (bola de sebo), que narra las peripecias de unos viajeros en coche de caballos en Europa.
 
Ford realizó la película con una sequedad formal inaudita, clara teatralidad de algunas secuencias y definición muy clara y muy trabajada de los personajes. Se muestra la dicotomía:
-          ausencia de virtudes en los personajes teóricamente respetables por una sociedad hipócrita
-          los personajes marginales que curiosamente si tienen unos valores morales muy claros
Con cada plano se aprecia la capacidad de Ford para complicar sutilmente las cosas: interiores agobiantes, claroscuristas, focos de luz laterales muy dirigidos, techos bajos... resolución muy moderna de algunas secuencias, por ejemplo, la elipsis del duelo final (toda la película es una gran venganza pero que luego no se nos muestra directamente sino a través de los ojos de la chica), secuencias rodada con cámara en mano, resolución elíptica de los tiroteos (impactos fuera de campo, se muestra los heridos pero no cómo fueron heridos), persecución y ataque a la diligencia rodado con especialistas, y aparece por primera vez en una película de Ford el paisaje desértico con vocación protagonista.

Muerte en Venecia (L. Visconti)

Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), un compositor alemán que acaba de tener un enorme fracaso con su última obra, llega a Venecia hundido y desangelado en el verano de 1911, por la creencia de haber perdido su humanidad y su juventud. Pese a que su único objetivo es hallar la paz y el reposo, pronto descubre que todo a su alrededor se encuentra en el mismo decadente estado que su persona. En el Hotel Des Bains una familia de turistas polacos llama la atención del músico, especialmente el joven Tadzio (Bjorn Andersen), un adolescente por el que siente una súbita e intensa atracción. Este impactante hecho hace que Aschenbach quiera abandonar Venecia. En la estación descubre que su equipaje ha sido extraviado, pero lejos de desesperar se siente liberado por no tener que huir. Pese a que la ciudad se haya infectada por una epidemia de cólera, Aschenbach permanece en el Lido veneciano, abandonándose a la enfermedad sin resistencia alguna, como medio para dejar un mundo en el que la perfección es imposible. 

 

 

Una obra maestra de Visconti. La película se erige en un festival visual aderezado con una música acertada para crear ese ambiente elegiaco que otorga, a esta adaptación de la famosa novela de Thomas Mann, el carácter de obra de culto para muchos cinéfilos. El filme se asienta en tres pilares básicos: la soberbia interpretación de Bogarde, la envolvente música de Mahler y la bellísima fotografía de Pasqualino de Santis.

Ciudadano Kane (Orson Welles, 1941)

En la era de los videojuegos y la MTV “Ciudadano Kane” sigue apareciendo como una de las obras maestras de la historia del cine. Basta ver unos minutos la película para darse cuenta de por qué.

 

El principio de esta película narra su final, aunque suene paradójico... se muestra la muerte de un personaje cuyas últimas palabras son "Rosebud". A continuación un documental sobre el fallecimiento de Charles Foster Kane (trasunto de Hearst, el hombre real en quién se basa toda la película), propietario de un gran imperio, amado y odiado por mucha gente. Este documental es lo que ven unos periodistas que se disponen a hacer un interesante reportaje sobre la vida de Kane (y averiguar el significado de esa extraña palabra: Rosebud). Lo cierto es que, aunque no lo sepan, la manera de enfocar este reportaje es tal y como lo hubiera hecho el propio Kane; divagando sobre como hacer sensacional la noticia.

 

El título primigenio, «American», desvela la intención precisa de ofrecer un contrapunto del sueño americano, una visión ácida y autocrítica con la sociedad estadounidense.

  En su primera película, el director Orson Wells eligió infringir todos los preceptos académicos: Wells destruye la linealidad narrativa, para presentar una visión poliédrica, complejizada por los múltiples puntos de vista y los flash-back, donde cada uno de los personajes entrevistados nos muestra su particular visión de la figura de Kane. Utilizando el recurso de insertar un noticiario, presenta todos los elementos de la trama de la forma más (supuestamente) objetiva y real posible.

 

 

En el plano visual, Orson Wells introduce innovaciones decisivas, que se convierten en elementos narrativos esenciales. El operador de fotografía, el famoso Gregg Toland, elaboró nuevas lentes para mostrar una profundidad de campo sorprendente, donde todos los elementos de la escena adquirían un contorno y vida propia, todo ello con la finalidad de que sea el espectador el que decida cuales son los elementos principales y los secundarios. El gran angular inaugura nuevos enfoques, que hablan por sí mismos de los personajes. Sólo por poner un ejemplo, vamos a destacar la escena en la que Kane (interpretado por el propio Orson Wells) aparece en un marcado contrapicado en el que también se recoge la presencia del techo, metáfora de los límites de la grandeza de Kane.

Groucho Marx

Nacidos en Nueva York,  Leonard (Chico), que nació el 22 de marzo de 1877; Adolph (Harpo) el 23 de noviembre de 1888; Julius Henry (Groucho) el 2 de octubre de 1890; Milton (Gummo, que no actuó en el cine) en 1897 y Herbert (Zeppo) en 1901. El padre trabajaba como sastre, y Minnie, la madre, estaba empeñada en seguir la tradición familiar convirtiendo a sus hijos en actores. Los abuelos maternos eran artistas en Alemania antes de irse a América: Lafe era ventrílocuo y prestidigitador y Fanny trabajaba como arpista.
 
El nacimiento de "Los cuatro hermanos Marx" (Groucho, Chico, Harpo y Zeppo) no fue un parto fácil. Durante una década recorrieron el país representando pequeñas comedias musicales llamadas Tabs Shows, hasta que el 19 de mayo de 1924 debutaron en Broadway con una revista musical, “I’ll Shay She Is”, dotada de un insolente desparpajo. La representación tuvo tal éxito que les elevó a artistas de primera categoría.
 
Su siguiente éxito fue The Cocoanuts (1925), al que siguió Animal Crackers (1928). Mientras esta obra se representaba llegó el crack de 1929, que arruinó a Groucho, quien había invertido toda su fortuna en acciones. Aquel mismo año, la Paramount les ofreció un contrato para el cine a razón de 75.000 dólares por película. A la primera, Los cuatro cocos (1929), seguirían El conflicto de los Marx (1930), Pistoleros de agua dulce (1931), Plumas de caballo (1932) y Sopa de ganso (1933), todas producidas por el inconformista Hermann J. Mankiewicz, guionista de Ciudadano Kane (1940).
 
Luego firmaron por la MGM de Irving Thalberg. De aquella época nacieron Una noche en la Opera (1935), Un día en las carreras (1937), Los Hermanos Marx en el Oeste (1940); El hotel de los líos (1938), Una tarde en el circo (1939) y Tienda de locos (1941).
 
Julius copió de otro comediante el llevar un puro como apoyo de sus escenas y por casualidad ideó un hilarante caminar. "Durante una representación, sentí ganas de divertirme y empecé a andar de una manera rara. La conservé porque al público le gustó". Vinieron luego su levita, su enorme bigote pintado y su nombre de guerra, Groucho. El monologuista Art Fisher le endosó el apodo porque decía que hablaba emitiendo gruñidos.
 
Ya estaban construidos los cimientos de un mito basado en la ironía, la mordacidad y un increíble terrorismo verbal. El resto de la historia es de sobra conocido: los hermanos Marx se convirtieron en los malabaristas del absurdo, y Groucho ofició como su sumo sacerdote. Harpo hacía de mimo revuelve todo, Chico representaba el lado golfo y Groucho simbolizaba el caos con aires de solemnidad.
 

El invento creó escuela y sobrevivió a sus creadores. Tras la disolución de los Marx, en 1942, Groucho, que siempre había soñado con ser escritor, publicó cinco libros y trabajó en la radio, medio que había probado con éxito en los años 30 dando vida a un deslenguado y caótico abogado, Mr. Beagle.

 
En 1945 los hermanos volvieron a juntarse para rodar Una noche en Casablanca, con la que pretendían sacar de la pobreza a Chico, arruinado con el juego. La película funcionó bien pero los Marx volvieron a separarse para reaparecer en 1949 con el rodaje de Amor en conserva. Por aquel entonces Groucho tenía un afamado show televisivo, You Bet Your Life. Seguía teniendo fama de excéntrico, de personaje fuera de toda regla, y le encantaba perpetuar esta fama. En 1968, Hollywood le concedió un Oscar especial.

Un perro andaluz (Luis Buñuel, 1929)

La unión de dos sueños, uno del controvertido pintor Salvador Dalí y otro del propio Buñuel, dió origen a esta extraña e inquietante película. El propio Buñuel relataba así su génesis:

“Dalí me invito a pasar unos días en su casa y, al llegar a Figueras, yo le conté un sueño que había tenido poco antes, en el que una nube cortaba la luna y una cuchilla de afeitar hendía un ojo. Él a su vez, me dijo que la noche anterior había visto en sueños una mano llena de hormigas. Y añadió ¿Y si, partiendo de esto, hiciéramos una película?”.

Dicho y hecho. En poco menos de una semana escribieron el guión. Siguiendo unos postulados tan simples como difíciles de realizar, abrieron de par en par las puertas de lo irracional (algo en lo que, por cierto, Dalí era todo un especialista). En principio, solo admitían las imágenes que les impresionaban, sin averiguar él porque de cada impresión. Buñuel y Dalí seguían, aparentemente, los métodos de trabajo propuestos por la asociación libre de pensamientos e imágenes (lo que los surrealistas denominaban escritura automática).

Sin embargo, si se analiza cuidadosamente la película, podemos descubrir una estructura mucho más pensada que la que planearon inicialmente sus autores (o que dijeron que habían planeado...). 

Un perro andaluz se inicia con el sueño antes citado de Buñuel: un ojo humano es seccionado por una navaja mientras las nubes ocultan parcialmente la luna. Esta imagen en realidad funciona como una metáfora: es un aviso al espectador, se le está indicando que a partir de aquí su mirada, su forma de ver y entender el cine, va a cambiar, o, mejor dicho, va a tener que cambiar.

Esta película, excesiva y violenta, que mezcla el sueño y la vida, la realidad y el deseo, haciendo gala de un humor cruel que pone al descubierto las represiones y el puritanismo de la moral católica, esta película que utiliza la agresión como elemento estructural y de ruptura, fue calificada por André Breton (el teórico más importante del movimiento Surrealista) como un juego “bello y poético de lo que no es, en el fondo, mas que una desesperada llamada a la muerte”. 

 

La caída del Imperio Romano. Anthony Mann, 1964

Tanto "La caída del imperio romano" como la más reciente "Gladiator" inician su historia con la transición del emperador Marco Aurelio a su hijo Cómodo. Ambas películas manipulan la historia y especulan sobre una posible conspiración, en la primera perpetrada por algunos generales y en la segunda por el propio Cómodo. Lo cierto es que, Marco Aurelio murió a causa de su precaria salud durante la campaña contra los marcomanos (uno de los pueblos germanos). De hecho, él mismo presentó ante los soldados a Cómodo como nuevo emperador. Y, aunque también es cierto que Cómodo era aficionado a los combates de gladiadores y que más de una vez bajó a la arena para luchar contra alguno de ellos (previamente drogado o desarmado), no murió en un combate, sino estrangulado mientras dormía.

 

Aclarado este punto, hablaremos ahora de “La caída del Imperio Romano”, una de las películas de la factoría Bronston rodadas en España (junto con “El Cid”) y en la que los extras fueron interpretados por los habitantes de los alrededores.

 

El argumento, por fortuna, no se pierde en la magnitud del film y el reparto está bien ajustado. A este respecto debemos destacar, más que a la pareja protagonista (Sophia Loren y Stephen Boyd), a varios secundarios: un jovencísimo Christopher Plummer en el papel de Cómodo y los impagables Alec Guiness y James Mason, acompañados en todo momento por una interesante banda sonora de Tiomkin y el trabajo de fotografía de un grande como Robert Krasker.

 

A esto se une el talento de Mann para sacar partido del elemento paisajístico como parte del drama y un notable sentido del entretenimiento: son célebres las distintas escenas de batallas o la carrera de Livio y Cómodo en cuadrigas. Naturalmente, uno de los puntos fuertes son los decorados, con unas impresionantes vistas de la ciudad de Roma, sus calles, el templo de Júpiter, el edificio del Senado…

 
El resultado es un buen espectáculo cinematográfico que merece el visionado.

Centauros del desierto (John Ford, 1956)

Centauros del Desierto es probablemente uno de los mejores westerns de toda la historia del cine.

Adaptación de una novela de Alan Lemay, John Ford no respetó el final (algo por lo que recibió muchas críticas en su momento) aunque con ello dotó a la historia de un sentido mucho más sólido y coherente que en la novela.

John Wayne interpreta al soldado ex-confederado Ethan Edwards, un hombre que cree más en las balas que en las palabras, y que busca a su sobrina raptada por los comanches que han masacrado a su familia. Ethan es el típico personaje marginal, racista y desarraigado; pero al rescatar, al fin, a su sobrina comprende que después de tantos años esta se ha convertido en una mujer india, así que la única solución que ve es matarla... o aprender a convivir con quienes no son de su mismo color! En su obsesiva persecución durante 5 años, Ethan encuentra algo que no esperaba: su propia humanidad y el sentido de su vida.

Esta película configura el llamado “western crepuscular”, lo más importante no es lo que se cuenta sino lo que se sugiere y permite al espectador intuir mucho más de lo que las imágenes muestran. Ford habla de épica psicológica, porque el espectador se ve obligado a profundizar en la complicada psicología de los personajes, caracterizada por grandes tensiones internas.

La última escena es uno de esos finales que pasan a formar parte del imaginario colectivo: la imagen de Ethan, el viejo héroe, tomada desde el interior de la casa, se aleja lentamente al comprender, resignado, que a pesar de todo lo que él representa ya no tiene cabida en esa familia – metáfora de la nueva sociedad -.

La comedia del slastick en el cine mudo (V)

Iniciado en el teatro, Harold Lloyd desarrolló, a fines de 1917, un personaje original, con gags originales, de éxito y reconocible por el público.

En principio se le conocía simplemente como el chico de las gafas, que se identificaba con el tipo americano medio. Con el personaje de chico de las gafas es importante su configuración física: las gafas redondas, que le dan un aire ingenuo y cierto aire intelectual, y un sombrero de paja plano. Es un personaje joven, vital, alegre, cuyas aspiraciones pretenden ser las mismas que las del americano medio. Y para ello ofrece una ambientación directa en las calles de Los Ángeles. Continuos combates contra el entorno, usa también con frecuencia la acrobacia. Son gags muy calculados pero también arriesgados (en 1919, con una bomba de mentira que le explota en las manos pierde 2 dedos, y debe suplir esa falta en sus siguientes películas utilizando un guante con postizos).

Su película más destacada es, sin ninguna duda, El hombre mosca (1923): un humilde dependiente de los grandes almacenes, para publicitarlos, contrata a un escalador de fachadas (conocidos en EEUU como hombres-mosca) para que trepe por la pared de sus almacenes. Pero éste resulta perseguido por la policía y debe huir. Ante la expectación pública ya generada por el acontecimiento, debe ser el propio personaje de Harold Lloyd quién suba por la pared. Toda la película se articula en torno a esta escena, concentrando los gags visuales. Se desarrollaron una serie de trucos para simular la altura sin tener que recurrir a las habituales trasparencias y sobre-impresiones, porque en este caso no hubiesen resultado creíbles. Esa verosimilitud hace que la película tenga un gran éxito y sus recursos son ampliamente copiados.

Espero que a estas alturas del blog, ya seáis unos apasionados del cine mudo... y eso que sólo hemos hablado de la comedia slapstick! Con lo que queda por ver... pero no quiero cansaros! En mi próximo post, cambiaré radicalmente de época y género.... sorpresa!!!

 

 

 

La comedia del slastick en el cine mudo (IV)

Charles Chaplin nació en Londres en una familia dedicada al negocio del music hall. El padre, alcohólico, murió cuando Charles Chaplin tenía tan solo 5 años, dejándoles en una precaria situación económica. Esa experiencia se reflejará posteriormente en sus películas.

Su estilo está bien definido ya desde sus cortos, que consiguieron un éxito fulgurante desde el comienzo, aunque como se verá a continuación, muchos de sus recursos eran similares a los empleados por Buster Keaton:

1.      El gag nunca es improvisado y siempre depende de una determinada situación (es decir, no se repetía mecánicamente un gag de éxito, siempre se debía a una lógica argumental).
2.      el personaje del vagabundo se apoya sobre todo en la dignidad, es un marginado pero se comporta como un caballero. Y ese orgullo le lleva a emprender luchas imposibles, en las que tiene todas las de perder. Y ese toque de picaresca y buenos sentimientos, que ridiculiza a las clases acomodadas, conecta muy bien con el público popular.
3.      uso de planos generales.
4.      crítica social.
5.      descontextualización de los objetos. Las cosas en manos de Chaplin nunca funcionan como es de suponer. Su personaje casi nunca los usa de forma convencional, y son los propios objetos los que luchan contra él.
Ahora es cuando puede ponerse la coletilla “para más detalles...” lo mejor es que te veas sus películas! Tiempos modernos, el Gran Dictador o La quimera del oro... sólo por decir las máaaaaaaaas conocidas.

La comedia del slastick en el cine mudo (III)

Mack Sennet logró crear la escuela cómica más fructífera del cine americano: en tan 2 años rueda más de 100 películas... y era sólo el comienzo!

En 1912 crea su propia productora, la Keystone. Mack Sennet creó un estilo personal, incluso con toques de surrealismo. Incorpora nuevos tipos cinematográficos y facilita la creación de una gran escuela del slapstick, con situaciones muchas veces improvisadas. Todo ello le otorga enorme dinamismo a la película y obliga a la cámara a moverse incluso más rápido que los actores.

Principales características del cine de Mack Sennet:

·          fluidez narrativa: el ritmo es tan rápido que no deja tiempo para la reflexión, sólo para la acción, especialmente sus famosas persecuciones, ahora con una sofisticada ejecución.
·          Destrucción paródica de la sociedad industrial, todo objeto es susceptible de ser manipulado para provocar hilaridad.
·          Subversión o negación de la autoridad, que es siempre puesta en entredicho a través de la máxima caricaturización de sus representantes. Los policias son risibles y absurdos, llegando a configurar un modelo propio, los keystone cops. Sus diferentes variantes, bien tipificadas, son copiadas por otras productoras.
·          Erotismo: aparecen chicas en bañador jugando en las playas de California, escogidas de acuerdo al estándar de belleza del cine del momento. Tienen tal éxito que las distintas publicaciones periódicas pugnan por conseguir fotos de las chicas, lo cual resultaba ser además una gran publicidad para la Keystone. Muchas chicas se convertirán en estrellas gracias a estos papeles.

La comedia del slastick en el cine mudo (II)

Max Linder (pseudónimo americano de un actor francés)  fue toda una estrella en el cine anterior a la I guerra mundial. En 1910 crea su personaje del dandy, que será el que le reporte mayor fama, aunque no fuera una creación consciente:  aunque Max Linder asume una interpretación más elegante y sofisticada del personaje, es en el fondo el tipo más característico de la época de “gentleman”, dispuesto a pasar calamidades y duras pruebas para conseguir el amor de la dama.
Su comicidad partía de sus elegantes ropas y del uso que de ellas hacía, de manera que parecía un personaje popular que se había infiltrado en un ambiente que no le correspondía. Su comicidad solía estar basada en la gesticulación, siendo el primero en incorporar recursos del vodevil francés (lógico, teniendo en cuenta su nacionalidad y formación teatral), acentuando la extravagancia y una leve observación psicológica de los personajes. Ese toque menos vulgar le convirtió en un personaje cosmopolita y por tanto apto para la exportación.

La comedia del slastick en el cine mudo (I)

Lo prometido es deuda: aquí os dejo un (espero) breve comentario sobre qué se entiende por slapstick o comedia en el cine mudo.
Para empezar, hay que saber qué significa la palabra slapstick: hace alusión al sonido que producen 2 tablillas, que se hacen chocar para fingir el ruido de 2 actores peleándose, un recurso teatral plenamente asumido y codificado. Por tanto la llamada comedia slapstick es en principio asumir la tradición burlesca del mundo de las variedades de principios del siglo XX, modernizándola y adaptándola al mundo urbano norteamericano. Porque en ese momento se plantea introducir la modernidad realista en el cine y convertirla en el principal recurso cómico.
El recurso habitual de la slapstick es el gag, definido como situación cómica elemental, con un carácter esencialmente visual. El gag insiste en lo inesperado, es una perturbación de la lógica normal de la película. En general no es posible definir una tipología, cada cómico lo usa de forma personal, pero hay algunas características básicas:
1.      ejecución perfecta, para obtener un buen resultado.
2.      subversión: con mucha frecuencia el gag se extrae de la inversión del sentido, de cambiar radicalmente las expectativas que se tienen de un objeto.
3.      repetición: es habitual repetir gags de éxito en películas sucesivas, creando así lo que se ha denominado repertorio de un actor o personaje, aunque evidentemente cada gag admite alguna variante, y creando un estilo personal.
El cine cómico adquirió gran importancia y desarrollo gracias al sistema de proyección de la época, que incluía en cada sesión un noticiario, 2 reportajes y un corto cómico, antes del largometraje (y todo ello por menos de 1 dólar!!! Con el precio que tienen ahora las entradas... y como mucho ves un par de anuncios antes de la peli!)

Los grandes iconos de la comedia slapstick son Buster Keaton, Charles Chaplin y Harold Lloyd, pero hemos de tener en cuenta dos importantes percursores: Max Linder y los keystone cops de Max Sennet. En los próximos días hablaré de ellos...

Y por cierto... FELIZ AÑO NUEVO!

BUSTER KEATON

No se me ocurre mejor forma de comenzar mi blog que hablando de uno de mis actores/directores favoritos: Buster Keaton. Sencillamente, el mejor creador cinematográfico de la época del cine mudo, aunque durante mucho tiempo se ha visto relegado injustamente a un segundo plano por la fama de Chaplin (si, Chaplin es bueno, de acuerdo, pero Buster es mejor!); por suerte este panorama esta cambiando y se está devolviendo a Buster los reconocimientos que se merece, entre ellos, la edición en dvd de muchas de sus películas (tiene una filmografía impresionante) para que todos podamos disfrutarlas.

¿Cuáles son los méritos y características de Buster Keaton? A continuación expondré los principales puntos:

En esencia, la comicidad de Buster Keaton se basa en su impasible sobriedad y en la sucesión de gags perfectamente elaborados y sintonizados. Formado en el mundo de las variedades, sus padres tenían un espectáculo de music-hall al que rápidamente se unió Buster Keaton, que hacía de “estropajo humano” (buster) con gran éxito. Evidentemente sus padres tuvieron que hacer frente a varias denuncias por malos tratos al niño pero nunca cancelaron su espectáculo “los 3 Keaton”. De esta forma, desarrolló una gran habilidad acrobática y un total control sobre sus expresiones y emociones. Al crecer, pasó al cine, asociándose a Fatty (Roscoe) Arbuckle, un famoso actor de comedias formado en la Keystone.

En el periodo de 1920-28 realiza 11 largometrajes que demuestran las grandes posibilidades del slapstick (nombre que recibe la comedia de cine mudo) y la madurez del estilo del propio Buster Keaton. Sus características son:

•  carácter sobrio, impasible, nunca exterioriza las emociones. En España se le conocía como “Cara de palo” y “El hombre que nunca ríe”.
•  su forma de expresarse es a través de acrobacias, siempre realizadas por él mismo porque hacía que los gags fueses más creíbles y que el actor se implicara más en el rodaje. Lógicamente tuvo numerosos accidentes.
•  Siempre usaba planos largos (plano secuencia), ya que lo contrario impedía ver con claridad la acción.
•  dominio del lenguaje cinematográfico, apreciable en la perfección de sus gags. Hay 2 tipos: el gag de trayectoria: (una serie de situaciones lógicas acaban desencadenando una acción concreta) y el slow burn o gag del deterioro (es decir, el lento pero irremediable deterioro de una situación que en principio parecía sencilla).
• descontextualiza los objetos, dándoles un nuevo uso.
•  Espontaneidad. Buster Keaton era su propio productor así que no estaba obligado a trabajar con un guión previo. Hacía continuas improvisaciones y cambios (de hecho no tenía ni guión, porque sabiendo que lo iba a cambiar, no se molestaba ni siquiera en escribir uno previo). Además apenas hacía ensayos previos al rodaje, prefería la toma directa.
• Su sistema narrativo era progresivo: se parte de una situación normal, con un pequeño enredo, y a partir de ahí se iba en crescendo, centrando las “grandes carcajadas” en los rollos 4º y 5º de la película y llegando a su clímax en el último.

  Como ya he comentado, Buster Keaton fue un autor prolífico y entre su extensa lista de películas nos ha dejado títulos como Las 3 edades (una parodia de la película "Intolerancia" de D.W.Griffith), El moderno Sherlock Holmes, El boxeador, La ley de la hospitalidad, El navegante, Siete ocasiones o El Colegial, pero sin duda su película más famosa (y una de las mejores de la historia del cine, según la prensa especializada) es El maquinista de la General.

  Como ya he comentado, Buster Keaton fue un autor prolífico y entre su extensa lista de películas nos ha dejado títulos como (una parodia de la película "Intolerancia" de D.W.Griffith), , , , , o , pero sin duda su película más famosa (y una de las mejores de la historia del cine, según la prensa especializada) es

  Rodada en 1926, está basada en un hecho real: una patrulla de la Unión se apodera de un tren Confederado; un joven confederado (Buster Keaton), alistado con el propósito de llamar la atención de una chica, es la única persona que puede resolver el conflicto. Las situaciones cómicas y la acción dramática están tan perfectamente integradas que si se suprimen los gags se cambia totalmente el sentido de la película.

  Y hasta aquí puedo escribir... porque en este punto, si aún no habéis visto El maquinista de la General, deberíais salir corriendo a buscarla: es un película im-pres-cin-di-ble!

  Aunque quizá, para poder disfrutarla aún más, convendría conocer cuáles son las características generales de la comedia de cine mudo o slapstick, de forma que el genio de Buster quede mejor definido y contextualizado. Ese será el tema de mi próximo post...

Inauguramos este blog!

Los gags de Buster Keaton, el ritmo de las películas de Kurosawa, la expresividad de Toshiro Mifune, la creación de los mitos en el Oeste de John Ford, la iluminación en el cine expresionista alemán, los diálogos de Woody Allen, la perfección narrativa de Clint Eastwood, la fotografía de Ciudadano Kane... el buen cine comentado desde el punto de vista de una historiadora del arte.

A todo@s a quienes les apasione el cine... BIENVENID@S!