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COMEDY

Operación Whisky. Ralph Nelson, 1964

Operación Whisky. Ralph Nelson, 1964

Después del enfado provocado por los premios Goya (véase el post del lunes), creo que sería bueno relajar el ambiente con una comedia...

Walter Eckland (Cary Grant) es un norteamericano solitario, bebedor y solterón empedernido que vive tranquilamente en una paradisíaca isla de los mares del sur, ajeno al devenir de la II Guerra Mundial, hasta que se ve obligado a colaborar con el ejército británico. Lo que no sabía es que también tendría que enfrentarse a siete niñas y su bella institutriz francesa (Leslie Caron). 

Basada en un relato de H. S. Barnett, esta divertida comedia fue un éxito de taquilla. La película muestra la fragilidad y la inviabilidad de posturas individualistas, egoístas y antisociales en los casos de conflictos generales; es decir, responde al famoso axioma de que el hombre es un ser social por naturaleza. 

El guión desarrolla a buen ritmo un relato cómico in crescendo, basado en la progresiva frustración de las aspiraciones de Eckland, especialmente a raíz de la llegada de las chicas, que terminan viendo en Eckland la figura de un padre protector. Y él, por su parte, comprueba, casi disgustado, que se está enamorando de la profesora... 

La interpretación de los 2 protagonistas es acertada, especialmente la de Grant en su penúltima intervención en cine. El tercero en discordia es Trevor Howard, magnífico en su papel de comandante.

Aviso para navegantes: os adelanto que el post de la semana que viene será una película del famoso inventor Thomas Edison! Sonriente

Con faldas y a lo loco. Billy Wilder, 1959

Con faldas y a lo loco. Billy Wilder, 1959

Dos músicos sin trabajo son testigos, por casualidad, de la célebre matanza entre gánsters el día de San Valentín. Ambos deben huir para evitar que la mafia “les silencie” y la única oportunidad que se les presenta es unirse a una banda femenina... para lo cual deberán disfrazarse de mujeres!  

No fue fácil para Billy Wilder convencer a la productora que gánsters y comedia puede ser una mezcla rentable. Pero lo consiguió. Y el resultado fue una de las mejores comedias de todos los tiempos. 

A pesar de las dificultades con Marilyn Monroe, que, perdida en su adicción al alcohol y las drogas, no era capaz de recordar sus frases (se necesitaron más de 40 tomas para que consiguiera decir correctamente algo tan sencillo como “Dónde está el bourbon?”), el trío protagonista alcanza una altura insuperable.

 

¿Qué decir de Jack Lemmon? A él le corresponden los momentos más cómicos de esta película, con la que inició su fecunda relación con Wilder,. Está espléndido en la relación que mantiene con Joe E. Brown, ese ingenuo y encantador millonario; pero también cuando vive el sueño de cualquier hombre, verse rodeado de bellas mujeres, como una pesadilla (¿quién no se ha reído con la escena en la que Lemmon, tumbado sobre su litera del tren y rodeado de chicas en ropa interior, se repite a si mismo una y otra vez: “Soy una chica, soy una chica...”?).  Lemmon y Curtis interpretan a dos víctimas involuntarias no sólo el universo femenino, sino también el proceder del hombre frente a éste. 

Delirante de principio a fin, Con faldas y a lo loco tiene unos excelentes diálogos que en su época fueron poco menos que escandalosos. La película posee un ritmo endiablado, que provoca continuas carcajadas del espectador; de hecho Wilder dotó al guión de “descansos” para que las carcajadas no impidiesen seguir el hilo de los diálogos. Por ejemplo, cuando Jack Lemmon anuncia, exultante y sin parar de tocar unas maracas, que se ha prometido con Oswood. 

Y es que... nadie es perfecto! ;-)

La vida de Brian. Monty Pitón, 1979

La vida de Brian. Monty Pitón, 1979

Nace en Judea, en un pesebre, casi al mismo tiempo que Jesucristo. Tres Reyes Magos, confundidos, creen que éste niño es el Mesías prometido, pero muy pronto queda evidente que, en realidad, el recién nacido es sencillamente... Brian 

Que nadie se confunda, La vida de Brian no es una amalgama de escenas absurdas para provocar la carcajada fácil, sino una brillante sátira, llena de un humor sarcástico e inteligente, y en la que es difícil decidir qué parte es mejor: sus  agudos diálogos o sus gags visuales. La sátira de paralelismo con la vida de Cristo les costó las correspondientes protestas y escándalo por la supuesta blasfemia, pero en realidad esta película no es un ataque contra la religión católica… sino contra lo absurdo de todas las religiones!  

Obra cumbre de los geniales Monty Python, está llena de secuencias memorables que la catalogan como una de las mejores parodias de la historia del cine, porque... “Aparte del alcantarillado, la sanidad, la enseñanza, el vino, el orden público, la irrigación, las carreteras y los baños públicos, ¿qué han hecho los romanos por nosotros?” Todo un genial sarcasmo sobre la necedad humana. 

Always look at the brigth side of life

En bandeja de plata. Billy Wilder, 1966

En bandeja de plata. Billy Wilder, 1966

Harry Hinkle (Jack Lemmon) es un cámara de una cadena de TV norteamericana que resulta noqueado accidentalmente por un futbolista durante un partido que estaba retransmitiendo a pie de campo. Su cuñado Willie Gingrich (Walter Matthau), un abogado de pocos escrúpulos, le persuade para fingir mayores daños a causa del golpe de los que realmente sufre, y así cobrar un buen seguro. Harry, que en un principio es remiso, acepta cuando su convalecencia en el hospital le hace recobrar esperanzas de retomar la relación sentimental con su ex-esposa. 

En bandeja de plata (The fortune cookie) es una genial muestra de picaresca, interpretada por los dos pícaros más entrañables del celuloide.

El gran Billy Wilder despliega todo su talento en una película tan agresiva como divertida, una inolvidable muestra de la capacidad del cineasta vienés para husmear en los entresijos de la realidad y desmenuzar sus miserias. Wilder envuelve al espectador en una delirante sucesión de secuencias que atacan a la doble moral americana y su culto al triunfo, y elabora una feroz crítica al individualismo.

¿Victor o Victoria?. Blake Edwards, 1982

¿Victor o Victoria?. Blake Edwards, 1982

En el París de los años 30, una joven cantante llamada Victoria, arruinada y sin perspectivas de trabajo, decide darse un gran banquete para después irse sin pagar del restaurante. Allí conoce a Toddy, un homosexual que le ofrece hospitalidad y que tiene la brillante idea de convertir a la artista en “Víctor”, un supuesto aristócrata travesti. Con este engaño, Victoria – Victor obtendrá un enorme éxito en los cabarets parisinos y provocará un dilema moral a un acaudalado norteamericano.  

Película de enredo que disfruta con unas buenas interpretaciones entre las que cabe destacar la del "secundario" Robert Preston. La mordacidad de los diálogos y un guión inteligente bien ejecutado por Edwards ya eran de por si una buena base. La música acaba de vestir la película y la deja a punto para disfrutar...

Vale la pena verla.

Las tres edades. Buster Keaton, 1923

Las tres edades. Buster Keaton, 1923

En este largometraje, el genial Buster Keaton hace una parodia de "Intolerancia", la película de D.W. Griffith recientemente comentada en este blog, al tiempo que muestra sus dotes dramáticas y cómicas mientras compite con Wallace Beery por conseguir el amor de Margaret Leahy en tres épocas diferentes: la prehistoria, la antigua Roma y la (entonces) edad moderna: los dorados años veinte. 

En todas ellas el planteamiento es el mismo: el triunfo del amor y del ingenio de Buster Keaton sobre la brutalidad, el poder y el dinero respectivamente. El inicial acercamiento a la prehistoria es engañoso, pues es la edad menos inspirada (aunque hay gags destacados, como la escena en la que Keaton juega al golf con el garrote). Sin embargo, se recuerdan mucho más los anacronismos cómicos de la edad romana (la manicura al león; la carrera cuadriga contra trineo; y todos esos paralelismos entre objetos modernos y romanos: reloj de pulsera que es de sol, la cuadriga con matrícula, etc.) y de la moderna. 

Como ocurrió con “Intolerancia”, el propósito de “Las tres edades” era demostrar que a lo largo de la historia de la humanidad solo hay una cosa que no cambia, el amor, pero también incluye agudas observaciones sobre los nuevos tiempos, algunas de las cuales pueden ser aplicadas a nuestro mundo actual. 

Si bien en algunos momentos los gags visuales pueden parecer “aislados” del guión, es una película para no perdérsela.

La fiera de mi niña. Howard Hawks, 1938

La fiera de mi niña. Howard Hawks, 1938

La más representativa entre las "screwball comedies" y, seguramente, la mejor. Es disparatada, trepidante y enloquecida, pero sobre todo es divertida.  

David Huxley es un paleontólogo tímido y despistado que está a punto de acabar la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio, y que también está a punto de casarse con su anodina secretaria. Todo se tuerce cuando conoce a Susan Vance, una joven adinerada y caprichosa que hará lo posible para que no culmine ninguno de sus dos proyectos. A partir de este momento, Susan se dedicará a manipular a Huxley con su particular estilo, e incluso le embauca para cuidar a un joven leopardo llamado "baby".

Con un desternillante guión de equívocos y vueltas de tuerca que rozan el surrealismo, La fiera de mi niña (Bringing up baby) logra transformar las situaciones más cotidianas en un complicado y divertido juego de sentimientos, culminando de la manera más entrañable posible. Además de contener diálogos inolvidables de un humor mordaz e inteligente, lanzados a una velocidad demoledora, las actuaciones son todas magníficas, destacando la maravillosa Katharine Hepburn, ganadora indiscutible de esta particular "guerra de sexos".  

Howard Hawks demuestra una vez más que era un maestro en cualquier género que tocara.

Charada. Stanley Donen, 1963

Charada. Stanley Donen, 1963

Una mujer vuelve de una pequeñas vacaciones en una estación de esquí dispuesta a pedir el divorcio a su marido, pero cuando llega a París se encuentra con que éste ha sido asesinado. Las sospechas, según la embajada americana, recaen en 3 hombres que buscan un dinero que aparentemente tenía su esposo, pero que en realidad pertenece al gobierno de los Estados Unidos. El problema es que la inocente y frágil Reggie (Autrey Hepburn) no sabe nada de ese dinero ni de la verdadera identidad de quién dice protegerla... 

Charada es una comedia de intriga (si, son planteamientos compatibles y muy fértiles) desarrollada en refinados ambientes. Stanley Donen realiza una especie de homenaje al maestro Alfred Hitchcock (incluso utilizando a uno de sus actores fetiche: Cary Grant), pero llega más allá en cuanto al humor que destila su película.


Además, como si todo lo anterior fuera poco, el reparto es de lujo: Autrey Hepburn, Cary Grant, James Coburn, Walter Matthau y George Kennedy, desplegando todo su talento...

Sopa de ganso. Leo McCarey, 1933

Sopa de ganso. Leo McCarey, 1933

La República Democrática de Freedonia, un pequeño país centroeuropeo, a cuyo frente se encuentra el muy liberal señor Rufus T. Firefly, se ve amenazada por la dictadura de Sylvania, país limítrofe de vieja y reconocida solvencia. Dos espías de prestigio, Chicolini y Pinky, sirven a Sylvania, lo que no impide que acaben siendo ministros de Firefly. 

Groucho dirige la república más desternillante de la historia del cine en la mejor comedia de los hermanos Marx, lo cual es sinónimo de humor delirante y surrealista... aunque curiosamente la película no tuvo el éxito esperado cuando se estrenó. 

El humor se basa en la incoherencia de los personajes (nunca se pueden predecir sus reacciones...), la caracterización de los protagonistas, las situaciones absurdas, los excelentes gags visuales y, sobre todo, auténticas joyas verbales: 

"No permitiré injusticias ni juego sucio, pero si se pilla a alguien practicando la corrupción sin que yo reciba una comisión, le pondremos contra la pared y daremos órdenes de disparar" 

Contiene parodias sorprendentes: la de los musicales de la época y las imitaciones de Paul Revere (héroe de la Independencia norteamericana), Lee, Grant y otros. Son sobresalientes las escenas del juego de sombreros, el puesto de venta de limonada (un crescendo de irritación), el espejo inexistente, la fiesta de bienvenida del presidente, la alegría de los diputados tras la declaración de guerra y la famosísima batalla final.  

El humor corrosivo y demoledor de los Marx ridiculiza la figura del tirano, el régimen dictatorial y la guerra, explicando con maestría y buen humor que lo absurdo no está en la película, sino en la realidad.

Arsénico por compasión. Frank Capra, 1944

Arsénico por compasión. Frank Capra, 1944

Un famoso crítico teatral, Mortimer Brewster (interpretado por Cary Grant) acude a visitar a sus ancianas y encantadoras tías, para anunciarles su repentina boda. Sin embargo, la sorpresa se la llevará él al descubrir que las bondadosas mujeres alivian el sufrimiento de hombres solitarios de una forma muy particular y con la ayuda de un perturbado mental que cree ser Theodore Rooselvelt.

 

Algunos gags son delirantes y los actores (sobre todo ellas) están fantásticos, pero ya se sabe que el paso del tiempo puede ser cruel, y lo que antaño parecía corrosivo humor negro, hoy, con nuestro bagaje audiovisual, ha perdido fuerza... En cualquier caso, será difícil no encontrarle la gracia a diálogos como el siguiente:

 

-          tía, ¡hay un muerto en el sótano!
-          ¿un muerto? qué raro, ¡antes había una docena!
-          ¡¿qué?!
-          ¡que antes había una docena!
-          ¿hay una docena de muertos en el sótano?
-          sí, los matamos la otra tía y yo
-          ¿tú y la otra tía matasteis una docena de personas y las escondisteis en el sótano?!
-          sí, Mortimer, eso es lo que he dicho

 

 

En cuanto a lo formal, el film se muestra eficiente. Capra asimila la película a una obra teatral, empleando largos planos generales de situación. Las sombras y contraluces toman protagonismo en ciertos momentos, logrando un loable aspecto visual, que es lo más destacable de las secuencias en la que aparece el hermano delincuente de Mortimer, un personaje que no termina de encajar en la trama. Detrás de tan engañoso guión se haya el inconfundible tacto de Philip G.Epstein que adapta una obra original de Joseph Kesselring

 

Aunque es una película entretenida, no tiene nada que ver con Vive como quieras o Qué bello es vivir!, las dos grandes películas de Frank Capra.

Good Bye, Lenin!, Wolfgang Becker, 2003

Good Bye, Lenin!,  Wolfgang Becker, 2003

Puede que sorprenda encontrar en este blog una película tan reciente como ésta, pero Good Bye, Lenin! es una pequeña y preciosa fábula sobre la necesidad de mentir por amor...


Su argumento parte de una idea sencilla: en Octubre de 1989 la madre de Alex, una mujer orgullosa de su militancia socialista, entra en coma; cuando despierta 8 meses más tarde, el muro de Berlín ha caído y con ello la sociedad y el sistema de valores que ella conocía y defendía. Álex, para evitar que la noticia afecte a su madre, convierte el apartamento familiar en un espacio anclado en el pasado, una especie de museo del socialismo en el que su madre pueda vivir cómodamente creyendo que nada ha cambiado.  Pero lo que empieza como una pequeña mentira piadosa se convierte en una gran estafa cuando, para mantener la verosimilitud de la situación, deben entrar en juego otras personas.


Como telón de fondo, y narrado de manera muy sutil, el director realizar una peculiar reflexión sobre la llegada del mundo capitalista a la RDA: si bien Becker muestra su oposición al  régimen de la antigua Alemania oriental, también enumera las principales lacras del capitalismo: el consumismo, la falta de solidaridad y la dependencia absurda del dinero. Una película equilibrada y respetuosa, en la que resalta la preocupación por matizar a los personajes y por no etiquetarlos por sus creencias políticas.


Película completa e ingeniosa, con un buen ritmo que sabe alternar los momentos de ternura con los giros humorísticos, y una puesta en escena impecable.

Groucho Marx

Groucho Marx

Nacidos en Nueva York,  Leonard (Chico), que nació el 22 de marzo de 1877; Adolph (Harpo) el 23 de noviembre de 1888; Julius Henry (Groucho) el 2 de octubre de 1890; Milton (Gummo, que no actuó en el cine) en 1897 y Herbert (Zeppo) en 1901. El padre trabajaba como sastre, y Minnie, la madre, estaba empeñada en seguir la tradición familiar convirtiendo a sus hijos en actores. Los abuelos maternos eran artistas en Alemania antes de irse a América: Lafe era ventrílocuo y prestidigitador y Fanny trabajaba como arpista.
 
El nacimiento de "Los cuatro hermanos Marx" (Groucho, Chico, Harpo y Zeppo) no fue un parto fácil. Durante una década recorrieron el país representando pequeñas comedias musicales llamadas Tabs Shows, hasta que el 19 de mayo de 1924 debutaron en Broadway con una revista musical, “I’ll Shay She Is”, dotada de un insolente desparpajo. La representación tuvo tal éxito que les elevó a artistas de primera categoría.
 
Su siguiente éxito fue The Cocoanuts (1925), al que siguió Animal Crackers (1928). Mientras esta obra se representaba llegó el crack de 1929, que arruinó a Groucho, quien había invertido toda su fortuna en acciones. Aquel mismo año, la Paramount les ofreció un contrato para el cine a razón de 75.000 dólares por película. A la primera, Los cuatro cocos (1929), seguirían El conflicto de los Marx (1930), Pistoleros de agua dulce (1931), Plumas de caballo (1932) y Sopa de ganso (1933), todas producidas por el inconformista Hermann J. Mankiewicz, guionista de Ciudadano Kane (1940).
 
Luego firmaron por la MGM de Irving Thalberg. De aquella época nacieron Una noche en la Opera (1935), Un día en las carreras (1937), Los Hermanos Marx en el Oeste (1940); El hotel de los líos (1938), Una tarde en el circo (1939) y Tienda de locos (1941).
 
Julius copió de otro comediante el llevar un puro como apoyo de sus escenas y por casualidad ideó un hilarante caminar. "Durante una representación, sentí ganas de divertirme y empecé a andar de una manera rara. La conservé porque al público le gustó". Vinieron luego su levita, su enorme bigote pintado y su nombre de guerra, Groucho. El monologuista Art Fisher le endosó el apodo porque decía que hablaba emitiendo gruñidos.
 
Ya estaban construidos los cimientos de un mito basado en la ironía, la mordacidad y un increíble terrorismo verbal. El resto de la historia es de sobra conocido: los hermanos Marx se convirtieron en los malabaristas del absurdo, y Groucho ofició como su sumo sacerdote. Harpo hacía de mimo revuelve todo, Chico representaba el lado golfo y Groucho simbolizaba el caos con aires de solemnidad.
 

El invento creó escuela y sobrevivió a sus creadores. Tras la disolución de los Marx, en 1942, Groucho, que siempre había soñado con ser escritor, publicó cinco libros y trabajó en la radio, medio que había probado con éxito en los años 30 dando vida a un deslenguado y caótico abogado, Mr. Beagle.

 
En 1945 los hermanos volvieron a juntarse para rodar Una noche en Casablanca, con la que pretendían sacar de la pobreza a Chico, arruinado con el juego. La película funcionó bien pero los Marx volvieron a separarse para reaparecer en 1949 con el rodaje de Amor en conserva. Por aquel entonces Groucho tenía un afamado show televisivo, You Bet Your Life. Seguía teniendo fama de excéntrico, de personaje fuera de toda regla, y le encantaba perpetuar esta fama. En 1968, Hollywood le concedió un Oscar especial.

La comedia del slastick en el cine mudo (V)

La comedia del slastick en el cine mudo (V)

Iniciado en el teatro, Harold Lloyd desarrolló, a fines de 1917, un personaje original, con gags originales, de éxito y reconocible por el público.

En principio se le conocía simplemente como el chico de las gafas, que se identificaba con el tipo americano medio.
Con el personaje de chico de las gafas es importante su configuración física: las gafas redondas, que le dan un aire ingenuo y cierto aire intelectual, y un sombrero de paja plano. Es un personaje joven, vital, alegre, cuyas aspiraciones pretenden ser las mismas que las del americano medio. Y para ello ofrece una ambientación directa en las calles de Los Ángeles. Continuos combates contra el entorno, usa también con frecuencia la acrobacia. Son gags muy calculados pero también arriesgados (en 1919, con una bomba de mentira que le explota en las manos pierde 2 dedos, y debe suplir esa falta en sus siguientes películas utilizando un guante con postizos).



Su película más destacada es, sin ninguna duda, El hombre mosca (1923): un humilde dependiente de los grandes almacenes, para publicitarlos, contrata a un escalador de fachadas (conocidos en EEUU como hombres-mosca) para que trepe por la pared de sus almacenes. Pero éste resulta perseguido por la policía y debe huir. Ante la expectación pública ya generada por el acontecimiento, debe ser el propio personaje de Harold Lloyd quién suba por la pared. Toda la película se articula en torno a esta escena, concentrando los gags visuales. Se desarrollaron una serie de trucos para simular la altura sin tener que recurrir a las habituales trasparencias y sobre-impresiones, porque en este caso no hubiesen resultado creíbles. Esa verosimilitud hace que la película tenga un gran éxito y sus recursos son ampliamente copiados.

Espero que a estas alturas del blog, ya seáis unos apasionados del cine mudo... y eso que sólo hemos hablado de la comedia slapstick! Con lo que queda por ver... pero no quiero cansaros! En mi próximo post, cambiaré radicalmente de época y género.... sorpresa!!!

 

 

 

La comedia del slastick en el cine mudo (IV)

La comedia del slastick en el cine mudo (IV)

Charles Chaplin nació en Londres en una familia dedicada al negocio del music hall. El padre, alcohólico, murió cuando Charles Chaplin tenía tan solo 5 años, dejándoles en una precaria situación económica. Esa experiencia se reflejará posteriormente en sus películas.

Su estilo está bien definido ya desde sus cortos, que consiguieron un éxito fulgurante desde el comienzo, aunque como se verá a continuación, muchos de sus recursos eran similares a los empleados por Buster Keaton:

1.      El gag nunca es improvisado y siempre depende de una determinada situación (es decir, no se repetía mecánicamente un gag de éxito, siempre se debía a una lógica argumental).
2.      el personaje del vagabundo se apoya sobre todo en la dignidad, es un marginado pero se comporta como un caballero. Y ese orgullo le lleva a emprender luchas imposibles, en las que tiene todas las de perder. Y ese toque de picaresca y buenos sentimientos, que ridiculiza a las clases acomodadas, conecta muy bien con el público popular.
3.      uso de planos generales.
4.      crítica social.
5.      descontextualización de los objetos. Las cosas en manos de Chaplin nunca funcionan como es de suponer. Su personaje casi nunca los usa de forma convencional, y son los propios objetos los que luchan contra él.
Ahora es cuando puede ponerse la coletilla “para más detalles...” lo mejor es que te veas sus películas! Tiempos modernos, el Gran Dictador o La quimera del oro... sólo por decir las máaaaaaaaas conocidas.

La comedia del slastick en el cine mudo (III)

La comedia del slastick en el cine mudo (III)

Mack Sennet logró crear la escuela cómica más fructífera del cine americano: en tan 2 años rueda más de 100 películas... y era sólo el comienzo!

En 1912 crea su propia productora, la Keystone. Mack Sennet creó un estilo personal, incluso con toques de surrealismo. Incorpora nuevos tipos cinematográficos y facilita la creación de una gran escuela del slapstick, con situaciones muchas veces improvisadas. Todo ello le otorga enorme dinamismo a la película y obliga a la cámara a moverse incluso más rápido que los actores.

Principales características del cine de Mack Sennet:

·          fluidez narrativa: el ritmo es tan rápido que no deja tiempo para la reflexión, sólo para la acción, especialmente sus famosas persecuciones, ahora con una sofisticada ejecución.
·          Destrucción paródica de la sociedad industrial, todo objeto es susceptible de ser manipulado para provocar hilaridad.
·          Subversión o negación de la autoridad, que es siempre puesta en entredicho a través de la máxima caricaturización de sus representantes. Los policias son risibles y absurdos, llegando a configurar un modelo propio, los keystone cops. Sus diferentes variantes, bien tipificadas, son copiadas por otras productoras.
·          Erotismo: aparecen chicas en bañador jugando en las playas de California, escogidas de acuerdo al estándar de belleza del cine del momento. Tienen tal éxito que las distintas publicaciones periódicas pugnan por conseguir fotos de las chicas, lo cual resultaba ser además una gran publicidad para la Keystone. Muchas chicas se convertirán en estrellas gracias a estos papeles.

La comedia del slastick en el cine mudo (II)

La comedia del slastick en el cine mudo (II)

Max Linder (pseudónimo americano de un actor francés)  fue toda una estrella en el cine anterior a la I guerra mundial. En 1910 crea su personaje del dandy, que será el que le reporte mayor fama, aunque no fuera una creación consciente:  aunque Max Linder asume una interpretación más elegante y sofisticada del personaje, es en el fondo el tipo más característico de la época de “gentleman”, dispuesto a pasar calamidades y duras pruebas para conseguir el amor de la dama.
Su comicidad partía de sus elegantes ropas y del uso que de ellas hacía, de manera que parecía un personaje popular que se había infiltrado en un ambiente que no le correspondía. Su comicidad solía estar basada en la gesticulación, siendo el primero en incorporar recursos del vodevil francés (lógico, teniendo en cuenta su nacionalidad y formación teatral), acentuando la extravagancia y una leve observación psicológica de los personajes. Ese toque menos vulgar le convirtió en un personaje cosmopolita y por tanto apto para la exportación.

La comedia del slastick en el cine mudo (I)

La comedia del slastick en el cine mudo (I)

Lo prometido es deuda: aquí os dejo un (espero) breve comentario sobre qué se entiende por slapstick o comedia en el cine mudo.
Para empezar, hay que saber qué significa la palabra slapstick: hace alusión al sonido que producen 2 tablillas, que se hacen chocar para fingir el ruido de 2 actores peleándose, un recurso teatral plenamente asumido y codificado. Por tanto la llamada comedia slapstick es en principio asumir la tradición burlesca del mundo de las variedades de principios del siglo XX, modernizándola y adaptándola al mundo urbano norteamericano. Porque en ese momento se plantea introducir la modernidad realista en el cine y convertirla en el principal recurso cómico.
El recurso habitual de la slapstick es el gag, definido como situación cómica elemental, con un carácter esencialmente visual. El gag insiste en lo inesperado, es una perturbación de la lógica normal de la película. En general no es posible definir una tipología, cada cómico lo usa de forma personal, pero hay algunas características básicas:
1.      ejecución perfecta, para obtener un buen resultado.
2.      subversión: con mucha frecuencia el gag se extrae de la inversión del sentido, de cambiar radicalmente las expectativas que se tienen de un objeto.
3.      repetición: es habitual repetir gags de éxito en películas sucesivas, creando así lo que se ha denominado repertorio de un actor o personaje, aunque evidentemente cada gag admite alguna variante, y creando un estilo personal.
El cine cómico adquirió gran importancia y desarrollo gracias al sistema de proyección de la época, que incluía en cada sesión un noticiario, 2 reportajes y un corto cómico, antes del largometraje (y todo ello por menos de 1 dólar!!! Con el precio que tienen ahora las entradas... y como mucho ves un par de anuncios antes de la peli!)

Los grandes iconos de la comedia slapstick son Buster Keaton, Charles Chaplin y Harold Lloyd, pero hemos de tener en cuenta dos importantes percursores: Max Linder y los keystone cops de Max Sennet. En los próximos días hablaré de ellos...

Y por cierto... FELIZ AÑO NUEVO!

BUSTER KEATON

BUSTER KEATON

No se me ocurre mejor forma de comenzar mi blog que hablando de uno de mis actores/directores favoritos: Buster Keaton. Sencillamente, el mejor creador cinematográfico de la época del cine mudo, aunque durante mucho tiempo se ha visto relegado injustamente a un segundo plano por la fama de Chaplin (si, Chaplin es bueno, de acuerdo, pero Buster es mejor!); por suerte este panorama esta cambiando y se está devolviendo a Buster los reconocimientos que se merece, entre ellos, la edición en dvd de muchas de sus películas (tiene una filmografía impresionante) para que todos podamos disfrutarlas.

¿Cuáles son los méritos y características de Buster Keaton? A continuación expondré los principales puntos:

En esencia, la comicidad de Buster Keaton se basa en su impasible sobriedad y en la sucesión de gags perfectamente elaborados y sintonizados. Formado en el mundo de las variedades, sus padres tenían un espectáculo de music-hall al que rápidamente se unió Buster Keaton, que hacía de “estropajo humano” (buster) con gran éxito. Evidentemente sus padres tuvieron que hacer frente a varias denuncias por malos tratos al niño pero nunca cancelaron su espectáculo “los 3 Keaton”. De esta forma, desarrolló una gran habilidad acrobática y un total control sobre sus expresiones y emociones. Al crecer, pasó al cine, asociándose a Fatty (Roscoe) Arbuckle, un famoso actor de comedias formado en la Keystone.

En el periodo de 1920-28 realiza 11 largometrajes que demuestran las grandes posibilidades del slapstick (nombre que recibe la comedia de cine mudo) y la madurez del estilo del propio Buster Keaton. Sus características son:

  •  carácter sobrio, impasible, nunca exterioriza las emociones. En España se le conocía como “Cara de palo” y “El hombre que nunca ríe”.
  •  su forma de expresarse es a través de acrobacias, siempre realizadas por él mismo porque hacía que los gags fueses más creíbles y que el actor se implicara más en el rodaje. Lógicamente tuvo numerosos accidentes.
  •  Siempre usaba planos largos (plano secuencia), ya que lo contrario impedía ver con claridad la acción.
  •  dominio del lenguaje cinematográfico, apreciable en la perfección de sus gags. Hay 2 tipos: el gag de trayectoria: (una serie de situaciones lógicas acaban desencadenando una acción concreta) y el slow burn o gag del deterioro (es decir, el lento pero irremediable deterioro de una situación que en principio parecía sencilla).
  • descontextualiza los objetos, dándoles un nuevo uso.
  •  Espontaneidad. Buster Keaton era su propio productor así que no estaba obligado a trabajar con un guión previo. Hacía continuas improvisaciones y cambios (de hecho no tenía ni guión, porque sabiendo que lo iba a cambiar, no se molestaba ni siquiera en escribir uno previo). Además apenas hacía ensayos previos al rodaje, prefería la toma directa.
  • Su sistema narrativo era progresivo: se parte de una situación normal, con un pequeño enredo, y a partir de ahí se iba en crescendo, centrando las “grandes carcajadas” en los rollos 4º y 5º de la película y llegando a su clímax en el último.

    Como ya he comentado, Buster Keaton fue un autor prolífico y entre su extensa lista de películas nos ha dejado títulos como Las 3 edades (una parodia de la película "Intolerancia" de D.W.Griffith), El moderno Sherlock Holmes, El boxeador, La ley de la hospitalidad, El navegante, Siete ocasiones o El Colegial, pero sin duda su película más famosa (y una de las mejores de la historia del cine, según la prensa especializada) es El maquinista de la General.

    Como ya he comentado, Buster Keaton fue un autor prolífico y entre su extensa lista de películas nos ha dejado títulos como (una parodia de la película "Intolerancia" de D.W.Griffith), , , , , o , pero sin duda su película más famosa (y una de las mejores de la historia del cine, según la prensa especializada) es

    Rodada en 1926, está basada en un hecho real: una patrulla de la Unión se apodera de un tren Confederado; un joven confederado (Buster Keaton), alistado con el propósito de llamar la atención de una chica, es la única persona que puede resolver el conflicto. Las situaciones cómicas y la acción dramática están tan perfectamente integradas que si se suprimen los gags se cambia totalmente el sentido de la película.

    Y hasta aquí puedo escribir... porque en este punto, si aún no habéis visto El maquinista de la General, deberíais salir corriendo a buscarla: es un película im-pres-cin-di-ble!

    Aunque quizá, para poder disfrutarla aún más, convendría conocer cuáles son las características generales de la comedia de cine mudo o slapstick, de forma que el genio de Buster quede mejor definido y contextualizado. Ese será el tema de mi próximo post...