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Japón, siglo XII. Para recompensar al valiente samurai Moritoh, su señor le da la posibilidad de escoger aquello que más desee. El joven samurai quiere casarse con la bella Kesa... pero Kesa ya está casada. Moritoh intentará en vano persuadirla para que abandone a su marido.

Sin duda, la mejor interpretación es la de Machiko Kyo, auténtica estrella en Japón, que deslumbra por su impecable Kesa.  Moritoh (interpretado por Kazuo Hasegawa) resulta un personaje demasiado ingenuo, demasiado obstinado; es sólo al final, cuando se desata el drama, cuando el actor consigue imprimir auténtico carácter a su samurai.

Una historia de pasión y poder, filmada en color y en formato panorámico con una estética muy particular para el momento, que fue galardonada con 2 Oscar de Hollywood y el Gran premio del Festival de Cannes.

Watanabe es un funcionario apático, cuya vida gira únicamente alrededor de su monótono e insustancial trabajo. Hasta que los médicos le diagnostican un cáncer muy avanzado. A partir de entonces lo que Kurosawa filma es una reflexión acerca de cómo proporcionar un sentido a la existencia, así como de la búsqueda de una redención que nos permita irnos tranquilos de este mundo. 

Comentaba José Enrique Monterde, en el dossier dedicado por la revista “Nosferatu” al cineasta japonés que, “en Vivir (…) deberíamos remitirnos a otra película de De Sica-Zavattini, Umberto D (también de 1952) con la que tiene ciertas concomitancias”. A pesar de las obvias diferencias que presentan cada uno de ellas (de forma muy evidente, el tono más optimista del filme nipón, en contraposición a una visión fatalista y derrotista del italiano) hay una serie de características comunes que los encauzan hacia un discurso parecido y decididamente devastador. Para empezar, sus protagonistas son hombres de avanzada edad, cuyo ciclo laboral parece haberse cerrado por su longevidad, y que deben adecuarse al insignificante papel que les reserva la exigente sociedad actual. Sobre ellos planea la sombra de la resignación, y con gran escepticismo vital se enfrentan al futuro. Además, ambos largometrajes se encuadran en una corriente “realista”, desde el marco social del Japón de posguerra en Vivir a la adscripción neorrealista de Umberto D.

Japón, siglo XVI. Takeda Shingen es el jefe de uno de los tres poderosos clanes que luchan por la conquista de Kioto. Shingen muere en combate, y sus oficiales deciden ocultar este hecho ante sus propias tropas y las del enemigo. Para ello se sirven del increíble parecido físico de un vulgar ladrón, al que perdonan su condena a muerte con la condición de convertirse en el doble de Shingen. 

Tras el éxito, Oscar incluido, de Dersu Uzala (1975), Kurosawa volvió a la dirección de una producción épica gracias al apoyo económico de Francis F. Coppola y George Lucas (dos de sus más célebres admiradores). 

Aparte de las grandiosas escenas bélicas, de la maestría con que se narra el horror de la guerra, de la soberbia imagen de los jinetes desfilando, de la bellísima fotografía, o de la impresionante escena final, con un alucinado Kagemusha cargando entre “sus” soldados muertos, la importancia de esta película radica en la reflexión sobre el poder, la ambición, el engaño y la usurpación. 

La película podría haber sido el esperado reencuentro entre Toshiro Mifune y Kurosawa, pero el director nipón no vio con buenos ojos la participación de Mifune en la miniserie norteamericana "Shogún", a la que consideraba folklórica y poco "digna" (y desde luego, tenía razón!). Así que el papel principal recayó en el gran Tatsuya Nakadai.  

Como anécdota final, aquí queda la siguiente afirmación del propio Kurosawa: "John Ford ha sido como mi padre pero ellos (Coppola y Lucas) son mis hijos".

Sawako y Matsumoto eran una pareja feliz, pero los egoísmos de sus padres truncarán sus vidas. Hiro es un anciano jefe yakuza, quien años atrás abandonó a su novia para perseguir sus sueños de prosperar; ahora vuelve al parque donde ambos se encontraban. Haruna, antes una estrella de la canción, pasa el día contemplando el mar tras un accidente de coche; su más devoto fan, Nukui, se dispone a demostrarle que no la ha olvidado.

Tres historias de amor y dolor, contadas desde la introspección y el silencio. El amor no es bello y perfecto, el amor puede resultar amargo tras mancharse con los errores del pasado. El amor duele, pero mostrar lágrimas no es estrictamente necesario, cuando la tristeza es suficientemente profunda te puedes asomar a ella desde una simple mirada o un silencio. Eso es lo que nos enseña Kitano en esta película. 

Gracias a Dolls, me he reconciliado con Kitano. En ella Kitano se aleja de la violencia que le ha hecho famoso, optando por un tono lírico y sosegado que le acerca al clasicismo nipón tan soberbiamente representado por Ozu, Mizoguchi o Kurosawa. Es evidente que Kitano conoce bien estos precedentes aunque no llegue a su perfección. La película posee un delicado y bello acabado formal, con una fotografía excelente.

El tiempo narrativo de la película, pausado y tan acorde con el paisaje congelado, y la banda sonora, contribuyen a reforzar su serenidad. El final de esta fábula visual deja un poso de dulce amargura difícil de explicar.

Japón, 1630. Tras una larga guerra entre clanes se instala la paz, lo que implica que muchos samuráis pierden su razón de ser y sus empleos. Algunos no soportan vivir en condiciones indignas y deciden pedir ayuda para poder practicarse el suicidio ritual. Hanshiro Tsugumo (interpretado por Tatsuya Nakadai) solicita a los hombres del clan Iyi que le asistan durante dicha ceremonia. Pero antes, quiere contar el porqué de su decisión…

Harakiri es el nombre con el que se conocía popularmente la ceremonia del Seppuku, el suicidio ritual y heroico, en el que los samurai se cortaban el vientre con su espada y luego eran decapitados por una segunda persona (que aliviaba así el sufrimiento y la agonía). Tsugumo, el protagonista de esta película, creció con y por la espada, un samurai convencido y fiel seguidor del bushido, y hace notar esa diferencia orgulloso sobre aquellos jóvenes guerreros que reivindican vivir bajo el código ético del samurai, pero que no son capaces de respaldarlo con sus acciones, lo cual se refleja en el desorden e injusticia del sistema entero.  

Un aspecto fundamental es la soberbia interpretación de Tatsuya Nakadai, que es a Kobayashi, lo que Toshiro Mifune a Akira Kurosawa, aunque curiosamente Kurosawa dio el papel protagonista de Kagemusha y Ran no a su actor fetiche (Mifune) sino a Nakadai. Con un estilo muy distinto al de Mifune, más sutil, más interno, Nakadai interpreta en harakiri un personaje misterioso, inquietante, apoyado además por la ambientación (un conjunto de estancias vacías, y campos en brumas) y a la propia estructura de la película, construida mediante flashbacks encadenados que nos van descubriendo, muy poco a poco, la verdad.

Pacifista convencido y ganador en 1963 del Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, Kobayashi muestra en Harakiri su desprecio por la autoridad e hipocresía feudal  que habían llevado al Japón a la destrucción.

Hace algunos días hablé de esta gran película y comenté que para elaborar el guión, Akira Kurosawa se basó en varios relatos de Rynousuke Akutagawa, aunque su principal fuente de inspiración fue el relato que titulado, precisamente, Rashomon (aunque también es conocido como “En el bosque”). 

Aquí os dejo el enlace para leer el cuento original de Rynousuke Akutagawa: http://www.ciudadseva.com/textos/cuentos/jap/akuta/rashomon.htm

Bajo las puertas de Rashomon, en la antigua Kioto, tres personajes (un sacerdote budista, un leñador y un peregrino) se refugian de una tormenta. Los tres discuten sobre el juicio al bandido Tajomaru, acusado de haber dado muerte a un señor feudal y de violar a su esposa. Los incidentes son narrados desde el punto de vista de Tajomaru, de la mujer, del asesinado (a través de una médium) y del leñador, único testigo de los hechos.  

Kurosawa nos ofrece aquí una prodigiosa utilización de los flashback, pues las versiones de la historia serán siempre contradictorias y desde distintas posiciones emocionales.  

Rashomon es una película con una carga moral muy acentuada. Inspirándose en un relato de Ryonusuke Akutagawa, Kurosawa se muestra buen conocedor del alma humana. Una pequeña mentira puede tener consecuencias devastadoras en la vida de un hombre, pues vivimos de acuerdo con lo que creemos verdadero y bueno. Pero descubrir la verdad puede ser muy difícil y doloroso. Y uno de los mayores obstáculos para descubrirla somos nosotros mismos, porque nuestras creencias, egoísmos y prejuicios alteran la percepción que tenemos de las cosas, cómo las vivimos y, sobre todo, como las recordamos.

Rashomon es una película que roza la perfección, con unos encuadres impresionantes, un ritmo vertiginoso y un acabado formal excelente. A destacar también las soberbias interpretaciones de Toshiro Mifune (impagable en su papel de Tajomaru) y Machiko Kyo. 

Ganadora de León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1951, esta obra maestra contribuyó decisivamente al reconocimiento internacional del cine japonés. 

Una película descomunal, inagotable. Sobrepasa cualquier cosa que pueda decir sobre ella.

Otra obra maestra del gran director Akira Kurosawa. Y otra soberbia interpretación de su protagonista, Toshiro Mifune.