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Clint Eastwood dirigirá y protagonizará una nueva película titulada “Gran Torino”.

No han trascendido apenas detalles del filme, es más, ni si quiera se sabe a ciencia cierta su argumento, pero se especula sobre la posibilidad de que sea una nueva entrega de Harry el sucio, algo así como lo que sigue: un asesino que conduce un Ford Torino del 72 asesina a dos policías que intentaban detenerle. Uno de ellos era el nieto de Harry Callahan, quien abandonará su tranquila jubilación para vengarle.

Si dicho rumor es cierto, estaríamos hablando de la auténtica despedida de uno de los personajes más memorables de la filmografía de Eastwood. En estos tiempos en los que Rocky Balboa, Indiana Jones y otros tantos vuelven con fuerza, no es extraño que Harry Callahan regrese para repartir justicia, aunque, tratándose del gran Eastwood, es más que probable que nos encontremos con algo muy diferente a las violentas secuelas dirigidas por Don Siegel.

En cualquier caso, 2008 será un gran año, porque contaremos con los estrenos de dos obras de Clint: “The Changeling”, thriller ambientado en los años 20 y protagonizado por Angelina Jolie (y cuyo estreno se espera para Noviembre) y este “Gran Torino” (previsto para Diciembre).

Por otro lado, Eastwood sigue con su inteligente táctica de hacer una película más comercial y taquillera (“Gran Torino”) entre dos proyectos personales: “The Changeling” y “The Human Factor”, película esta última sobre Nelson Mandela que protagonizarían Morgan Freeman y Matt Damon y cuyo rodaje comenzaría en 2009.

Como siempre, Eastwood me ha alegrado el día. Y hoy, más que nunca, lo necesitaba. Gracias, Clint.

“Grupo salvaje” es la historia de un grupo de veteranos atracadores de bancos, ven acorralados entre unos cazadores de recompensas, los insurgentes de Pancho Villa y el ejército mexicano; la historia de una banda de forajidos condenados al fracaso desde el principio y resignados a enfrentarse con dignidad a su destino.

“Grupo salvaje” es un film violento, amargo y desencantado, en el que los límites entre el bien y el mal se difuminan. Una película que nos habla de desarraigo, honor, dignidad y amistad traicionada en el contexto de un mundo que está cambiando: sus protagonistas son hombres duros cuyo tiempo se ha acabado. Y a pesar de la violencia, “Grupo salvaje” ofrece, sin embargo, imágenes de sobrecogedor lirismo.

“Grupo salvaje” es un magistral western crepuscular escrito por el propio Peckinpah junto a Walon Green y Roy N. Sickner, resumen de una forma de entender la vida, regida por unos códigos no escritos pero con una fuerte carga ética y moral.

Excepcional trabajo interpretativo de todo el reparto, entre ellos el insuperable William Holden (quien basó parte de su actuación en el propio director) o el General “Mapache” encarnado carismáticamente por el mexicano Emilio Fernández.

Después solo queda la hora de los homenajes, recordando en flash-back los rostros sonrientes de los componentes de este grupo salvaje…

Biografía del famoso pintor francés Toulouse-Lautrec en el Monmartre de finales de siglo XIX. Lautrec fue un magnífico artista que sufrió constantes rechazos por su físico deforme, llevándolo a intentos de suicidio constante.

Una extraordinaria película, al nivel de las mejores de Huston e incluso, en mi opinión, mejor que algunas de las más famosas. Esta película debería estar considerada al nivel de “El tesoro de Sierra Madre”, “El halcón maltés”... Es un trabajo soberbio, magnífico y lleno de ese sello inequívoco de Huston.

No sólo es fiel a la biografía del genial pintor sino que nos hace respirar el aire bohemio parisino y consigue hacer absolutamente creíbles al elenco de personajes que se deslizan sobre el entarimado del Moulin Rouge. Tan creíbles que parecen recién salidos de los cuadros de Lautrec (soberbia la actuación de José Ferrer), que adquirieron vida propia para hacernos disfrutar desde sus cancanes llenos de picardías y colores.

Inevitablemente hay que subrayar el tratamiento del color en la película. Todo el metraje tiene una luz y un color muy especial, pero sobre todo destaca la secuencia del intento de suicidio. Ese momento es insuperable, con unos fotogramas auténticamente impresionistas, como cuadros en movimiento tratando de reflejar el estado de ánimo del protagonista.

Como aperitivo, aquí os dejo la escena de presentación en Youtube.

La célebre guerra de Troya, varias veces llevada al cine, fue descrita por el poeta Homero en su libro “La Illíada”, fechado en el siglo VIII aC, aunque el propio Homero también hace referencia a Troya en su siguiente obra, “La Odisea”. La leyenda de Troya fue completada por otros autores griegos y romanos, como Virgilio, en su “Eneida”  donde narra como algunos héroes troyanos, liderados por Eneas, lograron sobrevivir y llegaron a lo que más tarde se convertiría en la poderosa Roma.

¿Qué causó la guerra de Troya? La belleza de una mujer. Durante el reinado de Príamo, y a causa del rapto de Helena de Esparta por el príncipe troyano París (interpretado aquí por Orlando Bloom), los griegos comandados por Agamenón tomaron Troya tras haber puesto sitio a la ciudad durante diez años.

Y aquí empiezan los errores y las alteraciones del texto homérico. Porque la campaña, en la película, parece durar apenas unas semanas y no esos largos 10 años. Pero hay mucho más…

En realidad, durante los primeros nueve años de asedio no sucede nada de interés, y las tropas griegas se dedican a saquear varias ciudades cercanas. En el reparto de uno de estos botines, Agamenón tomó como esclava a Criseida, hija de Crises y sacerdote de Apolo. Crises pidió a Apolo que castigase a los griegos, y la armada fue azotada por una plaga. Según el oráculo, la plaga solo cesaría si Agamenón devolvía a Criseida a su padre. Aquiles (Brad Pitt), para salvar a sus soldados, prometió el cumplimiento del oráculo, pero Agamenón, enojado, se llevó a cambio a la concubina de Aquiles, Briseida. A raíz de esto, Aquiles y Agamenón discutieron y Aquiles se negó a luchar hasta que Agamenón se disculpase. Así las cosas, los troyanos, liderados por Héctor (Eric Bana) obtuvieron grandes avances.

En vista del peligro, Aquiles dejó que Patroclo llevase su armadura y liderase las tropas en la batalla (según la película, fue el propio Patroclo quien ideó el engaño a espaldas de Aquiles). Héctor dio muerte a Patroclo y Aquiles, loco de dolor, mató a Héctor y arrastró su cuerpo con el carro. Sólo cuando Príamo en persona fue a suplicarle, Aquiles, accedió a devolver el cadáver y declaró una tregua de doce días mientras durasen los funerales de Héctor. Poco después, París vengaba la muerte de su hermano y mataba a Aquiles gracias a una flecha bien dirigida hacia su único punto débil, el talón (aunque la película no explica por qué era la única parte vulnerable de su cuerpo…).

Tras la muerte de los héroes de ambos bandos (Héctor y Aquiles) la situación llega a un punto muerto. Fue sólo entonces cuando los griegos idearon la treta del caballo de madera hueco.

Por cierto, Menelao no murió en esta guerra. Es más, deslumbrado de nuevo por la belleza de su esposa Helena, la perdonó y volvieron juntos a su patria.

Tras siglos de olvido, las ruinas de la auténtica Troya fueron descubiertas en 1871 por Heinrich Schliemann. En 1998, el sitio arqueológico de Troya fue declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Cassandra Reilly, una traductora norteamericana que vive en Barcelona, descubre pronto que las apariencias pueden ser muy engañosas. Frankie Stevens, otra americana que reside en Barcelona, está convencida de que su marido ha desaparecido misteriosamente en esta ciudad y recurre a Cassandra para encontrarlo. En un principio, Cassandra rechaza la oferta, pero la posibilidad de ganar algo de dinero fácil es demasiado tentadora. Tan pronto como Cassandra intenta ayudar a desenmarañar el pasado secreto de Frankie, se ve envuelta en una red de identidades erróneas, familias que se engañan e incluso un secuestro.

Convertir la novela de misterio de Barbara Wilson ’Tardes de Gaudí’ en un guión fue un reto para el escritor James Myhre y la directora Susan Seidelman. La novela representó un cambio en el modo en el que la gente vive dentro de la unidad familiar y "plantea preguntas sobre qué es lo femenino y lo masculino. Las definiciones tradicionales de los roles familiares siguen vigentes hoy, pero se han diversificado en la última década”.

Además, el hecho de ser una historia detectivesca con una protagonista femenina es muy poco habitual. Los cuatro personajes femeninos son muy diferentes en sus fortalezas y debilidades, y eso se refleja en la película.

Al rodar en Barcelona, los realizadores aprovecharon sus muchas localizaciones maravillosas. La esencia de Gaudí es muy importante en la película, pero la directora no quiso centrarse únicamente en sus edificios. "El reto era mostrar ambas caras de la ciudad: la vieja y la nueva, la gótica y la moderna. De otro modo, filmaría sólo los aspectos de Gaudí y no sería del todo fiel a la ciudad y a su espíritu". Por tanto, además de las obras más importantes del arquitecto modernista (entre las que se incluyen La Sagrada Familia, La Pedrera y el Parque Güell), también podemos disfrutar escenas rodadas en las concurridas calles del Barrio Gótico y el famoso paseo de Las Ramblas.

La película, según palabras de la propia realizadora, "es una visión sobre cómo ha cambiado el mundo. La arquitectura de Gaudí representa perfectamente la secuencia de la historia: cuando miras sus obras ves en un principio una cosa, pero con una mirada más cercana se convierte en algo completamente diferente".

Empezar una nueva vida siempre es difícil, pero empezarla teniendo que vivir en un 5º piso sin ascensor, con una claraboya que tiene un agujero, sin muebles, sin calefacción en pleno invierno neoyorquino y con una pareja que es todo lo contrario que tú, tiene que ser para volverse loco. Eso sí, si tú mujer es Jane Fonda y tienes un vecino como Charles Boyer todo se vuelve un poco más sencillo y divertido... 

”Descalzos por el parque” es una buena adaptación una obra teatral, bajo la acertada dirección de Saks, responsable, por cierto, de populares títulos de los años 60 como "La extraña pareja" o "Flor de cactus". Hoy en día ya es todo un clásico con escenas inolvidables, y una pareja de actores que enganchan a la perfección (de hecho, Robert Redford había interpretado ya este mismo papel en la obra original de Broadway de la mano del famoso dramaturgo Neil Simon). La presencia de secundarios de lujo como Charles Boyer y Mildred Natwick es absolutamente deliciosa. Una comedia romántica divertida y con mucho encanto.

Película sobre la famosa pintora mexicana Frida Kahlo, desde el trágico accidente que marcaría su vida,  hasta el reconocimiento oficial de su talento, pasando por larga y complicada relación con su mentor y marido, el también pintor Diego Rivera.

Esta película es un increíble y maravilloso reflejo del universo de la pintora mexicana Frida Kahlo, una artista profunda, extraña, misteriosa. Como ella decía: "soy mi mejor tema".  

Salma Hayek interpreta con convicción a Frida, con una caracterización física prodigiosa, de la pintora; Salma (responsable de producción) y la directora de esta película, realizaron un magnifico trabajo de documentación, a todos los niveles: vestuario, escenarios, contexto político, y por supuesto, el Arte. Son maravillosos esos momentos en los que la película refleja ese vínculo entre la realidad de Frida (difícil, atormentada, pasional) y sus cuadros. Se debe hacer referencia, como no, a la música, que otorga al filme un toque aún más especial, sobre todo por la canción "la llorona". 

También debemos destacar el trabajo de Alfred Molina, que consigue un Diego Rivera también físicamente creíble y muy nítido y preciso como personaje. Del reparto, mencionar a Antonio Banderas, Edward Norton y Geoffrey Rush, que interpretan breve pero con corrección a Siqueiros, Rockefeller y Trotsky respectivamente. 

"Espero alegre la Salida y espero No Volver Jamás"

Fernando Robles (Federico Luppi) es porteño, ya ha cumplido los 60 y es profesor de pedagogía en la universidad. Enseña a enseñar. Lleva toda la vida casado con Liliana Rovira (Mercedes Sampietro), española, hija de catalanes, que trabaja como asistente social en barrios marginales de Buenos Aires. Se quieren, se respetan, son leales. Nunca se aburren estando juntos, les gusta estar solos. Se conocen profundamente, se aceptan, se pelean sin odio, se divierten. Son amantes, socios, amigos, cómplices. Ninguno de ellos concibe la vida sin el otro. Tienen un hijo, Pedro (Carlos Santamaría), casado y con dos hijos, que tiene un buen trabajo en Madrid, donde vive en una urbanización de clase media acomodada. Pero el mundo plácido y reflexivo de Fernando se ve profundamente alterado cuando recibe sin previo aviso la comunicación oficial en la que le informan de su jubilación forzosa, un hecho que va a cambiarle la vida... 

Todos conocemos el famoso tópico acerca de que los argentinos hablan de cualquier cosa con tal de no estar callados. Esta es una película argentina, y sus actores hablan mucho. Pero todo lo que dicen es importante, es el sostén de este drama tan tierno como cercano. La belleza de esta película está precisamente en que lo que nos cuenta resulta reconocible: "Lugares comunes" es una película en la que todos los personajes buscan su lugar en el mundo, en un barniz pesimista pero al mismo tiempo esperanzador. 

El cine de Adolfo Aristarain es un cine de preguntas complejas, preguntas que casi nunca reciben respuesta, pero que ayudan a reflexionar sobre la fragilidad de la existencia y los ideales que la sustentan. Aristarain consigue un relato austero, sencillo, un canto sincero y emotivo a las ansias de vivir con dignidad.

En 1824, un Goya anciano y enfermo, solicita permiso al rey Fernando VII para acudir al balneario de Plombières. La película muestra como, durante su estancia en tierra gala (que se prolongaría hasta la muerte del pintor en 1828) Goya rememora su azarosa vida a su hija Rosario. 

Es ahí precisamente donde radica el primer error histórico. Francisco de Goya casó el 25 de julio de 1773 en Madrid con Josefa Bayeu; el matrimonio tuvo 8 hijos, de los cuales 7 murieron al nacer o siendo aún muy niños. Sólo sobrevivió el último, Javier Goya y Bayeu, nacido el 4 de diciembre de 1784, que fue el heredero del pintor y que incluso le daría un nieto, Marianito. Por lo tanto, el personaje de Dafne Fernández (hueco e inexpresivo por otra parte) carece de sentido. 

"Goya en Burdeos" es un proyecto largamente meditado por Saura, quién dedicó la película a su hermano, el pintor Antonio Saura. El director se acerca a la figura del genio de Zaragoza de un modo personalísimo y arriesgado, un largometraje eminentemente estético, con una magnífica fotografía, un uso magistral del color e impactantes decorados; de hecho, hay una aportación importante (aunque no del todo acertada) de la Fura dels Baus, encargada de recrear los famosos fusilamientos del 3 de mayo y otras escenas bélicas. 

"Goya en Burdeos" es un particular viaje al interior del genio, las pesadillas interiores que lo asediaban, sus demonios y visiones, a través de la superposición de dos momentos vitales: el Goya viejo y enfermo (última interpretación de Paco Rabal) y la del Goya en plenitud artística (José Coronado). 

En definitiva, un alarde de cine-pintura, pero también una película fallida. Lo más destacable y sólido de la película son aquellas escenas que muestran a Goya en pleno proceso creativo: pintando su quinta de Madrid, preparando los bocetos de su Tauromaquia, recordando sus retratos… 

Como recomendación final, aconsejo visitar la web que la Universidad de Zaragoza dedicó a Goya en su 250 aniversario: http://goya.unizar.es/InfoGoya/MainMenu.html

La prehistoria contada desde el punto de vista de tres tribus de homínidos en diferentes estadios de la evolución que buscan cómo conseguir fuego. Una aventura de proporciones épicas con una magistral ambientación. 

Rodeado de antropólogos y arqueólogos, Annaud basa su película en la ciencia para recrear los primeros pasos del hombre en la Tierra y se deja llevar por la imaginación científica en aquellos aspectos donde los yacimientos arqueológicos aún no habían llegado en su época. Por ejemplo, la convivencia de diferentes clases de homínidos se ha demostrado con el tiempo y otros aspectos como el desarrollo intelectual muy posiblemente fue así como se dieron.

Pero la película no es sólo ciencia, es espectáculo y mensaje. Ver como el hombre se hace hombre, como descubre el amor, la risa y la ironía. Con el paso de los minutos te vas descubriendo como persona y ves la magia de lo que nos hace únicos y de lo que hace único al cine (arte es imagen, imagen es sentimiento y sentimiento es el hombre).  Solo por esto y por la característica exposición de la naturaleza en estado puro de Jean-Jacques Anaud, con escenarios totalmente reales y siempre espectaculares y, con el comportamiento de los personajes, tan naturales como el paisaje que les rodea, hacen de este film una joya indispensable. 

“En busca del fuego” no es documental, aunque pudiera parecerlo. Es una película muy entretenida de principio a fin, una superproducción impecable por su puesta en escena. Lo que Annaud consigue aquí es más difícil de lo que parece: contar una historia de forma coherente, clara y muy amena sin que ningún personaje articule una sola palabra comprensible (los diálogos son de un lenguaje creado por Anthony Burgess y el lenguaje corporal fue diseñado por Desmond Morris).