cineblog

Internet es un mundo en constante evolución y, después de 5 increíbles años con este blog de cine, es hora de renovarse y enfrentarse a nuevos retos y proyectos web... 

Esto no es una despedida, sino sólo un hasta luego. La idea es retomar cineblog en un futuro. Gracias por haberme acompañado durante estos 5 años. Espero volver a veros pronto...

¿Por qué la publicidad no puede ser siempre así de creativa?

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…y seguimos con Clint ;-)

Para aquellos que quieran saber más sobre la trayectoria profesional de Clint Eastwood, aquí dejo esta referencia bibliográfica:

“Clint Eastwood. Avatares del último cineasta clásico”.

Autor: Quim Casas (Ediciones Jaguar, 2003)

Eastwood, considerado actualmente de forma unánime como el último cineasta clásico norteamericano, ha recorrido un camino lleno de varapalos críticos, fracasos comerciales y cuestionamientos ideológicos. Por ello, este libro pretende analizar su trayectoria global desde las tres parcelas más significativas de su aportación al séptimo arte: su faceta de actor, la de productor y la de director.

Además de análisis y comentarios sobre todas sus películas, este libro intenta mezclar la trama artística en su mismo contexto, esto es, se hace hincapié en los vaivenes, tanto cinematográficos como políticos, que han hecho que la obra de Eastwood se valorara en un sentido o en otro.

Aparte de la semblanza biográfica y el estudio de la productora que Eastwood creó en 1968, Malpaso, el libro se adentra en los vericuetos musicales del actor, e incluye una detallada filmografía de todos sus trabajos, desde sus comienzos en películas de serie B hasta sus últimas obras maestras.

Durante la II Guerra Mundial, un desganado pelotón norteamericano recupera la ilusión al descubrir, tras capturar a un comando alemán, que el enemigo guarda una fortuna en lingotes de oro. Y que ésta se encuentra al alcance de su mano, aunque detrás de las líneas enemigas...

La década de los 70 comenzó en EEUU con la fuerte oposición hacia la guerra de Vietnam. Tuvo su reflejo en el cine, en películas como ésta o en la oscarizada M.A.S.H. de Robert Altman. Por eso los antihéroes cobran especial protagonismo en la cultura de esta década. Y el grupo de soldados que se embarcan en la aventura de perforar las líneas enemigas por un tesoro no iba a ser menos. No luchan por su país (que les ha obligado a luchar en una guerra que no entienden), sino que luchan por conseguir un dinero que les facilite la vida al regresar, luchan por su futuro.

El artífice del plan es el teniente Kelly: el gran Clint Eastwood da vida a un irónico e inteligente soldado, capaz de convencer a todo el mundo para colaborar en su empresa. Está muy bien secundado por Telly Savalas (un sensato capitán) y por Donald Sutherland, que es el perfecto contrapunto cómico del trío.

La fotografía, a cargo del mejicano Figueroa, es excelente. El guión, de Troy Kennedy Martin es un ejemplo de habilidad narrativa en el que, además, los personajes están bien definidos.  Lalo Schifrin, que tantas veces colaboró con Eastwood, fue el encargado de la banda sonora que, lejos de ser la típica de un film bélico, representa perfectamente el espíritu de esta divertida producción. Incluso ofrece melodías que evocan el tono country de las viejas películas del Oeste e imitan a Morricone (en una magnífica secuencia que, a su vez, imita a Sergio Leone…).

Todo un clásico en su género.

Nina (Natalie Portman), una bailarina de técnica brillante que vive completamente absorbida por la danza, ve cumplido su sueño al ser escogida para protagonizar “El lago de los cisnes”. Pero la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del director (Vincent Cassel) se agudizan a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

En los últimos años se están realizando adaptaciones de historias o mitos populares que son reconvertidas en versiones "oscuras" y “adultas” de las originales. Al final, muchas son inmaduras (Alice in Wonderland, Tim Burton) y otras incluso optan por convertir los clásicos en iconos para quinceañeras (Crepúsculo). Algo similar ocurre con “Cisne negro”, una adaptación de Jeckyll & Hyde: el descenso a los infiernos de un alma torturada entre dos formas de entender la vida, entre hacer lo correcto o dejarse llevar por la pasión.

El punto de partida es muy sugerente. Nina es perfecta, un cisne blanco de movimientos gráciles e impecables. Pero también es una mujer reprimida, que duerme custodiada entre muñecos de peluche y se ahoga en los sueños frustrados de una madre dominante. ¿Es Nina perfecta?

“Perfection is not just about control; it’s also about letting go”. Dejarse llevar, eso es lo que Nina no consigue en su obsesión perfeccionista y eso es lo que representa la nueva bailarina, Lily: el movimiento insubordinado, desafiante y seductor.

El cisne blanco representa la pureza, la belleza y la perfección: la primera mitad de la película. El cisne negro es la lujuria, la compulsión y la autodestrucción: la segunda mitad de la película. Y aquí es donde el largometraje empieza a perder fuerza, ya que la forma de representar esta dualidad es demasiado simple, demasiado maniquea, demasiado evidente, incluso en los colores (ropas blancas y rosas, maquillaje nude, para el cisne blanco, y ropas negras y ojos ahumados para el cisne negro) o en los símbolos (Nina se deshace de sus peluches y se va de fiesta, con alcohol y éxtasis incluidos. ¿Eso es liberarse?).

Aunque no he visto toda su filmografía, Darren Aronofsky  me parece un autor que sin duda tiene una imaginación fuera de lo común, pero a la hora de plasmarlo se deja llevar por el exceso en los recursos visuales y sonoros, con el riesgo de desdibujar su idea inicial, tal como ocurre con “Cisne negro”.

Pero al César lo que es del César: Natalie Portman está absolutamente increíble. Y merece la pena ver la película aunque sólo sea por ella.

Curiosamente, la famosa versión de Peter Jackson no fue el primer intento, ya que anteriormente fue producida en animación para la televisión, pero que duda cabe que Jackson y su equipo consiguieron un referente muy especial.

El anillo único lo diseñó Jens Hansen, un prestigioso diseñador de joyas neozelandés que murió antes del comienzo del rodaje y su trabajo lo continuó su hijo..., el resto de joyas son obra de Jasmine Watson. Pero los Hansen no fueron los únicos neozelandeses implicados: en las numerosas escenas de guerra se recurrió a las tropas del ejército neozelandés. Incluso colaboraron con la “construcción” de Hobbiton… Claro que este recurso no es nuevo, ya Anthony Mann en su versión de “El Cid” utilizó personal del ejército español para evitar perder el tiempo enseñando a extras inexpertos cómo desfilar de forma realista. Hablando de participación española, los dos caballos blancos que representan a Sombra gris (el caballo de Gandalf) son de raza andaluza.

En cuanto a los actores, quienes interpretaban a hobbits llegaban a las cinco de la mañana al plató, donde les esperaban dos horas y media de maquillaje. El más prolífico en anécdotas fue Viggo Mortensen, quien perdió un diente durante el rodaje de una escena de lucha, se fue al dentista en la pausa para comer, se lo arregló, y por la tarde estaba rodando de nuevo. Y hablando de rodar, se llegaron a filmar simultáneamente hasta cuatro escenas que nada tenían que ver entre sí, con cuatro equipos distintos y decorados diferentes.

Rodar las tres películas supuso un desembolso de 300 millones de dólares. ¿Más cifras? Se fabricaron 900 armaduras, 2.000 armas y se pegaron y despegaron 1.600 pares de orejas y pies de látex, todos hechos a medida. También a medida debían hacerse las ropas de los hobbies… y sus dobles! Porque para las escenas con hombres y elfos, se utilizaban niños para así mostrar la teórica diferencia de estatura. Por supuesto, hubo que reproducir estos trajes con todos los detalles, desde los ojales y los adornos hasta los desgarrones y las roturas.

Todo un espectáculo que obtuvo el esperado éxito. No en vano, cuando el trailer de la primera película estuvo disponible en Internet el 7 de abril del 2000, fue bajado 1.600.000 veces en las primeras 24 horas.

Por cierto, cuando terminaron de rodar las tres películas, Peter Jackson le regaló a Elijah Wood el anillo que llevó durante el rodaje. Un bonito detalle…

El título de este estupendo documental ‘Exit through the gift shop’ (‘Salida por la tienda de regalos’) ya es una declaración de principios. Hace referencia a que la mayoría de los museos están estructurados de tal forma que la única manera de abandonarlos es atravesando su tienda. Ya tenemos los dos bandos enfrentados antes incluso de que comience el film: arte versus capitalismo.

Banksy es un artista callejero especializado, desde hace años, en provocar la reflexión (política, económica, social) en el espectador, y su marca de la casa consiste en la perversión de lugares comunes y situaciones cotidianas.

Bansksy es un personaje muy sugerente también por su anonimato. Nadie sabe quién es. Nadie le ha visto el rostro. Últimamente ha vuelto a copar los medios por su creación de una “intro” de ‘Los Simpsons’…

Pero volvamos al documental (que, por cierto, está nominado a los Oscars de este año!):

Punto de partida: Thierry Guetta es un francés que va a todas partes con su videocámara. Lo graba absolutamente todo, sin un objetivo concreto, y descubre así el mundo de los artistas callejeros. Ahí es donde la cámara de Guetta nos permite conocer los métodos de guerrilla de Bansksy y alguna de sus acciones más logradas, como una megaexposición al borde de la clandestinidad en la que la estrella es un elefante pintado de rosa. A partir de esa exposición, Banksy se convierte en objeto de deseo de las casas de subastas de medio mundo, y lo que empezó en las calles de Londres como arte radical y de protesta, acaba tristemente colgado en casas de snobs adinerados.

Mientras tanto, Guetta intenta montar una película con todo el material rodado, pero ante su incapacidad, Bansksy toma su cámara y comienza a rodar una nueva secuencia: Guetta, decidido convertirse en un artista (El cazador cazado!) y su fulgurante ascensión en el absurdo y arbitrario mundo del arte contemporáneo.

Finalizada la película, todo son dudas. ¿Hay manera de escapar al mercantilismo del arte? ¿De quién habla Banksy, de Thierry Guetta o de sí mismo? ¿Existe realmente Thierry Guetta? ¿Existe realmente Banksy? ¿No será todo una enorme broma? Da igual. Hay que ver la película. Merece la pena. 

Blaxploitation fue un movimiento cinematográfico que tuvo lugar en Estados Unidos a principios de los años 1970 con la comunidad afro-americana como protagonista principal. La escena clásica del blaxploitation es la persecución de coches por la ciudad de Detroit con música funk de fondo.

Esta década dorada del cine afro-americano es el fruto de un crecimiento progresivo tanto del público como de los artistas de raza negra en Estados Unidos. Hasta los años 1950, las películas hechas por negros y para negros estaban relegadas a una especie de ghetto cinematográfico que recibió el nombre de race movies. Ya en los años 1950, la indústria permite a algunos actores negros alguna pequeña incursión en sus filmes, casi siempre en papeles secundarios. Uno de los actores más célebres de esta época fue Sidney Poitier.

Una década más tarde, los movimientos sociales de raza negra, capitaneados primero por los Black Power y a mediados de los 60’s por los Black Panthers, fueron generando un hervidero cultural que se convertiría en el caldo de cultivo de blaxploitation. Algunos novelistas de raza negra criticaron abiertamente los métodos violentos de estos grupos, parodiándolos e ironizando sobre ellos, de manera que por primera vez la cultura afro-americana se rebatía a sí misma.

En este contexto, en 1970 fue llevada al cine la novela “Cottom Comes” de Chester Himes, de la mano de Ossie Davis. Una historia ambientada en el Harlem, protagonizada por actores negros y con una banda sonora de funk-soul. Éste sería el embrión de la que sería la obra destinada a dar el pistoletazo de salida definitiva al género: “Shaft” (Gordon Parks, 1971) y que asentaba ya todas las características, que más tarde se convertirían en tópicos, del género. Aún así, en ella todavía no aperecía la que sería más adelante la musa absoluta del blaxpoitation, Pam Grier, la protagonista de Jackie Brown, una película de Tarantino...

Este es el vídeo que más expectación está causando en los últimos días en la red. Creado por unos estudiantes franceses -Denis Bouyer, Yann De Preval, Vincent E Sousa y Laurent Monneron- con mucho talento y buen humor, es un corto que mezcla 2D y 3D.

http://www.youtube.com/watch?v=_iEgMaamFDI

Y si os quedáis con ganas de más, probad este "Después de la lluvia", una nueva aventura animada desde Gobelins, trabajo de graduación de Charles-André Lefebvre, Manuel Tanon-Tchi, Louis Tardivier, Sébastien Vovau y Emmanuelle Walker.

http://www.youtube.com/watch?v=IZYNS3p-Scg

Espero que los reyes magos os traigan muchos regalos mañana! ;-)