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Planet 51
“Planet 51” es, a pesar de su nombre anglosajón, una película de animación española: la historia de un planeta alienígena poblado por seres verdes con antenas y ocho dedos. La calma en la que viven se deshace cuando ven aterrizar una curiosa nave con las siglas NASA estampadas en el fuselaje.
¿Existe realmente cine de animación en España? La respuesta inmediata parece ser que no. Los orígenes habían sido esperanzadores: Segundo de Chomón (a quién debemos la primera película en España, “Salida de misa en el Pilar de Zaragoza”, realizada a imitación de la “Salida de la fábrica” de los hermanos Lumière) realizó un par de cintas animadas de gran interés (“La casa de los duendes” y “El Hotel eléctrico”). En cambio, las generaciones posteriores a él no solían incluir en sus filmografías títulos de animación por muy diversos motivos.
Sin embargo, a finales de los noventa comenzó una “transición” animada que ha derivado en una cultura propia del cine de animación en España.
Independientemente de la técnica escogida, un denominador común de los largometrajes animados españoles es su temática clásica: Don Quijote de la Mancha (Cruz Delgado), Ahmed, príncipe de la Alambra (Juan Bautista Berasategi), El Cid (Filmax), Los Tres Reyes Magos (Animagic Studio), ElCano, la primera vuelta al mundo (Dubilitoon), Tristán e Isolda (Kinora) o Alí Baba (Manuel Rodjara).
Todas ellas, narraciones atemporales que logran las alabanzas de público adulto y crítica especializada. Pero no está tan claro que sean los títulos más solicitados por las nuevas generaciones de niños, a fin de cuentas principal fuente de ingresos de los animadores profesionales. Esto no quiere decir que la base narrativa de un cuento clásico no pueda resultar satisfactoria para una película de animación. Pero sí habrá que tener muy presente el punto de vista, el tratamiento y la forma con que se adapten.
De ahí la importancia de este nuevo largometraje, Planet 51, que está consiguiendo atraer la atención internacional hacia el sector de la animación español, que hierve con nuevas productoras para cine y televisión desde que El bosque encantado irrumpió en las taquillas en 2001 y revitalizó el interés por los dibujos animados.
The Three Littel Bops. Friz Freleng (1956)
Hoy tenemos un post peculiar: una genial versión de la Warner Bros sobre el cuento infantil“Los tres cerditos”, con música de Jazz de Shorty Rogers.
Aunque resulte paradójico, no podemos olvidar que los dibujos animados fueron el género de cine que mejor ha conectado con el jazz y más ha favorecido su difusión, desde que este estilo musical naciera en la década de 1920 en Nueva Orleáns.
El jazz cumplió un doble papel en los dibujos de la Disney, la Warner Bros o la Universal: en primer lugar, sirvió de fuente de inspiración para narrar historias y, de otro lado, fue el jazz quien proporcionó el ritmo interno a cada episodio animado.
En este sentido, debemos destacar la labor de los hermanos Fleischer, pioneros en recurrir al jazz no solo como acompañamiento de los dibujos, sino protagonista absoluto: primero escogían una canción (normalmente ya popular) y después armaban una historia a su alrededor. En algunos casos, incluso músicos como Ethel Merman, Rudy Valley, los Mills Brothers, y Louis Armstrong aparecieron en los dibujos producidos por los Fleischer.
Unas pequeñas obras de arte que hoy podemos rescatar gracias a Youtube. Aquí os dejo una lista (con sus correspondientes enlaces) de los más significativos. ¡Disfrutad!
- The Three Littel Bops
- http://www.youtube.com/watch?v=-gD_AbxUwZk
- All the Cats Join In (1946)
- http://www.youtube.com/watch?v=HzXIekb0WOI&feature=related
- King of Jazz (1930)
- http://www.youtube.com/watch?v=p9I8meUN3AU
- Music Land
Shaun the sheep
La oveja Shaun fue uno de los personajes secundarios surgidos del cortometraje de “Wallace and Gromit: un esquilado apurado”, la tercera entrega de esta saga realizada mediante animación stop-motion con figuras de plastilina.
Pero empecemos definiendo qué es la técnica stop-motion: El proceso de la animación en stop-motion es una tarea increíblemente minuciosa, ya que consiste en usar muñecos que se mueven con mucho cuidado, fotograma a fotograma, para obtener la ilusión de movimiento. Los muñecos son manipulados en incrementos de apenas medio milímetro. Cada postura es fotografiada como una toma, luego los animadores vuelven a mover los muñecos otro medio milímetro, y el proceso se repite una y otra vez. Un equipo puede trabajar 12 horas para conseguir un total de uno o dos segundos de metraje al final del día.
Debido al tremendo éxito de esta pizpireta oveja, sus creadores, Aardman Animations, decidieron convertirla en protagonista de sus propias aventuras. Así nació el spin-off “Shaun The Sheep”, una serie de televisión, dirigida por Christopher Sadler y producida por Nick Park y Peter Lord, que está ambientada en una granja y donde su mullida estrella comparte escenario con otros animales.
Gracias a YouTube podemos disfrutar de un montón de episodios de esta divertida oveja. Os recomiendo echarles un vistazo, porque son geniales, como todo lo que lleva el inconfundible sello de calidad de esta factoría británica.
La novia cadáver. Tim Burton, 2005
Hoy tenemos un Post "Especial Halloween"...
Europa, siglo XIX. El joven Victor (voz de Johnny Depp) es accidentalmente llevado al colorista y animado inframundo para casarse con una misteriosa Novia Cadáver (voz de Helena Bonham Carter), mientras que su verdadera novia, Victoria (voz de Emily Watson) espera en el mundo de los vivos. En la tierra de los muertos Victor aprende que no hay nada en este mundo, ni en el siguiente, que pueda separarle de su único y verdadero amor.
Es un cuento de optimismo, romance y una “otra vida” muy animada, contada con el clásico estilo Tim Burton. En "La Novia Cadáver”, historia basada en un antiguo cuento ruso, Burton colabora de nuevo con los guionistas John August, Pamela Pettler y Caroline Thompson.
Visualmente deliciosa, con unos planos muy cuidados y rebuscados a pesar de la dificultad que entraña su inclusión en una película de animación sin ordenadores, sino basada en la antigua técnica stop-motion (en la que modelos flexibles se mueven con mucho cuidado, fotograma a fotograma, para obtener la ilusión de movimiento).
La película “Pesadilla antes de Navidad” (1993) fue la primera incursión de Burton en el mundo de la animación en stop-motion. “Lo que me encanta de la animación en stop-motion es que es muy táctil”, dice Burton. “Hay algo maravilloso en el hecho de poder tocar y mover físicamente a los personajes, y ver que su mundo existe realmente. Es similar a hacer una película de acción real – si lo haces todo con una pantalla azul, no tienes la sensación de estar realmente ahí”.
Sin embargo, lo más importante de cualquier película animada sigue estando en la narrativa. Creo que ese curioso triángulo amoroso (Victor, Victoria y la cadavérica Emily) podría haberse desarrollado de forma más interesante, incluso en una película familiar. Por otro lado, el desarrollo del relato y su conclusión no deberían sorprender a nadie, mas hay que tener en cuenta que se trata de una simplicidad buscada. No obstante, existen determinados ingredientes que distinguen a esta película de otras producciones de parecidas características, gracias sobre todo a ese toque especial que Burton otorgarle a buena parte de su obra. Las pretensiones de "La Novia Cadáver” no son muy distintas de las que nos encontrábamos en "Pesadilla antes de Navidad”. Ambas películas son cuentos infantiles a los que el realizador les ha añadido algunos elementos ligeramente macabros.
Cabe hacer referencia por último a la espléndida banda sonora de Danny Elfman, en la que es su 12ª colaboración con Burton.
Pixar
El último y divertidísimo corto de Pixar! (enlace cortesía de Luis Mazarreno, de BC)
http://www.dailymotion.com/tycovka/video/x2jr81_lifted
Atención al post del martes que viene! Allí podréis enteraros de todas las novedades para la próxima temporada del blog, a partir de septiembre, con una sorpresa especial para los beceros!
La princesa Mononoke. Hayao Miyazaki, 1997
Con el fin de curar una herida provocada por un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarle del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre la lucha de los animales del bosque (capitaneados por una loba y su hija humana adoptada) contra los hombres, siempre prestos a destruir la naturaleza en aras de un progreso no siempre bien entendido.
En la pugna por mantener cada uno de los mundos, se sitúan un conjunto de personajes en lo que no hay ni buenos ni malos, sino toda la variedad de matices; Miyazaki mantiene la fe en el hombre sin dejar de criticarlo, reivindica el poder de la mujer, y plantea la batalla entre la naturaleza y el hombre de una forma elegante y con un sentido estético inigualable.
Podría decirse que La Princesa Mononoke es la representación perfecta del cine de Miyazaki: un canto a la paz y al respeto por la naturaleza, una aventura narrada con tremenda agilidad y una exquisita calidad en la animación.
El viaje de Chihiro, de Hayao Miyazaki, 2001
Y otra sorpresa... nueva vuelta de tuerca para hablar de una joya del cine de animación. El viaje de Chihiro no es sólo una película para niños, sino la culminación (por el momento) de una obra cinematográfica extraordinariamente sólida y de gran valor humanístico. Chihiro es una niña caprichosa y testaruda que cree que el universo entero debe someterse a sus deseos. Rumbo a su nueva casa, Chihiro y su familia toman un camino equivocado que les conducirá a un mundo habitado por dioses y seres mágicos, y dominado por la ambigua Yubaba. Tras ver como sus padres son transformados en animales por un encantamiento, Chihiro debe aprender a sobrevivir sola en ese mundo de extrañas reglas. Chihiro sale de su pereza habitual pero, para salvar a sus padres y salvarse a si misma, debe renunciar a su infancia, a sus recuerdos e incluso a su nombre.
El viaje de Chihiro guarda bastantes similitudes con "Mi vecino Totoro", otra película de Miyazaki, en lo que se refiere al argumento, como en su forma de abordar el proceso de cono-cimiento, madurez y adquisición de valores entre los jóvenes.
Podría decirse que la trama pasa por ser una versión muy libre de las aventuras de la Alicia de Lewis Carroll, adaptada al universo de mitos y leyendas asiáticas y unida a la desbordante imaginación Miyazaki. A destacar también los excelentes secundarios, un conjunto de personalidades bien construidas y definidas; un mundo en el que no hay ni buenos ni malos, nada mas (y nada menos) que personas.
A nivel formal, la película es un regalo para la vista, una fábula que cuenta con un excelente desarrollo del horror fantástico, recorriendo paisajes oníricos muy diversos y llenos de matices. El dibujo es de líneas cerradas extraordinariamente diáfanas, enmarcando colores puros. El tono narrativo podría equipararse a la lírica de otros dos grandes directores como son Kenji Mizoguchi y Jean Renoir.
Y es que Hayao Miyazaki, a quién se le otorgó el León de oro de Venecia por toda su carrera, podría ser el mejor director japonés desde la épica sublime de Akira Kurosawa...
cine de animación
Dando una vuelta por los foros de BookCrossing me he enterado de la existencia de este blog, de Idgie W. McGregor, sobre cine de animación:
http://empezardecero.bitacoras.com/Os lo recomiendo y mucho!. Es un blog muy currado, dónde aprenderéis mucho más de lo que yo podría aportaros en este campo tan específico del cine.
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