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Pier Paolo Pasolini (Bolonia, 1922-1975) destacó con rapidez en la escena política como miembro del partido comunista italiano, lo que le valió ser detenido por las tropas alemanas cuando ocuparon Italia durante la II Guerra Mundial, aunque en 1943 logró escapar del campo de prisioneros al que le habían enviado. Ya en 1950, se traslada a Roma, donde ingresa en su selecto mundillo literario, con diversas obras (poesía, ensayo, historia) influidas por el pensamiento marxista de Antonio Gramsci.

Los comienzos de Pasolini en el cine se producen con los títulos, “Accatone” (1961) y “Mamma Roma” (1962), obras neorrealistas, centradas en ambientes y personajes marginales, aquellos en los que Pasolini confía como protagonistas de una hipotética revolución. La sociedad italiana se erige en el centro del análisis y críticas del realizador en sus siguientes obras, “Teorema” (1968) y “La pocilga” (1969), mezcla de temas religiosos y profanos, una constante obsesiva en su obra y que aparece por primera vez en “El evangelio según san Mateo” (1964). También se atreve con adaptaciones de clásicos literarios, como “Medea” (1970), de Eurípides; “El Decamerón” (1971), de Giovanni Boccaccio; “Los cuentos de Canterbury” (1972), de Geoffrey Chaucer; “Edipo rey” (1967), de Sófocles, o “Las mil y una noches” (1974), sobre el clásico de la literatura árabe.  

Los ambientes degenerados, sucios, patéticos; los personajes feos, oscuros, faltos de valores morales y éticos llenan por completo su cine. Su última película, “Salò o los 120 días de Sodoma” (1975), expresa su pesimismo sobre la liberación sexual y social.

Pasolini fue asesinado en Ostia en 1975, en circunstancias no esclarecidas, barajándose como móviles del crimen los políticos.

Hoy hablaremos de uno de los mitos por excelencia de Hollywood. La actriz que sucumbió a su propia leyenda y se negó a envejecer delante de las cámaras.

Hoy día ya nadie se plantea si los guiones que le ofrecían podían sacar partido de su talento interpretativo o si los directores que trabajaron con ella fueron los más adecuados. Greta Garbo, “La Divina”, encarnó mejor que ninguna otra, la belleza, el misterio y el glamour del cine.

Nacida en Estocolmo en 1905, Greta Lovisa Gustafsson comenzó sus pinitos en la industria cinematográfica local haciendo anuncios y como extra en cortometrajes. Pronto el mejor director sueco del momento, Mauritz Stiller, se fijaría en ella y la convertiría en la protagonista femenina de su principal película, “La saga de Gösta Berling” (1924). El siguiente paso fue EEUU, donde triunfaría desde su primer film y se convertiría en una estrella, gracias a películas como “Anna Karenina” (de la que rodaría dos versiones: una muda y otra, años más tarde, hablada).

La década de los 30 supone su época de mayor esplendor, rodando una serie de filmes dramáticos en los que solía encarnar a mujeres misteriosas, de fuerte carácter y tormentoso pasado, como “Anna Christie”, “Mata Hari”, “la reina Cristina de Suecia” o “Margarita Gautier” (la adaptación de la novela de Dumas “La dama de las camelias”).

A pesar de su pequeña participación en ella, hemos de destacar “Grand Hotel”, una cinta dirigida por Edmund Goulding en 1932, pues por primera vez se utilizaba la formula de reunir a varias estrellas en la misma película a través de un argumento coral que permitiera el lucimiento de todas ellas.

Considerada el rostro más perfecto del celuloide, que William Daniels, su director de fotografía, sabía destacar gracias a una cuidada iluminación, Garbo tenía una voz profunda y ronca que se convertía en otra de sus señas de identidad una vez que los productores se atrevieron a hacerla hablar en pantalla. Dada su buena acogida, la comedia “Ninotchcka” (rodada en 1939 por Ernst Lubitsch), fue publicitada con un rotundo “¡Garbo ríe!”.

Ninotchcka fue su último gran triunfo. En la cúspide de su popularidad, con sólo 36 años, Garbo se retiró de la vida pública con la frase “Quiero estar sola”. Vivió el resto de su vida en Nueva York, pero evitando cualquier contacto con los medios. Fue nominada al Oscar como mejor actriz en varias ocasiones, aunque nunca lo consiguió, y cuando la Academia quiso otorgarle uno honorífico en 1954, ya era demasiado tarde: Garbo lo rechazó. Murió en 1990.

La carrera artística de este peculiar intelectual comenzó dentro del mundo poético pero pronto se le quedo pequeño, extendiendo sus ambiciones a otras artes.

Nació en 1889 y ya desde joven demostró su ductilidad para todo tipo de artes, manifestando en todas sus obras su peculiar visión de la vida y del amor. Fue poeta, novelista y dramaturgo de éxito. La vida cultural de París pasaba por sus manos. Pero hasta 1931 no hizo su entrada en el mundo del celuloide con ’La sangre de un poeta’ que se convirtió instantáneamente en una bandera del surrealismo. Pero su labor creativa como director de cine siempre fue para él algo secundario y por ello no tuvo un desarrolló constante en este campo.

Otra de sus grandes películas fue "La bella y la bestia", un largometraje de enorme influencia en el mundo artístico y que destaca, entre otros muchos detalles, por la original y onírica ambientación del castillo de la bestia.

Cocteau llevó la poesía a su obra maestra en el cine "El testamento de Orfeo", en realidad, la esencia del cine y de la vida del autor. Las pretensiones de su adolescencia se apagaron con ese humilde y hermoso deseo de plasmar la belleza en el arte con el torturado convencimiento por no poder lograrlo.

Como ya he hablado en diversas ocasiones de películas dirigidas por John Ford creo que es el momento oportuno para resumir los puntos esenciales de su obra y sus aportaciones al cine. 

Nacido en Maine (EEUU) de familia irlandesa, todas sus películas (unas 130) tienen una acusada personalidad, todas presentan unas pautas de unidad y coherencia que además sobrepasan los límites genéricos, son todas fragmentos de su propia forma de ver el mundo. 

Un hecho importante para Ford, ligado desde joven a la industria cinematográfica, fue conocer a Murnau, de quien aprendió recursos del cine de Weimar, como las luces contrastadas, las sombras profundas, el carácter pictórico de las imágenes, la coherencia entre el personaje y el entorno, etc. 

Características generales de la filmografía de John Ford: 

• los personajes empiezan siendo arquetipos pero a lo largo de la película irán evolucionando a través de las conversaciones y dotándose de aspectos menores que permiten individualizarlos y caracterizarlos.

• entorno siempre destacado

• tratamiento de la comunidad y de los ritos. Suele decirse que Ford es el producto de la cerrada minoría irlandesa, y refleja ese mundo de catolicismo, alegría...la familia y los rituales sirven de trama para sostener a los personajes y darles mayor veracidad. Por ejemplo es una constante que los vivos recuerden siempre a los muertos, de forma que su presencia es constante para el espectador.

• los héroes de Ford son más bien antihéroes, personajes marginados, fuera de la comunidad, dotados de cierta ambigüedad y sentido trágico, seres atormentados y obligados a respetar unos principios que no comparten, por lo que tienen una angustia moral de la que nunca llegarán a liberarse. Rara vez la película termina con un final feliz.

• formalmente sus películas son muy identificables. Composición basada en planos muy complejos, densos, muy difíciles técnicamente a pesar de que en principio se muestren como muy simples. A fines de los años 40 llega a un estilo más relajado, con un lenguaje muy fluido pero que apenas compartimenta los planos (de hecho en esta época usará mucho el plano secuencia)

• su lenguaje es una mezcla extraña entre lo cómico y lo trágico, obteniendo veracidad al tiempo que se gana al espectador y lo hace copartícipe al llegar los momentos emotivos.

Aqui os dejo la dirección de la web oficial de uno de los más grandes, mi adorado y nunca suficientemente ponderado Clint. La página por cierto es muy completita... no os perdáis la sección de fotos!

 http://www.clinteastwood.net/welcome.html

Dale Clint!

El director Ferrand comienza el rodaje de su nueva película, la última que será filmada en unos grandes estudios cuyos momentos de gloria se han quedado en el pasado. Envuelto en la nostalgia y la incertidumbre, Ferrand se ocupa de todos los aspectos del rodaje. A veces tiene la respuesta a los cientos de preguntas que se le hacen. Otras, las más, responde sin estar totalmente seguro de que sus indicaciones sean las correctas. Una joven estrella internacional, Julie, se incorpora al rodaje de la cinta. Ella es la protagonista junto con Alphonse, un joven actor cuya inseguridad se transmite al personaje que encarna. Junto a ellos, un grupo de estrellas del pasado, técnicos y personal de apoyo cumplen con el mágico ritual de llevar a la pantalla la historia de Pamela (el personaje que interpreta Julie).

En su película "La noche americana" Truffaut rinde un sentimental tributo a la fábrica de sueños que fue el cine industrial de los años dorados. Y en ese tributo nos una secuencia memorable que tal vez sea la que mejor resume todo ello: el niño (el propio Truffaut o, en realidad, cualquier cinéfilo) soñando que roba por las noches los carteles de un cine dónde se proyecta Ciudadano Kane...