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A Lalit Verma los preparativos de la boda concertada de su hija le lleva al borde de un ataque de nervios... y de la quiebra. El novio, ingeniero en Texas, vuelve a la India para conocer a la novia, quien a su vez está enamorada de un presentador de televisión. ¿Podrá convertirse la boda concertada en una boda de amor? Al tiempo que van llegando los familiares (repartidos por todo el mundo) se añaden nuevas narraciones y puntos de vista.

Los previos de este elegante enlace en Nueva Delhi sirven de excusa para mostrarnos los conflictos que se viven en la sociedad india entre generaciones partidarias de seguir las tradiciones y otras defensoras de la modernidad. ”La boda del monzón” es una buena forma de acercarse a un sector social y cultural de un país que empieza a descubrirse como una potencia en muchos aspectos. No en vano en la propia película se pueden entrever factores de desarrollo en campos como la industria cinematográfica, las telecomunicaciones, la informática...

La película tiene el valor de acercarnos a la imaginería de una India plural. La directora es licenciada en sociología,  por lo que es capaz de profundizar con acierto en las costumbres familiares y en sus caracteres, aunque en algún momento pueda resultar previsible en ciertos tópicos narrativos. Eso si, hay momentos de gran belleza e intensidad emocional. El tratamiento de la luz y del color es sencillamente magistral. Y por supuesto, destaca la música, elemento imprescindible del cine indio.

En resumen, una muy agradable comedia romántica a varias bandas, muy apropiada para el verano.

Parodiando al "Casablanca" de Humphrey Bogart, los hermanos Marx se enfrascan en una de sus surrealistas aventuras, aquí salvando un tesoro escondido en un hotel del que los nazis quieren apropiarse y donde ser nombrado director significa ser sentenciado a muerte.

Lo mejor, como siempre, el humor corrosivo de las frases de Groucho Marx, además de varios sketchs divertidísimos, como el del equipaje o el de la pista de baile (éste último, por cierto, un remake del camarote de “Una noche en la ópera”).

Humor delirante, absurdo, inteligente, pero que no está a la altura de sus obras maestras (“Sopa de Ganso”, “Un día en las carreras”, etc.); en parte debido a la situación personal de los Marx, que llevaban 5 años apartados del celuloide, y en parte a la escasa experiencia en el terreno de la comedia de su director. Para quien no sea, aún, fan de los Marx, recomendaría empezar por alguna otra de las películas anteriormente citadas.

C.R. MacNamara (James Cagney), representante de una multinacional de refrescos en Berlín Occidental, sueña con introducir el producto, uno de los más famosos del mundo capitalista, en la URSS. Sin embargo, cuando su jefe le encarga cuidar a su alocada hija adolescente durante unas vacaciones, MacNamara ve peligrar su vida y sus aspiraciones.

Basada en una comedia en un acto del húngaro Ferenc Molnar (1930), el film subyace por debajo esa acidez y ese humor corrosivo que caracterizaron a Wilder. El trasfondo es una visión de los dos mundos contrapuestos que iban a dividir el planeta en aquello que se llamó "telón de acero".

James Cagney sirve de maestro de ceremonias en una comedia trepidante y caústica, escoltado por un catálogo de personajes inolvidables. Capitalistas y comunistas en ua farsa punzante que se cose sin suturas a una historia de amor entre la encantadora y descerebrada Pamela Tiffin, y Otto, un joven comunista lleno de retórica e idealismo.

“Un, dos, tres” es un largometraje imprescindible, aunque hay que verla un par de veces por lo menos porque son tantos chistes y a tanta velocidad que no te da tiempo a asimilarlos todos.

Para quien guste de las curiosidades, un apunte: la película incluye citas cultas (Shakespeare), cinéfilas ("Lo que el viento se llevó", "Espartaco"...) y en la banda sonora, de André Previn, se incluyen fragmentos de la "Danza del sable" (Khachaturian), "Las Walkyrias" (Wagner), y del rock ("Itsy-Bitsy Teeny-Weeny").

Chicago, 1929. Un afamado periodista (Jack Lemmon) presenta su dimisión horas antes de cubrir la noticia de una polémica ejecución que tiene en vilo a la ciudad. Su jefe (Walter Matthau) recurrirá a todo tipo de artimañas para hacerle desistir de su idea y que acuda al importante acontecimiento.

Existen múltiples versiones, antiguas y recientes, sobre “The Front Page”, una célebre obra teatral de los años 20 de Ben Hecht y Charles MacArthur, magníficamente filmado también por Howard Hawks en “Luna Nueva” (1940). Sin embargo, el remake de Wilder es, sin duda, el más divertido de todos.

“Primera plana” es una aguda, alocada y mordaz sátira del ser humano y de sus bajezas. Los periodistas (cuyo código ético está por los suelos… todo vale con tal de vender llamativos titulares), los policías, el psicólogo (magnífica parodia del análisis freudiano), el sheriff, el alcalde... Ninguno duda en falsear la realidad para obtener beneficio, aun cuando la realidad sea que está en juego la vida de otro ser humano.

Para “diferenciar” su versión, Wilder optó por imbuir a los personajes de un carácter propio, cínico y sarcástico. Para lograrlo, alteró (mejoró) los diálogos, que se convierten en una arma arrojadiza para las brillantes interpretaciones de Matthau y Lemon, quizá la mejor pareja del cine cómico de la historia.

Una película que no da tiempo a tomar aire entre carcajadas, pero siempre de forma inteligente: hace uso de la farsa, el humor negro, el humor visual, el absurdo, el surrealista...

Inevitable volver a verla cada cierto tiempo

Jimmy Shannon, un agente de bolsa al borde de la bancarrota, ve la solución a sus problemas cuando un abogado le presenta el testamento de un rico pariente, a condición de estar casado a las 7 de la tarde de su 27 cumpleaños. ¡Y eso es… hoy!

Pocas cosas hay más subjetivas que la risa. Por eso únicamente puedo decir que “Siete ocasiones”, aunque no goce de la fama y el prestigio de “El maquinista de la General”, es una hilarante película. El secreto radica en que contiene todos los registros del humor de Keaton.

La película se estructura claramente en dos partes. En la primera, de un tempo reposado, asistimos a un humor sutil, hecho de pequeños gestos, que invita a la sonrisa. La segunda parte, en cambio, es quizás el fragmento cómico más frenético de su cine y nos lleva directamente a sus más delirantes cortometrajes, como “Cops”. Y lo mejor es que, a través de la risa y casi sin darnos cuenta, asistimos a una gran lección de puesta en escena y sentido del ritmo.

Por cierto, que la historia del soltero de oro ha sido versionada docenas de veces... para peor. Ojalá no se hubiera desvirtuado nunca el recuerdo de la película original.

Javier, un estudiante francés de económicas, decide pasar un año en Barcelona para aprender español. Se instala en una casa donde convive con otros estudiantes europeos quienes, como él, disfrutan de una beca Erasmus: un italiano, una inglesa, un danés, un belga y un alemán.

El título original de esta comedia es bastante significativo: “El albergue español”, una expresión francesa que hace referencia a un lugar acogedor en que cada persona trae algo y todo se comparte con los demás... lo que parece dar a entender que esta película es una metáfora, en clave de humor, sobre la construcción europea, además de tratar brevemente otros puntos como la integración cultural, los estereotipos nacionales, la arbitrariedad de los roles sexistas, los nacionalismos o la incertidumbre sobre el futuro laboral para los licenciados.

En cualquier caso, y para quien no tenga ganas de mirar más allá, se trata de una historia divertida, un caos multilingüe con el que cualquiera que haya sido Erasmus puede identificarse.

Él (Spencer Tracy) es un reportero especializado en deportes. Ella (Katharine Hepburn), una famosa periodista política que necesita que la recuerden los placeres simples de la vida.

“La mujer del año”, primera película que rodaron juntos estos dos grandes intérpretes (y comienzo de su larga relación amorosa), pretende ser una comedia de guerra de sexos entre un hombre y una mujer que se aman intensamente, pero sin renunciar cada uno a sus principios y forma de vivir

Aunque la historia es atrayente y divertida en muchos pasajes, el final resulta decepcionante. La temática resulta actual, ya que nos presenta una pareja en la que ambos trabajan y en la que, detalle a destacar, es la mujer tiene mayores éxitos profesionales. En un momento determinado, se plantea el dilema de si la esposa, al convertirse en tal, debe abandonar su carrera laboral en beneficio de la relación matrimonial y el cuidado de la casa. Una idea revolucionaria para la época, ya que el personaje de Tracy aboga porque la mujer sea capaz de compaginar ambas funciones en un equilibrio compensatorio. Sin embargo, Hepburn acabará atada a la cocina, mientras Tracy lee el periódico y bebe una cerveza…

Para Perre Brochant y sus amigos, el miércoles es el día de los idiotas. El principio es simple: cada uno debe llegar a la cena acompañado de un idiota. El que consiga llevar el idiota más espectacular de todos, es el ganador. Esta noche, Brochant está pletórico: ha encontrado una auténtica joya. Un idiota redomado. ¡El campeón mundial de los idiotas! Su nombre es François Pignon, un aburrido contable obsesionado con sus construcciones hechas a base de cerillas. Lo que Brochant desconoce es que Pignon es un auténtico gafe, un maestro en el arte de provocar catástrofes...

Estrenada casi en el anonimato, esta comedia “cruel” estuvo más de un año en cartel en las salas de cine, porque es un ejemplo de lo que deberían ser todas las comedias. Aporta un sentido del humor magnífico y que no insulta la inteligencia del espectador, y está poblada de innumerables gags antológicos (sobre todo los relacionados con el teléfono).

En cuanto al reparto, todos los actores están soberbios, aunque sin duda el mejor de todos es Jacques Villeret, quien realiza el mejor papel de su carrera. Y digo esto desde el convencimiento que no creo a nadie capaz de igualar la mezcla de estupidez y ternura que Villeret logra transmitir.

Si no te gusta el cine francés, esta puede ser una gran excepción. Porque...¿quién es el verdadero idiota?

Primera sorpresa del blog esta temporada! Ya sabéis que yo no suelo hablar de películas recientes y que los musicales tampoco son un género que me atraigan demasiado. Pero hoy haré una excepción con esta divertidísima (y tonta) comedia.

El argumento no podía ser más simple: Donna (Meryl Streep) es una madre soltera dueña de un modesto hotel en una paradisíaca isla griega. Su hija veinteañera se va a casar y, para descubrir quien es su padre, no se le ocurre mejor idea que invitar a los ex novios de su madre a la boda.

En realidad esta historia tan limitada es sólo una excusa para dar un repaso a la discografía del famoso grupo sueco ABBA. Como ha dicho un crítico del New York Times, “Se puede pasar un rato perfectamente agradable viendo esta animada adaptación del popular musical. Y luego, una vez que se te pasa la resaca, darte cuenta de lo mala que es”.

La película es mala por varias razones, entre ellas el ya mencionado guión absurdo y la inexperta dirección de Phyllida Lloyd (que se aprecia en el uso de la cámara y en el ritmo irregular de la narración). Sin embargo, ¡Mamma Mia! no aspira a ser una gran película, sino simplemente ofrecernos un rato de diversión. Y eso desde luego lo consigue. Porque además hay varios toques de autoparodia que a cualquier buen cinéfilo le gustará “cazar”.

En cuanto al reparto, las actuaciones son desiguales. La versátil Meryl Streep es sin duda la mejor, y además se ve que ha disfrutado haciendo la película. Julie Walters, Christine Baranski y Amanda Seyfried consiguen dar credibilidad a sus peculiares personajes. Eso si, Pierce Brosnan mejor que no hubiera cantado.

La propietaria de un hospital (Maureen O´Sullivan), se encuentra en una delicada situación financiera. Groucho Marx es el Dr. Z. Hackenbush, un veterinario que se hacer pasar médico para ayudarla a retener en el hospital a una hipocondríaca ricachona hasta convencerla para solucionar los problemas económicos. Pero como todo esto no es suficiente, deciden apostar a favor de su caballo.

Una de las mejores películas de los Marx, una comedia desenfrenada que exalta la generosidad, la constancia y la inocencia.

El guión intercala escenas musicales con las cómicas, marcando las necesarias pausas entre carcajada y carcajada. Son memorables las escenas de la contundente actuación al piano de Harpo, la conversación telefónica de Hugo y Whitmore, o el reconocimiento médico de la Sra. Upjohn (evocado por Buñuel en "El discreto encanto de la burguesía"). Y por supuesto, los diálogos contienen frases que se han hecho famosas, entre ellas la siguiente “perla” políticamente incorrecta: "Soy veterinario: cásate conmigo y nunca más miraré a otro animal".

Empezar una nueva vida siempre es difícil, pero empezarla teniendo que vivir en un 5º piso sin ascensor, con una claraboya que tiene un agujero, sin muebles, sin calefacción en pleno invierno neoyorquino y con una pareja que es todo lo contrario que tú, tiene que ser para volverse loco. Eso sí, si tú mujer es Jane Fonda y tienes un vecino como Charles Boyer todo se vuelve un poco más sencillo y divertido... 

”Descalzos por el parque” es una buena adaptación una obra teatral, bajo la acertada dirección de Saks, responsable, por cierto, de populares títulos de los años 60 como "La extraña pareja" o "Flor de cactus". Hoy en día ya es todo un clásico con escenas inolvidables, y una pareja de actores que enganchan a la perfección (de hecho, Robert Redford había interpretado ya este mismo papel en la obra original de Broadway de la mano del famoso dramaturgo Neil Simon). La presencia de secundarios de lujo como Charles Boyer y Mildred Natwick es absolutamente deliciosa. Una comedia romántica divertida y con mucho encanto.

Dos amigos, Miles (divorciado, profesor frustrado y novelista fracasado) y Jack (actor mediocre y casanova), inician el viaje de "despedida de soltero" de Jack. Entusiasta de los vinos, Miles quiere enseñar a su amigo la región californiana donde se cultiva un vino excelente. Amigos desde la universidad, la única cosa que parecen tener en común es la mezcla de ambiciones fallidas y juventud marchita. 

Lo que se inicia como una divertida road movie se convierte, gracias a unos diálogos deudores del pesimismo y la inseguridad típicos en Woody Allen, en un bello canto a la verdadera amistad, a las imperfecciones y a las segundas oportunidades. “Entre copas” asombra por su cercanía y empatía populares, acierta por la elección poco estelar de su reparto, saca humor y respuestas del perdedor que todos alguna vez hemos sido, y enaltece el espíritu, pues muestra que es posible la recuperación. Una historia bien contada, sin nada de efectismo. Sencilla y elegante. Sin retórica ni tragedias desmedidas. Tampoco abunda en ella lo admirable, ni la magia. No todos los diálogos sobre vino resultan naturales. Eso sí, la declaración de amor en clave enológica es, sin duda, la cumbre de la cinta.

Ganadora de 2 Globos de Oro, esta película de Alexander Payne está basada en la novela "Sideways" (2004), de Rex Pickett. Procedente del panorama independiente norteamericano, Payne fue rápidamente etiquetado como joven promesa. En 1999 puso el dedo en la llaga del sistema gracias a la ácida comedia “Election”, en la que unas elecciones de instituto empujaban a Reese Witherspoon y Mathew Broderick a desplegar todas las artimañas inimaginables para conseguir la victoria. Tres años más tarde, en “A propósito de Schmidt”, Payne ofrecería a Jack Nicholson una de las mejores interpretaciones de su carrera, un personaje desencantado y deprimido, pero entrañable, producto del seguimiento de las reglas establecidas por el conservadurismo tradicional latente en la América profunda.

Y la próxima semana, uno de los Duelos más esperados...

En uno de los primeros post de este blog (enero de 2006) hablé de la comedia durante el cine mudo o comedia slapstick; ahora veremos brevemente cómo evolucionó la comedia con la llegada del cine sonoro.

 Y es que en los años 30 la comedia adoptó formas muy originales que van desde la crítica bienintenciona de Frank Capra hasta el elaborado refinamiento cómico de Cukor o el humor ácido y corrosivo de los hermanos Marx.  La comedia supone una forma de evasión, un alejamiento de una realidad incómoda (el famoso crack bursátil de 1929 y la “gran depresión”). La nueva forma de hacer comedia a partir de estos años es lo que recibe el nombre de comedia americana, comedia de enredo o comedia screwball. 

Screwball hace referencia en el argot del béisbol a una pelota que toma una dirección inesperada y de diferente intención a la que se quería al lanzar. Luego el nombre se aplica a los locos y excéntricos individuos de este tipo de comedias. Su comportamiento, sobre todo el de las chicas, encaja con el término de comedia chiflada o comedia de enredo matrimonial. Comienza a gestarse en 1936 con el personaje de Carol Lombard en “Al servicio de las damas” dirigida por Gregory la Cava: un mayordomo, antes vagabundo, rescatado por una excéntrica y rica familia, resulta ser un rico hombre de negocios que, asqueado por esa vida, la abandona. 

Los personajes suelen basarse en arquetipos modernizados, generalmente heroínas pobres que enamoran a ricos, o a la inversa; equívocos de identidad o incluso usurpación. La pobreza es noble, el dinero no da la felicidad, es usado como recurso cómico. Lo novedoso es el tratamiento, más inteligente y sofisticado en los diálogos, actuación diferente permitiendo mayor libertad en el gesto y sobre todo una enorme velocidad en el desarrollo de los personajes. Suelen combinar locura y extravagancias, más violencia cómica de la comedia slapstick. 

Características generales: 

• diálogos enloquecidos, veloces, que se superponen
• amor loco pero en el fondo convencional (se busca el amor a través de la lucha de sexos y suele haber finales felices)
• guerra de sexos, señalando el ascenso social de la mujer y su mayor independencia hasta el punto de poder llevar el peso argumental
• personajes extremos: pobres o ricos
• siempre buen gusto, cierta sofisticación
• ambientes con situaciones absurdas y reacciones irracionales e infantiles.
• dinamismo del slapstick y recurso de gags visuales
• cierta vena de rebeldía pero se tiende a la gratificación del espectador.

El post de hoy va dedicado a David…

En el ciclismo de los años 70 Eddy Merckx era el rey, y tras él iban todos los demás. Entre estos últimos se encontraba Ghislain Lambert. Esta es la historia de la vida de un pequeño corredor belga con la única ambición de convertirse en campeón, pero con la desgracia de tener unas piernas mucho menos fuertes que su propio corazón.

Tierna historia del ciclismo narrada desde el punto de vista de un gregario, la bicicleta de Ghislain Lambert no es un cuento sobre un héroe deportivo, sino la historia de un hombre que persevera en su sueño. Para los iniciados en este deporte "La bicicleta de Gislan Lambert" no pasa de ser una película superficial y que te deja algo insatisfecho en lo que a imágenes de carreras se refiere, pues no retrata de modo convincente la dureza del ciclismo; para los que no conozcan demasiado el mundo de la bicicleta, la experiencia de este antihéroe que es Lambert les permitirá conocer algunos de los aspectos ocultos del ciclismo profesional.

La película se sitúa a medio camino, y de forma verosímil, entre el gag visual cercano al slapstick y el melodrama costumbrista, rodeándose para ello de un reparto perfectamente coordinado, desde su actor principal y co-guionista Benoît Poelvoorde (Charlot sobre ruedas que también aspira, no podía ser de otra forma, al amor de una joven), pasando por José García (aquí su hermano en la ficción), Emmanuel Quatra (su colega Ricardo), o la bella Babette a la que da vida Christel Cornil.

Antes de rodar la película, ni Harel ni Poelvoorde eran fans del ciclismo. Todo esto cambió cuando Harel vio a Poelvoorde vestido de ciclista en unas pruebas de vestuario para la película “Hikers”. Entonces comprendió que si algún día hiciera una película sobre ciclismo, ya tenía su estrella. Tras seguir desde dentro el Tour de Francia de 1998, ambos decidieron llevar a cabo el proyecto.Poelvoorde tenía la ventaja de ser de Bélgica, un país donde el ciclismo es pasión. Él mismo contribuyó con muchas de las ideas y toques humorísticos. Tras correr más de mil kilómetros como entrenamiento, Poelvoorde se vistió el mallot junto a profesionales contratados para las escenas de competición.

Algunos discutieron el premio al mejor guión que recibió en el Festival de San Sebastián del 2001… hay quien aún piensa, erróneamente, que la comedia es un género demasiado ligero para tomárselo en serio y demasiado cercano como creer que es sencillo de confeccionar. Pero la risa es un asunto muy serio…

Joanna, una joven de familia acomodada, vuelve de sus vacaciones con una sorpresa: se ha prometido con un hombre de raza negra (médico de gran prestigio internacional), al que sus padres conocerán esa noche en la cena. Aunque se tienen por liberales, los progenitores de la chica se muestran contrariados ante la noticia. La tensión crece cuando los padres del novio llegan a la ciudad para conocer a sus consuegros y se ven igual de sorprendidos y consternados como los padres de Joanna. 

El tratamiento ligero dado por el guión a un importante tema social fue muy atacado por los críticos, pero millones de espectadores acudieron a verla atraídos por el reparto. Probablemente por esa “ligereza”, por presentar el problema en una situación cercana y creíble, la película obtuvo tan amplia repercusión 

Esta fue la novena y última película que Spencer Tracy y Katharine Hepburn rodaron juntos. Tracy falleció días después de finalizar el rodaje; por eso Hepburn no asistió al estreno y jamás vio la película ya montada. Tracy y Hepburn están tan magníficamente compenetrados que se hacía difícil en la época  pensar que nunca más aparecerían juntos. El personaje de Joanna fue interpretado por Katharine Houghton, sobrina de Katharine Hepburn. Y Sydney Poitier, por su parte,  estuvo esplendido con una actuación, sofisticada y absolutamente persuasiva. 

La película fue nominada a nueve premios de la Academia, ganando el Oscar en las categorías de mejor actriz principal y mejor guión original.

Ninotchka (Greta Garbo) es una estricta funcionaria de la Rusia comunista enviada a París para investigar el trabajo de tres camaradas, tres delegados comerciales que han sido seducidos por las trampas del capitalismo. Allí conocerá al conde León d'Algout (Melvyn Douglas), un apuesto caballero que le enseñará... ¡a reír!  

Basada en un musical de Broadway titulado "Silk Stockings", la película fue publicitada con el eslogan "Garbo ríe" (Garbo Laughs!), ya que hasta el momento Garbo se había visto encasillada en papeles dramáticos. 

La película desarrolla una elegante y divertida crítica del comunismo y, sobre todo, de la dictadura stalinista, presentado como un régimen frío y amenazador, frente a la libertad, alegría y diversión del sistema occidental. Visión maniquea, si, pero la película es, ante todo, un estudio apasionado del ser humano, que no puede adaptase a la rigidez ideológica porque está hecho para la alegría, la amistad y el amor. 

Todo en esta película es soberbio: una escala de grises de extraordinaria riqueza; los diálogos, brillantes (no en vano, en el guión participó Billy Wilder). Las interpretaciones son todas ellas muy buenas (el trío de agentes bolcheviques “aburguesados” aporta uno de los motivos principales de humor), pero la mejor es Greta Garbo, magnífica en su papel de mujer que descubre de repente su condición humana. Y todo ello aderezado con la elegancia del "toque Lubitsch".

Algunas escenas ya forman parte de la historia del cine: ¡La comilona de los bolcheviques, que no se muestra sino desde fuera de la suite! ¡La escena de la farola, en medio del tráfico, en la que se conocen-desconocen los protagonistas! ¡Los movimientos de cámara dentro de la suite real! Para no perdérsela…

Manhattan fue filmada por Woody Allen en blanco y negro como una declaración de amor a su idolatrada ciudad de Nueva York.

El origen de la película fue una cena entre Woody Allen y Gordon Willis, director de fotografía, cuando comenzaron a hablar sobre hacer una película acerca de la ciudad que tanto amaban y de experimentar sobre el blanco y negro. El resultado? Mejor en palabras del propio Woody Allen:

“Siento verdadera pasión y una gran devoción hacia la ciudad de Nueva York y creo que en la película se la ve de la forma más hermosa que se ha visto nunca en el cine. Cuidamos mucho la fotografía y creo que es realmente impresionante”.

La película nos ha dejado algunas de las imágenes más célebres y bonitas del cine, como esa pareja de enamorados (Woody Allen y Diane Keaton) sentados en un banco frente al puente de Brooklyn, mirando anochecer... Y como pretexto para ello, Manhattan cuenta los vaivenes sentimentales de dos parejas, de los caprichos e incoherencias del amor.

Más que recomendable.

Después del enfado provocado por los premios Goya (véase el post del lunes), creo que sería bueno relajar el ambiente con una comedia...

Walter Eckland (Cary Grant) es un norteamericano solitario, bebedor y solterón empedernido que vive tranquilamente en una paradisíaca isla de los mares del sur, ajeno al devenir de la II Guerra Mundial, hasta que se ve obligado a colaborar con el ejército británico. Lo que no sabía es que también tendría que enfrentarse a siete niñas y su bella institutriz francesa (Leslie Caron). 

Basada en un relato de H. S. Barnett, esta divertida comedia fue un éxito de taquilla. La película muestra la fragilidad y la inviabilidad de posturas individualistas, egoístas y antisociales en los casos de conflictos generales; es decir, responde al famoso axioma de que el hombre es un ser social por naturaleza. 

Dos músicos sin trabajo son testigos, por casualidad, de la célebre matanza entre gánsters el día de San Valentín. Ambos deben huir para evitar que la mafia “les silencie” y la única oportunidad que se les presenta es unirse a una banda femenina... para lo cual deberán disfrazarse de mujeres!  

No fue fácil para Billy Wilder convencer a la productora que gánsters y comedia puede ser una mezcla rentable. Pero lo consiguió. Y el resultado fue una de las mejores comedias de todos los tiempos. 

A pesar de las dificultades con Marilyn Monroe, que, perdida en su adicción al alcohol y las drogas, no era capaz de recordar sus frases (se necesitaron más de 40 tomas para que consiguiera decir correctamente algo tan sencillo como “Dónde está el bourbon?”), el trío protagonista alcanza una altura insuperable.

¿Qué decir de Jack Lemmon? A él le corresponden los momentos más cómicos de esta película, con la que inició su fecunda relación con Wilder,. Está espléndido en la relación que mantiene con Joe E. Brown, ese ingenuo y encantador millonario; pero también cuando vive el sueño de cualquier hombre, verse rodeado de bellas mujeres, como una pesadilla (¿quién no se ha reído con la escena en la que Lemmon, tumbado sobre su litera del tren y rodeado de chicas en ropa interior, se repite a si mismo una y otra vez: “Soy una chica, soy una chica...”?).  Lemmon y Curtis interpretan a dos víctimas involuntarias no sólo el universo femenino, sino también el proceder del hombre frente a éste. 

Delirante de principio a fin, Con faldas y a lo loco tiene unos excelentes diálogos que en su época fueron poco menos que escandalosos. La película posee un ritmo endiablado, que provoca continuas carcajadas del espectador; de hecho Wilder dotó al guión de “descansos” para que las carcajadas no impidiesen seguir el hilo de los diálogos. Por ejemplo, cuando Jack Lemmon anuncia, exultante y sin parar de tocar unas maracas, que se ha prometido con Oswood. 

Y es que... nadie es perfecto! ;-)

Nace en Judea, en un pesebre, casi al mismo tiempo que Jesucristo. Tres Reyes Magos, confundidos, creen que éste niño es el Mesías prometido, pero muy pronto queda evidente que, en realidad, el recién nacido es sencillamente... Brian 

Que nadie se confunda, La vida de Brian no es una amalgama de escenas absurdas para provocar la carcajada fácil, sino una brillante sátira, llena de un humor sarcástico e inteligente, y en la que es difícil decidir qué parte es mejor: sus  agudos diálogos o sus gags visuales. La sátira de paralelismo con la vida de Cristo les costó las correspondientes protestas y escándalo por la supuesta blasfemia, pero en realidad esta película no es un ataque contra la religión católica… sino contra lo absurdo de todas las religiones!  

Obra cumbre de los geniales Monty Python, está llena de secuencias memorables que la catalogan como una de las mejores parodias de la historia del cine, porque... “Aparte del alcantarillado, la sanidad, la enseñanza, el vino, el orden público, la irrigación, las carreteras y los baños públicos, ¿qué han hecho los romanos por nosotros?” Todo un genial sarcasmo sobre la necedad humana. 

“Always look at the brigth side of life”

Harry Hinkle (Jack Lemmon) es un cámara de una cadena de TV norteamericana que resulta noqueado accidentalmente por un futbolista durante un partido que estaba retransmitiendo a pie de campo. Su cuñado Willie Gingrich (Walter Matthau), un abogado de pocos escrúpulos, le persuade para fingir mayores daños a causa del golpe de los que realmente sufre, y así cobrar un buen seguro. Harry, que en un principio es remiso, acepta cuando su convalecencia en el hospital le hace recobrar esperanzas de retomar la relación sentimental con su ex-esposa. 

En bandeja de plata (The fortune cookie) es una genial muestra de picaresca, interpretada por los dos pícaros más entrañables del celuloide.

El gran Billy Wilder despliega todo su talento en una película tan agresiva como divertida, una inolvidable muestra de la capacidad del cineasta vienés para husmear en los entresijos de la realidad y desmenuzar sus miserias. Wilder envuelve al espectador en una delirante sucesión de secuencias que atacan a la doble moral americana y su culto al triunfo, y elabora una feroz crítica al individualismo.

En el París de los años 30, una joven cantante llamada Victoria, arruinada y sin perspectivas de trabajo, decide darse un gran banquete para después irse sin pagar del restaurante. Allí conoce a Toddy, un homosexual que le ofrece hospitalidad y que tiene la brillante idea de convertir a la artista en “Víctor”, un supuesto aristócrata travesti. Con este engaño, Victoria – Victor obtendrá un enorme éxito en los cabarets parisinos y provocará un dilema moral a un acaudalado norteamericano.  

Película de enredo que disfruta con unas buenas interpretaciones entre las que cabe destacar la del "secundario" Robert Preston. La mordacidad de los diálogos y un guión inteligente bien ejecutado por Edwards ya eran de por si una buena base. La música acaba de vestir la película y la deja a punto para disfrutar...

Vale la pena verla.

En este largometraje, el genial Buster Keaton hace una parodia de "Intolerancia", la película de D.W. Griffith recientemente comentada en este blog, al tiempo que muestra sus dotes dramáticas y cómicas mientras compite con Wallace Beery por conseguir el amor de Margaret Leahy en tres épocas diferentes: la prehistoria, la antigua Roma y la (entonces) edad moderna: los dorados años veinte. 

En todas ellas el planteamiento es el mismo: el triunfo del amor y del ingenio de Buster Keaton sobre la brutalidad, el poder y el dinero respectivamente. El inicial acercamiento a la prehistoria es engañoso, pues es la edad menos inspirada (aunque hay gags destacados, como la escena en la que Keaton juega al golf con el garrote). Sin embargo, se recuerdan mucho más los anacronismos cómicos de la edad romana (la manicura al león; la carrera cuadriga contra trineo; y todos esos paralelismos entre objetos modernos y romanos: reloj de pulsera que es de sol, la cuadriga con matrícula, etc.) y de la moderna. 

Como ocurrió con “Intolerancia”, el propósito de “Las tres edades” era demostrar que a lo largo de la historia de la humanidad solo hay una cosa que no cambia, el amor, pero también incluye agudas observaciones sobre los nuevos tiempos, algunas de las cuales pueden ser aplicadas a nuestro mundo actual. 

Si bien en algunos momentos los gags visuales pueden parecer “aislados” del guión, es una película para no perdérsela.

La más representativa entre las "screwball comedies" y, seguramente, la mejor. Es disparatada, trepidante y enloquecida, pero sobre todo es divertida.  

David Huxley es un paleontólogo tímido y despistado que está a punto de acabar la laboriosa reconstrucción del esqueleto de un brontosaurio, y que también está a punto de casarse con su anodina secretaria. Todo se tuerce cuando conoce a Susan Vance, una joven adinerada y caprichosa que hará lo posible para que no culmine ninguno de sus dos proyectos. A partir de este momento, Susan se dedicará a manipular a Huxley con su particular estilo, e incluso le embauca para cuidar a un joven leopardo llamado "baby".

Con un desternillante guión de equívocos y vueltas de tuerca que rozan el surrealismo, La fiera de mi niña (Bringing up baby) logra transformar las situaciones más cotidianas en un complicado y divertido juego de sentimientos, culminando de la manera más entrañable posible. Además de contener diálogos inolvidables de un humor mordaz e inteligente, lanzados a una velocidad demoledora, las actuaciones son todas magníficas, destacando la maravillosa Katharine Hepburn, ganadora indiscutible de esta particular "guerra de sexos".  

Howard Hawks demuestra una vez más que era un maestro en cualquier género que tocara.

Una mujer vuelve de una pequeñas vacaciones en una estación de esquí dispuesta a pedir el divorcio a su marido, pero cuando llega a París se encuentra con que éste ha sido asesinado. Las sospechas, según la embajada americana, recaen en 3 hombres que buscan un dinero que aparentemente tenía su esposo, pero que en realidad pertenece al gobierno de los Estados Unidos. El problema es que la inocente y frágil Reggie (Autrey Hepburn) no sabe nada de ese dinero ni de la verdadera identidad de quién dice protegerla... 

Charada es una comedia de intriga (si, son planteamientos compatibles y muy fértiles) desarrollada en refinados ambientes. Stanley Donen realiza una especie de homenaje al maestro Alfred Hitchcock (incluso utilizando a uno de sus actores fetiche: Cary Grant), pero llega más allá en cuanto al humor que destila su película.

Además, como si todo lo anterior fuera poco, el reparto es de lujo: Autrey Hepburn, Cary Grant, James Coburn, Walter Matthau y George Kennedy, desplegando todo su talento...

La República Democrática de Freedonia, un pequeño país centroeuropeo, a cuyo frente se encuentra el muy liberal señor Rufus T. Firefly, se ve amenazada por la dictadura de Sylvania, país limítrofe de vieja y reconocida solvencia. Dos espías de prestigio, Chicolini y Pinky, sirven a Sylvania, lo que no impide que acaben siendo ministros de Firefly. 

Groucho dirige la república más desternillante de la historia del cine en la mejor comedia de los hermanos Marx, lo cual es sinónimo de humor delirante y surrealista... aunque curiosamente la película no tuvo el éxito esperado cuando se estrenó. 

El humor se basa en la incoherencia de los personajes (nunca se pueden predecir sus reacciones...), la caracterización de los protagonistas, las situaciones absurdas, los excelentes gags visuales y, sobre todo, auténticas joyas verbales: 

"No permitiré injusticias ni juego sucio, pero si se pilla a alguien practicando la corrupción sin que yo reciba una comisión, le pondremos contra la pared y daremos órdenes de disparar" 

Contiene parodias sorprendentes: la de los musicales de la época y las imitaciones de Paul Revere (héroe de la Independencia norteamericana), Lee, Grant y otros. Son sobresalientes las escenas del juego de sombreros, el puesto de venta de limonada (un crescendo de irritación), el espejo inexistente, la fiesta de bienvenida del presidente, la alegría de los diputados tras la declaración de guerra y la famosísima batalla final.  

El humor corrosivo y demoledor de los Marx ridiculiza la figura del tirano, el régimen dictatorial y la guerra, explicando con maestría y buen humor que lo absurdo no está en la película, sino en la realidad.

El invento creó escuela y sobrevivió a sus creadores. Tras la disolución de los Marx, en 1942, Groucho, que siempre había soñado con ser escritor, publicó cinco libros y trabajó en la radio, medio que había probado con éxito en los años 30 dando vida a un deslenguado y caótico abogado, Mr. Beagle.

Mack Sennet logró crear la escuela cómica más fructífera del cine americano: en tan 2 años rueda más de 100 películas... y era sólo el comienzo!

Principales características del cine de Mack Sennet:

No se me ocurre mejor forma de comenzar mi blog que hablando de uno de mis actores/directores favoritos: Buster Keaton. Sencillamente, el mejor creador cinematográfico de la época del cine mudo, aunque durante mucho tiempo se ha visto relegado injustamente a un segundo plano por la fama de Chaplin (si, Chaplin es bueno, de acuerdo, pero Buster es mejor!); por suerte este panorama esta cambiando y se está devolviendo a Buster los reconocimientos que se merece, entre ellos, la edición en dvd de muchas de sus películas (tiene una filmografía impresionante) para que todos podamos disfrutarlas.

¿Cuáles son los méritos y características de Buster Keaton? A continuación expondré los principales puntos:

En esencia, la comicidad de Buster Keaton se basa en su impasible sobriedad y en la sucesión de gags perfectamente elaborados y sintonizados. Formado en el mundo de las variedades, sus padres tenían un espectáculo de music-hall al que rápidamente se unió Buster Keaton, que hacía de “estropajo humano” (buster) con gran éxito. Evidentemente sus padres tuvieron que hacer frente a varias denuncias por malos tratos al niño pero nunca cancelaron su espectáculo “los 3 Keaton”. De esta forma, desarrolló una gran habilidad acrobática y un total control sobre sus expresiones y emociones. Al crecer, pasó al cine, asociándose a Fatty (Roscoe) Arbuckle, un famoso actor de comedias formado en la Keystone.