Lester Burnham (Kevin Spacey), un cuarentón en crisis, cansado de su trabajo y de su matrimonio, despierta de su letargo cuando conoce a una amiga de su hija, a la que intentará impresionar a toda costa.

Pero la película es mucho más, es una irónica y mordaz reflexión sobre los sueños y aspiraciones de la clase media americana, una crítica ácida al “sueño americano”. Todo en esta película es perfectamente imperfecto. Y precisamente ahí radica su novedad y su frescura. Esta película resume algo que en las vidas de hoy en día es más que una realidad en la vida de muchas familias: la hipocresía de las relaciones entre sus miembros.

El guión de Alan Ball nos impacta desde el comienzo con la voz en off del protagonista (“Tengo 42 años. En menos de un año estaré muerto. Por supuesto, yo todavía no lo sé, pero en cierto modo yo ya estoy muerto”). Luego, la secuencia de presentación del barrio y de la casa: American Beauty transforma al espectador en un voayeur, al tiempo que nos lleva a formar parte de la familia.

Unas actuaciones brillantes; un guión único, lleno de simbologías, que funciona perfectamente tanto como comedia o como drama; una buena banda sonora, y unas cuantas escenas que ya son parte de la iconografía del cine actual.

Pero American Beauty también presenta un mensaje de oportunidad, de cambio, de volver a empezar desde cero.  En ese sentido, el final me recuerda un poco al de Manhattan, de Woody Allen: al final Woody cita cosas y personas para que la vida valga la pena. Y aquí, Lester también cita cosas hermosas, para que veamos que la vida es maravillosa si se sabe vivir bien.

“Hay tanta belleza en el mundo, no hay razón para tener miedo de nada…”

La propietaria de un hospital (Maureen O´Sullivan), se encuentra en una delicada situación financiera. Groucho Marx es el Dr. Z. Hackenbush, un veterinario que se hacer pasar médico para ayudarla a retener en el hospital a una hipocondríaca ricachona hasta convencerla para solucionar los problemas económicos. Pero como todo esto no es suficiente, deciden apostar a favor de su caballo.

Una de las mejores películas de los Marx, una comedia desenfrenada que exalta la generosidad, la constancia y la inocencia.

El guión intercala escenas musicales con las cómicas, marcando las necesarias pausas entre carcajada y carcajada. Son memorables las escenas de la contundente actuación al piano de Harpo, la conversación telefónica de Hugo y Whitmore, o el reconocimiento médico de la Sra. Upjohn (evocado por Buñuel en "El discreto encanto de la burguesía"). Y por supuesto, los diálogos contienen frases que se han hecho famosas, entre ellas la siguiente “perla” políticamente incorrecta: "Soy veterinario: cásate conmigo y nunca más miraré a otro animal".

Japón, siglo XII. Para recompensar al valiente samurai Moritoh, su señor le da la posibilidad de escoger aquello que más desee. El joven samurai quiere casarse con la bella Kesa... pero Kesa ya está casada. Moritoh intentará en vano persuadirla para que abandone a su marido.

Sin duda, la mejor interpretación es la de Machiko Kyo, auténtica estrella en Japón, que deslumbra por su impecable Kesa.  Moritoh (interpretado por Kazuo Hasegawa) resulta un personaje demasiado ingenuo, demasiado obstinado; es sólo al final, cuando se desata el drama, cuando el actor consigue imprimir auténtico carácter a su samurai.

Una historia de pasión y poder, filmada en color y en formato panorámico con una estética muy particular para el momento, que fue galardonada con 2 Oscar de Hollywood y el Gran premio del Festival de Cannes.

Bajo este título podremos ver en unos meses, una producción épica ambientada en la fascinante época de Carlomagno. El proyecto reconstruye las batallas que tuvieron lugar después de que este carismático personaje fuera coronado emperador, en el año 800.

Aunque la época de Carlomagno no suele ser fuente de inspiración en el cine, la mayor novedad está en el director de esta película: Raoul Ruiz, un chileno establecido en Francia que suele dirigir dramas intimistas como “Genealogía de un crimen”, por lo que a priori resulta sorprendente su vinculación a un film de carácter bélico. Aunque también es el responsable de otras películas históricas como “El tiempo recobrado”, biopic del escritor Marcel Proust, o la fantástica Klimt, estrenada en 2006 y basada en la vida del célebre pintor austriaco Gustav Klimt, interpretado por John Malkovich.

 La nueva película (que en español parece ser que recibirá el título de “Amor en tiempos de Carlomagno”) tiene a su favor un reparto prometedor. Stephen Dillane (a quien ya vimos en “Las horas” o “El rey Arturo”) encarnará a Carlomagno, mientras que John Malkovich y Michael Madsen serán guerreros bárbaros. El personaje principal será Damian Lewis, un caballero de la corte de Carlomagno que se enamora de una joven doncella (Virginie Ledoyen). También habrá un pequeño papel para el veterano Peter O’Toole.

 “Es un placer trabajar con un reparto así, aunque también es un orgullo para mí poder decir que cuento con un equipo que está poniendo una gran pasión en el diseño de trajes y decorados, y en la música”, explica el propio director.

 El estreno está previsto para finales de año… no nos lo podemos perder! Podéis consultar la ficha de Carlomagno en la web de artehistoria.

Esta “película” fue una de las primeras secuencias rodadas por Edison. La cinta apenas duraba 19 segundos, pues no tenía siquiera argumento: se limitaba a mostrar una imagen del actor Fred Ott estornudando ruidosamente.

Ya habíamos visto las escasas aportaciones de Edison al cine, que se habían limitado más a sus aspectos comerciales que creativos. Entre esas aportaciones se encontraba el Black Mary. “Black Mary” era el sobrenombre del furgón que usaba la policía de Nueva York en aquellos tiempos para trasladar presos, ya que era de color negro. Edison llamó así al lugar donde realizaba sus películas: consistía en una pequeña habitación, protegida del exterior por láminas empapadas con brea (excepto en el techo, por donde entraba la luz). Dentro estaba una cámara sujeta a una guía (que dejaba acercar o alejar la cámara sólo en línea recta). Así pues, el Black Mary fue el primer estudio de cine, la primera prefiguración del plató insonorizado.

Per este "estudio de grabación" tenía un importante rival: las películas de mayor éxito por aquel entonces eran las que incorporaban imágenes de exteriores, al estilo de los Hermanos Lumière...

Hoy tenemos una película sorpresa en el blog... ;-)

Pete Aron, piloto de Fórmula 1, es expulsado de su equipo (Jordan-BRM) después de provocar un accidente en Mónaco en el que resulta herido su compañero, el británico Scott Stoddard. Mientras éste lucha por recuperarse, Aron empieza a competir con la escudería japonesa Yamura en un apretado final de temporada.

La película es en realidad un buen documental de Fórmula 1. Más de la mitad de esta larga película son imágenes de carreras, lo cual, por otra parte, es lo mejor que puede suceder porque la excusa argumental (un par de relaciones sentimentales con infidelidades incluidas y final agridulce) es más bien aburrida y superficial, y con muy poca tensión en los diálogos.

Todas las imágenes de las carreras son muy buenas y están bien rodadas, con cámaras situadas en diferentes puntos (por supuesto, también sobre los propios coches), hábil manejo del plano-contraplano, ralentizaciones, buen uso del sonido y la música, además de la división de la pantalla en varias zonas (recurso muy llamativo pero que no era nuevo: ya lo había utilizado, y de forma más inteligente, Abel Gance al rodar su “Napoleón” en 1920).  

La película da detalles precisos de cómo era la F1 en aquel momento, enseña los detalles de la conducción, ya que participaron pilotos profesionales (Fangio, Hill,...), muestra los entresijos de este “espéctaculo”, la tensión empresarial, etc. Además, hace un recorrido por los circuitos más famosos: Nurbürgring, Clermont-Ferran, Monza y, por supuesto, Mónaco.

Ganadora de 3 Oscar (montaje, sonido, efectos de sonido), Grand Prix es una de las pocas películas referentes al mundo del automovilismo F1 y profundiza más en el mundo de la alta competición que el también famoso filme sobre Le Mans. En fin, obligada para aficionados a la gasolina, que podrán comprobar los grandes avances a los que se ha llegado en esta disciplina.

La Peste Negra asola Europa. El caballero sueco Antonius Blovk y su leal escudero regresan a su país, tras diez años de inútiles combates en las Cruzadas por Tierra Santa. Vuelve como un hombre atormentado y lleno de dudas, y la Muerte se presenta reclamándolo. Con la esperanza de ganar tiempo para encontrar algo que consiga dar sentido a su vida, el caballero reta a la Muerte a una partida de ajedrez.

Basada en su propia obra de teatro "Trämalning" ("Pintura en madera"), Bergman realizó con “El séptimo sello” una de las obras cumbres del cine, y la que es probablemente la mayor reflexión cinematográfica acerca de la vida, la muerte, la superstición y la religión.

Bergman enfrenta a sus personajes (sus alter ego) cara a cara con la muerte (una de sus obsesiones personales), de una manera profunda e implacable, hasta tal punto que cada uno de estos personajes son además reflejo de las diferentes maneras de afrontar la muerte: desde el miedo que empuja a Antonius (inconmensurable Max Von Sydow) a encomendarse a un Dios que su razón le dicta que no existe, a la frialdad de un escudero (no menos genial Gunnar Bjornstrand) consciente de que le espera el vacío, pasando por la sencilla candidez de la pareja de juglares, que ya no esperan más pues tienen todo lo que de verdad necesitan.

La iconografía que emplea el director sueco en esta película está tomada de los diferentes retablos y pinturas medievales que Bergman conoció de niño, mientras acompañaba a su padre (pastor luterano) a predicar en distintos lugares. La iconografía incluye juglares, brujas, flagelantes, cruzados, frailes, pesebres, ángeles y, por supuesto, las danzas de la Muerte. A este respecto, debe destacarse la escena en la que el escudero charla con un artista mientras éste pinta un mural en una pequeña iglesia.

Un hombre en busca de respuestas y un final que invita a la reflexión y el regocijo por estar vivos hoy... pues mañana ¿quién sabe?

Clint Eastwood dirigirá y protagonizará una nueva película titulada “Gran Torino”.

No han trascendido apenas detalles del filme, es más, ni si quiera se sabe a ciencia cierta su argumento, pero se especula sobre la posibilidad de que sea una nueva entrega de Harry el sucio, algo así como lo que sigue: un asesino que conduce un Ford Torino del 72 asesina a dos policías que intentaban detenerle. Uno de ellos era el nieto de Harry Callahan, quien abandonará su tranquila jubilación para vengarle.

Si dicho rumor es cierto, estaríamos hablando de la auténtica despedida de uno de los personajes más memorables de la filmografía de Eastwood. En estos tiempos en los que Rocky Balboa, Indiana Jones y otros tantos vuelven con fuerza, no es extraño que Harry Callahan regrese para repartir justicia, aunque, tratándose del gran Eastwood, es más que probable que nos encontremos con algo muy diferente a las violentas secuelas dirigidas por Don Siegel.

En cualquier caso, 2008 será un gran año, porque contaremos con los estrenos de dos obras de Clint: “The Changeling”, thriller ambientado en los años 20 y protagonizado por Angelina Jolie (y cuyo estreno se espera para Noviembre) y este “Gran Torino” (previsto para Diciembre).

Por otro lado, Eastwood sigue con su inteligente táctica de hacer una película más comercial y taquillera (“Gran Torino”) entre dos proyectos personales: “The Changeling” y “The Human Factor”, película esta última sobre Nelson Mandela que protagonizarían Morgan Freeman y Matt Damon y cuyo rodaje comenzaría en 2009.

Como siempre, Eastwood me ha alegrado el día. Y hoy, más que nunca, lo necesitaba. Gracias, Clint.

“Grupo salvaje” es la historia de un grupo de veteranos atracadores de bancos, ven acorralados entre unos cazadores de recompensas, los insurgentes de Pancho Villa y el ejército mexicano; la historia de una banda de forajidos condenados al fracaso desde el principio y resignados a enfrentarse con dignidad a su destino.

“Grupo salvaje” es un film violento, amargo y desencantado, en el que los límites entre el bien y el mal se difuminan. Una película que nos habla de desarraigo, honor, dignidad y amistad traicionada en el contexto de un mundo que está cambiando: sus protagonistas son hombres duros cuyo tiempo se ha acabado. Y a pesar de la violencia, “Grupo salvaje” ofrece, sin embargo, imágenes de sobrecogedor lirismo.

“Grupo salvaje” es un magistral western crepuscular escrito por el propio Peckinpah junto a Walon Green y Roy N. Sickner, resumen de una forma de entender la vida, regida por unos códigos no escritos pero con una fuerte carga ética y moral.

Excepcional trabajo interpretativo de todo el reparto, entre ellos el insuperable William Holden (quien basó parte de su actuación en el propio director) o el General “Mapache” encarnado carismáticamente por el mexicano Emilio Fernández.

Después solo queda la hora de los homenajes, recordando en flash-back los rostros sonrientes de los componentes de este grupo salvaje…

Biografía del famoso pintor francés Toulouse-Lautrec en el Monmartre de finales de siglo XIX. Lautrec fue un magnífico artista que sufrió constantes rechazos por su físico deforme, llevándolo a intentos de suicidio constante.

Una extraordinaria película, al nivel de las mejores de Huston e incluso, en mi opinión, mejor que algunas de las más famosas. Esta película debería estar considerada al nivel de “El tesoro de Sierra Madre”, “El halcón maltés”... Es un trabajo soberbio, magnífico y lleno de ese sello inequívoco de Huston.

No sólo es fiel a la biografía del genial pintor sino que nos hace respirar el aire bohemio parisino y consigue hacer absolutamente creíbles al elenco de personajes que se deslizan sobre el entarimado del Moulin Rouge. Tan creíbles que parecen recién salidos de los cuadros de Lautrec (soberbia la actuación de José Ferrer), que adquirieron vida propia para hacernos disfrutar desde sus cancanes llenos de picardías y colores.

Inevitablemente hay que subrayar el tratamiento del color en la película. Todo el metraje tiene una luz y un color muy especial, pero sobre todo destaca la secuencia del intento de suicidio. Ese momento es insuperable, con unos fotogramas auténticamente impresionistas, como cuadros en movimiento tratando de reflejar el estado de ánimo del protagonista.

Como aperitivo, aquí os dejo la escena de presentación en Youtube.