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Otra obra maestra del gran director Akira Kurosawa. Y otra soberbia interpretación de su protagonista, Toshiro Mifune.

Rodada en 1927, Eisenstein para ésta película quiso inspirarse en “Diez días que conmovieron al mundo”, libro del periodista John Reed.  

Tenía poco tiempo así que Eisenstein se centro en la Revolución de San Petersburgo, trató de convertir su película en un experimento creativo, pero no tuvo éxito. En primer lugar por las condiciones de rodaje: se le obligó desde el gobierno comunista a tenerla firmada y montada precisamente para Octubre de 1927, a fin de conmemorar el décimo aniversario de la Revolución. A esto se le suma la carencia de medios técnicos, y sobre todo la censura a la que Stalin sometió a la película, obligando a eliminar todas las secuencias en las que aparecía Troski (a pesar de haber sido el organizador del ejército rojo), algunos opinan que Stalin llegó a censurar un tercio de la película... alterando su significando.   

Con ”Octubre”, Eisenstein en realidad no quiso conmemorar la Revolución sino demostrar la vigencia de unos valores que debían seguir estando presentes, porque era en ese momento que había llegado Stalin al poder cuando parecía haber mas riesgo de que se diluyeran. Eisenstein defendía la idea de Revolución continua, que era una idea muy en la línea de Troski. Su película por tanto no podía ser un mero documental realista como quería el gobierno.  Lleva a sus máximas consecuencias el montaje de atracciones, y realiza una película basada sobre todo en un lenguaje visual. Las palabras son sustituidas por imágenes, de manera que la película gira en torno a ideas y conceptos abstractos. Y por eso a Eisenstein se le acusa de hacer una película ininteligible y formalista.  

Por ejemplo la escena de Kerensky, un menchevique que llegó al poder en 1917, instaurando a la burguesía, en un intento de hacer una transición con el régimen zarista, que iba en contra de los ideales bolcheviques. Y Eisenstein precisamente recoge una escena de este personaje, al que satiriza y compara su ambición con Napoleón y con un pavo real mientras se le muestra subiendo las mismas escaleras desde diversos planos (y se alternan con rótulos de los distintos títulos que se dio a si mismo), la escena culmina con la coronación de una botella de licor (ejemplo de su ambición personal); o cuando Kornilov se dirige a San Petersburgo para derrocarle, mientras que Kerenski, cobarde, se refugia en un montón de almohadas.  

Otra escena muy famosa, es la que arremete contra la idea de Dios. Kornilov fue un general que en 1917 trató de derrocar a Kerenski y volver al estado zarista (de ahí la imagen de reconstrucción de la estatua del zar). Para ello, Kornilov trató de asentar su idea en la religión y de ahí la sucesión de iconos religiosos diversos, pero en una relación regresiva (del monoteísmo católico al politeísmo panteísta primitivo) Eisenstein quiere así comunicar la fragilidad de la idea de religión. Jacques Derrida acuñó el término “Deconstrucción”, y que es lo que aplica aquí Eisenstein. Kornilov es apoyado por las potencias extranjeras (tanques ingleses) que rompen la estatuilla de Napoleón (nuevo simbolismo). Los soldados (de plomo) son comparados con vasos de cristal (los bolcheviques se oponían a la participación rusa en la Primera Guerra Mundial). Pero al mismo tiempo, Kornilov es otro “Napoleón” , y será el pueblo quien finalmente deba salir a luchar... 

Absoluta obra maestra, una historia de amor conmovedora, real y de una sutileza como sólo Clint Eastwood puede conseguir actualmente.

Eastwood muestra el otro lado de su gran talento, pues se aleja del oscuro estilo de sus (otras) obras cumbres, como la dolorosa redención de Sin perdón, los demonios internos de Mystic River y el desgarrador final de Million Dollar Baby. Aquí tenemos a un Eastwood entregado a un romanticismo penetrante y minimalista basado en los silencios y las miradas para crear una de las historias de amor más hermosas que se han contado en el cine. 

Meryl Streep interpreta a un ama de casa que abandonó sus sueños por amor y ahora se afixia en una pequeña granja del perdido condado de Madison. La llegada de un fotógrafo del National Geographic – Clint Eastwood-, un fin de semana que su familia está fuera, le hará aflorar sentimientos escondidos que entrarán en conflicto con la persona que ha sido hasta ese momento.

 Un auténtico ejercicio de estilo técnico y narrativo que consagra a Eastwood como un director clásico, es decir, atemporal, capaz de las mayores audacias expresivas desde la contención, la sobriedad y una exquisita sensibilidad que, sin embargo, desborda pasión en todos los planos en que aparecen juntos los protagonistas. 

A destacar la intensa escena en la que el duro Clint mira por el retrovisor de su furgoneta mientras la mano de Streep duda entre abrir la puerta a una nueva vida, a la vida que siempre anheló... Es el amor prohibido que todos llevamos dentro y que recordamos de por vida.  

Una de esas películas que te aísla de todo.

El director Ferrand comienza el rodaje de su nueva película, la última que será filmada en unos grandes estudios cuyos momentos de gloria se han quedado en el pasado. Envuelto en la nostalgia y la incertidumbre, Ferrand se ocupa de todos los aspectos del rodaje. A veces tiene la respuesta a los cientos de preguntas que se le hacen. Otras, las más, responde sin estar totalmente seguro de que sus indicaciones sean las correctas. Una joven estrella internacional, Julie, se incorpora al rodaje de la cinta. Ella es la protagonista junto con Alphonse, un joven actor cuya inseguridad se transmite al personaje que encarna. Junto a ellos, un grupo de estrellas del pasado, técnicos y personal de apoyo cumplen con el mágico ritual de llevar a la pantalla la historia de Pamela (el personaje que interpreta Julie).

En su película "La noche americana" Truffaut rinde un sentimental tributo a la fábrica de sueños que fue el cine industrial de los años dorados. Y en ese tributo nos una secuencia memorable que tal vez sea la que mejor resume todo ello: el niño (el propio Truffaut o, en realidad, cualquier cinéfilo) soñando que roba por las noches los carteles de un cine dónde se proyecta Ciudadano Kane...

La República Democrática de Freedonia, un pequeño país centroeuropeo, a cuyo frente se encuentra el muy liberal señor Rufus T. Firefly, se ve amenazada por la dictadura de Sylvania, país limítrofe de vieja y reconocida solvencia. Dos espías de prestigio, Chicolini y Pinky, sirven a Sylvania, lo que no impide que acaben siendo ministros de Firefly. 

Groucho dirige la república más desternillante de la historia del cine en la mejor comedia de los hermanos Marx, lo cual es sinónimo de humor delirante y surrealista... aunque curiosamente la película no tuvo el éxito esperado cuando se estrenó. 

El humor se basa en la incoherencia de los personajes (nunca se pueden predecir sus reacciones...), la caracterización de los protagonistas, las situaciones absurdas, los excelentes gags visuales y, sobre todo, auténticas joyas verbales: 

"No permitiré injusticias ni juego sucio, pero si se pilla a alguien practicando la corrupción sin que yo reciba una comisión, le pondremos contra la pared y daremos órdenes de disparar" 

Contiene parodias sorprendentes: la de los musicales de la época y las imitaciones de Paul Revere (héroe de la Independencia norteamericana), Lee, Grant y otros. Son sobresalientes las escenas del juego de sombreros, el puesto de venta de limonada (un crescendo de irritación), el espejo inexistente, la fiesta de bienvenida del presidente, la alegría de los diputados tras la declaración de guerra y la famosísima batalla final.  

El humor corrosivo y demoledor de los Marx ridiculiza la figura del tirano, el régimen dictatorial y la guerra, explicando con maestría y buen humor que lo absurdo no está en la película, sino en la realidad.

Una mujer vuelve de una pequeñas vacaciones en una estación de esquí dispuesta a pedir el divorcio a su marido, pero cuando llega a París se encuentra con que éste ha sido asesinado. Las sospechas, según la embajada americana, recaen en 3 hombres que buscan un dinero que aparentemente tenía su esposo, pero que en realidad pertenece al gobierno de los Estados Unidos. El problema es que la inocente y frágil Reggie (Autrey Hepburn) no sabe nada de ese dinero ni de la verdadera identidad de quién dice protegerla... 

Charada es una comedia de intriga (si, son planteamientos compatibles y muy fértiles) desarrollada en refinados ambientes. Stanley Donen realiza una especie de homenaje al maestro Alfred Hitchcock (incluso utilizando a uno de sus actores fetiche: Cary Grant), pero llega más allá en cuanto al humor que destila su película.

Además, como si todo lo anterior fuera poco, el reparto es de lujo: Autrey Hepburn, Cary Grant, James Coburn, Walter Matthau y George Kennedy, desplegando todo su talento...

Un joven soldado norteamericano es enviado a la frontera entre Vietnam y Camboya. Al poco, descubre la crueldad de la guerra, y no sólo por los duros enfrentamientos bélicos, sino por las relaciones entre los propios compañeros. El cambio, desencanto más bien, que experimentará ese soldado recién llegado (por cierto, magnifico plano en el que se ve como se abre la puerta del avión para dejar en tierra a los soldados)  queda perfectamente reflejado en una frase promocional que acompaña al cartel de la película: La primera víctima de la guerra es la inocencia. 

Uno de los temas más interesantes quedan patentes desde un principio, ¿quiénes van a la guerra? Pues los pobres, los que no tienen nada que perder (aparte de su propia vida...) y que luchan por defender el modo de vida americano (no necesariamente el mejor...) que disfrutan otros. 

Podría decirse que Platoon es "la" película de Vietnam, porque Oliver Stone aúna su propia experiencia personal como soldado en la guerra de Vietnam, sus dotes de guionista y su talento visual para rodar una brillante y potente película bélica sobre las andanzas de un pelotón (platoon). Cuando Stone rodó la película tenía en mente filmar toda una trilogía sobre el conflicto del Vietnam, y esa idea fue llevada a la práctica con los rodajes posteriores de Nacido el 4 de Julio, en 1989 y El cielo y la tierra, en 1993.  

La verosimilitud de la película Platoon es absorbente: las inquietudes, los temores y la desesperación de los soldados; la soberbia ambientación introduce por completo al espectador en el ambiente, poniéndole entre unos personajes muy bien dibujados a nivel psicológico, que cuando interactúan entre sí crean situaciones tremendamente realistas. Impagable las actuaciones de Tom Berenger y Willem Dafoe, que interpretan a  los sargentos Barnes y Elías respectivamente, con un enfrentamiento al límite por el poder y por la supervivencia. 

La escena final, con la huida desesperada e inútil del sargento Elías, traicionado por su propio compañero, forma ya parte de las imágenes esenciales de la historia del cine.

Las fuertes críticas que recibió la película “El nacimiento de una nación” provocó que su director, D.W.Griffith se “auto-defendiera” realizando esta película. 

Si “El nacimiento de una nación” fue la primera película en la que se configuró el sistema narrativo “clásico” tal como lo entendemos hoy día, en Intolerancia Griffith rompe ese sistema que él mismo había creado para ofrecernos una película absolutamente progresista y vanguardista: incluso comparada con producciones actuales, Intolerancia supera a muchas películas.