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Gustav von Aschenbach (Dirk Bogarde), un compositor alemán que acaba de tener un enorme fracaso con su última obra, llega a Venecia hundido y desangelado en el verano de 1911, por la creencia de haber perdido su humanidad y su juventud. Pese a que su único objetivo es hallar la paz y el reposo, pronto descubre que todo a su alrededor se encuentra en el mismo decadente estado que su persona. En el Hotel Des Bains una familia de turistas polacos llama la atención del músico, especialmente el joven Tadzio (Bjorn Andersen), un adolescente por el que siente una súbita e intensa atracción. Este impactante hecho hace que Aschenbach quiera abandonar Venecia. En la estación descubre que su equipaje ha sido extraviado, pero lejos de desesperar se siente liberado por no tener que huir. Pese a que la ciudad se haya infectada por una epidemia de cólera, Aschenbach permanece en el Lido veneciano, abandonándose a la enfermedad sin resistencia alguna, como medio para dejar un mundo en el que la perfección es imposible. 

Inglaterra, siglo XII, Enrique II obliga al clero a pagar tributos para defender su reino. El enfrentamiento que esto causa obliga al rey a tomar una solución drástica que cree ingeniosa: nombrar a su sirviente y guardasellos real, Thomas Becket, como arzobispo de Canterbury, creyendo que así que el estamento eclesiástico se plegaría a sus deseos. Sin embargo, el monarca pronto descubrirá que Becket se toma muy en serio su papel.

Basada en una obra teatral de Jean Anouilh, esta película está realizada con el tradicional esmero que pone la cinematografía británica cuando aborda algún pasaje histórico de este país.

La película tiene múltiples puntos fuertes, como el vestuario, la fotografía, la música, o el propio guión (con unos diálogos que derrochan fuerza, humor, ironía y contundencia). Pero debemos destacar, sobre todo, las interpretaciones de Peter O’toole y Richard Burton. Peter O’toole le toma la medida a su personaje regio y nos trae, desde los libros de Historia, a un Enrique II absolutamente creíble y convincente. Tan creíble que le volvería a dar vida poco después en la magnífica película “El león en invierno” (1968). También haremos mención a John Gielgud, más que correcto como rey de Francia.

El segundo punto fuerte son, como no, los decorados. Becket nos permite disfrutar de varias escenas filmadas en la propia Catedral de Canterbury. Dicha catedral empezó a construirse en estilo Románico en 1070. Hoy resulta un edificio de aspecto marcadamente Gótico, pues fue reformada según este lenguaje tras el incendio de 1174. Sin embargo, del plan Románico original aún se conservan varias partes importantes, como los capiteles esculpidos de la cripta.

El argumento de esta película “maldita” es sencillo y conocido ya en la historia del cine: un hombre (en este caso, Hans, el enano de un circo) hereda una cuantiosa fortuna y se casa con una mujer fatal (Cleopatra, la bella contorsionista y único ser deforme del circo) que acepta el matrimonio con la intención de matarlo tras la boda y heredar la fortuna de su breve esposo. Tras esta muerte, Cleopatra planea unirse al forzudo Hércules. 

Para empezar esta nueva sección sobre el Cine y las vanguardias artísticas, y aunque sé que es un poco largo, aquí os dejo mi comentario sobre la que es una de las mejores películas de la Historia. Y desde luego la más representativa del cine revolucionario soviético:

En 1925 Einsenstein recibió del partido comunista el encargo de hacer una película sobre los acontecimientos de 1905 , y que de hecho se iba a titular así.

En ese mega proyecto, el episodio del amotinamiento del Potemkin era sólo un pequeño fragmento. Pero luego al ir a filmar a San Petersburgo las inclemencias meteorológicas le impiden avanzar el rodaje. Así que marcha a Odessa, y allí decide cambiar el guión y desarrollar el episodio del Potemkin hasta convertirlo en la película misma. En ésta película el montaje de atracciones ya está bien establecido.
 
La película se divide en cinco actos, inspirados en la tragedia clásica, cada uno de ellos dividido en dos partes. Y alternó la historia individual de algunos personajes con la historia colectiva hasta llegar a dar al final una mayor importancia a esa historia colectiva.

·         Hombres y gusanos: se describen las condiciones de vida tan deplorables que había en el acorazado, y que son las desencadenantes del motín.

·         Drama en el puente de mando: ante la negativa de comerse la carne podrida, intento de fusilamiento, estalla el motín . Y toman el puente de mando, con la muerte del cabecilla de los marineros, Vakulinchuk. ·

         La exhortación del muerto: el cadáver es llevado a Odessa y enterrado.

·         Las escaleras de Odessa: represión zarista sobre la población que habìa apoyado a los amotinados . Respuesta desde el acorazado.

·         Ante la escuadra: el acorazado consigue traspasar el cerco de barcos zaristas y consuman el motín.

A los oficiales los representa como los opresores. A los soldados que ejecutan a los habitantes de Odessa, los representan como una fría máquina de matar. A los marineros y a los habitantes de Odessa, los representa como el pueblo, noble y heroico.
 
En toda la película se produce una serie de agresiones visuales (los gusanos, el intento de fusilamiento, y sobre todo la secuencia de la escalera), la secuencia de la escalera a pasado a la historia como los cinco minutos más importantes de todo el siglo XX. Es el eje vivo de un momento cinematográfico que resume todo (tanto el que se narra, y el cómo se narra). Usó la segunda categoría del montaje: el montaje rítmico, en el que hay una serie de acontecimientos que se intentan resumir y contraponer reduciéndolos a dos movimientos:

- el movimiento de los soldados, mecánico, ordenado, (una máquina).
- el movimiento del pueblo, desordenado, anárquico, disparatado.

Y dentro de cada movimiento introduce elementos de variación (los soldados se detienen para disparar, mientras un cojo intenta escapar). Y dentro de ese movimiento general, hay dos pequeñas acciones que recalcan la fuerza del montaje rítmico:

- una madre con su hijo muerto en brazos, que avanza hacia los soldados. Se consigue congelar esa vorágine asesina, para contemplar el drama particular.

- otra madre, que muere, y el cochecito del bebe que llevaba queda suelto y comienza a descender las escaleras sin control.

Ésta tensión consigue un elemento de transición entre los dos movimientos generales.
 
La secuencia termina con el acorazado respondiendo a la carga de los cosacos, y atacando al teatro de Odessa (donde se supone que estaba el mando zarista). Pero en realidad, el teatro es de otra ciudad (Eisenstein reutiliza unas imágenes ya existentes) y el acorazado que dispara tampoco es el Potemkin (que ya no existía, porque en la realidad el motín fracasó). Y la verja del teatro tampoco es real. Es todo una manipulación mental, que logra la unidad espacio-tiempo.

Aqui podréis consultar algo más de información sobre este gran director:

http://www.loscineastas.com/einsenstein.htm